ESTUDO SOBRE POÉTICA
Sumário
1. Introdução
1. Introdução
1.1 O Que é um Soneto
1.2 Origem do Soneto
1.2.1 Panorama histórico do surgimento
2. Estruturas Clássicas de Sonetos
2.1 Soneto Italiano (Petrarquiano)
2.2 Soneto Inglês (Shakespeariano)
2.3 Soneto Monostrófico
2. Estruturas Clássicas de Sonetos
2.1 Soneto Italiano (Petrarquiano)
2.2 Soneto Inglês (Shakespeariano)
2.3 Soneto Monostrófico
2.4 Soneto Estrambótico
3. Elementos Fundamentais
3.1 Ritmo e Métrica
3.1.1 Ritmo
3. Elementos Fundamentais
3.1 Ritmo e Métrica
3.1.1 Ritmo
3.1.1.1 Ritmo binário ascendente ou jâmbico
3.1.1.2 Ritmo binário descendente ou trocaico
3.1.1.3 Ritmo ternário ascendente ou anapesto
3.1.1.4 Ritmo ternário descendente dactílico
3.1.1.5 Outros ritmos
3.1.2 Métrica
3.1.2.1 Da contagem das sílabas
3.1.2.1.1 Primeira regra
3.1.2.1.2 Segunda regra
3.1.2.1.3 Terceira regra
3.1.2.1.4 Sinérese e Sinalefa
3.1.2.2 Modo de alterar o número de sílabas
3.1.2.2.1 Prótese
3.1.2.2.2 Epêntese
3.1.2.2.3 Paragoge
3.1.2.3 Dos acentos predominantes ou pausas
3.1.2.4 Palavras agudas, graves e esdrúxulas
3.1.2.5 Das espécies de metros na língua portuguesa
3.1.2.5.1 Dos versos graves em geral
3.1.2.5.2 Dos versos agudos em geral
3.1.2.5.3 Dos versos escrúxulos em geral
3.2 Rima
3.2 Rima
3.2.1 Classificação das rimas
3.2.1.1 Quanto a correspondência sonora
3.2.1.1.1 Rima Consoante
3.2.1.1.2 Rima Toante (assonante)
3.2.1.2 Quanto a disposição
3.2.1.2.1 Rima emparelhada ou paralela
3.2.1.2.2 Rima alternada, cruzada ou entrelaçada
3.2.1.2.3 Rima oposta ou interpolada
3.2.1.3 Quanto à sonoridade
3.2.1.3.1 Rica
3.2.1.3.2 Pobre
3.2.1.3.3 Preciosa
3.2.1.3.4 Rara
3.2.1.4 Quanto à qualidade
3.2.1.4.1 Consonantal
3.2.1.4.2 Assonantal
3.2.1.5 Quanto à posição na estrofe
3.2.1.5.1 Externa
3.2.1.5.2 Interna
3.2.1.6 Quanto ao grau de semelhança
3.2.1.6.1 Masculina
3.2.1.6.2 Feminina
3.2.1.6.3 Grave
3.2.2 Mérito das rimas
3.2.3 Da disposição das rimas
3.2.3.1 Terceto
3.2.3.2 Sextilha
3.2.3.3 Oitava
3.2.3.4 Quintilha
3.2.3.5 Quadra
3.2.3.6 Décima
3.2.4 Da homofonia do verso e da rima
3.2.4.1 Homofonia no verso
3.2.4.2 Homofonia na rima
3.2.4.3 Efeitos da homofonia
3.2.4.4 Importância para a poesia
4. Formas de estrutura poética
5. Cuidados e dicas
6. Unidade Temática e Semântica
6.1 Elementos temáticos
6.2 Unidade semântica
6.3 Composição estrutural
7. Passos para Compor um Soneto
7.1 Escolha Temática
7.2 Planejamento Estrutural
7.3 Construção do Ritmo
7. Passos para Compor um Soneto
7.1 Escolha Temática
7.2 Planejamento Estrutural
7.3 Construção do Ritmo
7.4 Desenvolvimento do pensamento
7.5 Uso de figuras de linguagem
7.6 Revisão e Ajustes
7.7 Como manter a fluidez, evitando versos truncados e monótonos?
7.7.1 Respeitar a métrica sem rigidez excessiva
7.7.2 Posicionar bem os acetos métricos
7.7.3 Usar encontros vocálicos e consonantais com cuidado
7.7.4 Variar a construção sintática
7.7.5 Escolher palavras sonoras e imagens expressivas
7.7.6 Ajustar durante a revisão
8. Explorações Avançadas em Estilo e Linguagem
8.1 Figuras de Linguagem
8. Explorações Avançadas em Estilo e Linguagem
8.1 Figuras de Linguagem
8.1.1 Figuras de palavras (tropologia) - Ampliação do significado
8.1.2 Figuras de construção - Quebra da estrutura esperada
8.1.3 Figuras de pensamento - Impacto e contraste
8.1.4 Figuras sonoras - Musicalidade e harmonia
8.2 Recursos Sonoros e Visuais
8.2.1 Recursos sonoros - Ritmo e harmonia
8.2.2 Recursos visuais - A construção da imagem no soneto
9. Obstáculos Comuns e Estratégias de Superação
9. Obstáculos Comuns e Estratégias de Superação
9.1 Dificuldade em manter a métrica e o ritmo
9.2 Encontrar rimas ricas e evitar rimas pobres
9.3 Manter a originalidade do conteúdo
9.4 Equilibrar sentido e forma
9.5 Construir um fechamento forte no dístico final
10. Trabalhando a Métrica
10. Trabalhando a Métrica
10.1 Escolha o metro
10.2 Contagem silábica poética
10.3 Ritmo e acentuação
10.4 Organização de rimas
11. Exegese de Sonetos Clássicos
11. Exegese de Sonetos Clássicos
11.1 Passos para a exegese de um soneto clássico
11.1.1 Identificação estrutural
11.1.2 Análise temática
11.1.3 Estudo dos recursos poéticos
11.1.4 Contextualização histórica e autor
11.2 Camões, Shakespeare e Outros Mestres
11.2 Camões, Shakespeare e Outros Mestres
11.2.1 Exegese do Soneto "Amor é um fogo que arde sem se ver" - Camões
11.2.1.1 Estrutura formal
11.2.1.2 Análise estrofe por estrofe
11.2.1.3 Figura de linguagem principais
11.2.1.4 Contexto e influências
11.2.1.5 Conclusão
11.2.2 Exegese do Soneto 35 - William Shakespeare
11.2.2.1 Estrutura formal
11.2.2.2 Análise estrofe por estrofe
11.2.2.3 Figuras de linguagem principais
11.2.2.4 Contexto e interpretações
11.2.2.5 Conclusão
11.2.3 Exegese do Soneto de Fidelidade - Vinícius de Moraes
11.2.3.1 Estrutura formal
11.2.3.2 Análise estrofe por estrofe
11.2.3.3 Figuras de linguagem principais
11.2.3.4 Contexto e interpretações
11.2.3.5 Conclusão
11.2.4 Exegese do "Soneto da perdida esperança" - Drummond
11.2.4.1 Estrutura formal
11.2.4.2 Análise estrofe por estrofe
11.2.4.3 Figuras de linguagem principais
11.2.4.4 Contexto e interpretações
11.2.4.5 Conclusão
11.2.5 Exegese do Soneto de Ferreira Gullar
11.2.5.1 Estrutura formal
11.2.5.2 Análise estrofe por estrofe
11.2.5.3 Figuras de linguagem principais
11.2.5.4 Contexto e interpretação geral
11.2.5.5 Conclusão
11.2.6 Exegese do Soneto "Querenças" de Francisco Miguel de Moura
11.2.6.1 Estrutura formal
11.2.6.2 Análise estrofe por estrofe
11.2.6.3 Figuras de linguagem principais
11.2.6.4 Interpretação geral
12. Revisão e Refinamento
12.1 Revisão formal (Métrica e Rima)
12.2 Refinamento do conteúdo
12.3 Refinamento estilístico
12.4 Quando revisar e refinar
12.5 Conclusão
13. Ferramentas auxiliares
13.1 Ferramentas tecnológicas
13.1.1 Processadores de texto
13.1.2 Ferramentas de rima e métrica
13.1.3 Plataforma de revisão e feedback
13.1.4 Software de análise de métrica
13.1.5 Gravações de áudio e ferramentas de leitura
13.1.6 Aplicativos de organização de ideiais e anotações
13.2 Ferramentas tradicionais
13.2.1 Caderno e caneta
13.2.2 Leirutra em voz alta
13.2.3 Ficha de anotações
13.2.4 Diário criativo
13.3 Estratégias complementares
13.3.1 Estudo de poetas e obras clássicas
13.3.2 Desenvolvimento de um rotina de escrita e revisão
13.3.3 Conclusão
DICA: Toda e qualquer pessoa que pretenda elaborar versos, além do talento e inteligência, deve consultar algum manual para conhecer a boa arte de construir um verso. (Olavo Bilac e Guimarães Passos)
É possível aprender a ler e escrever sonetos? A princípio, a tarefa pode parecer desafiadora, mas o domínio dessa forma poética clássica é alcançável com estudo, prática e atenção às regras. Não basta, porém, realizar uma leitura rasa, superficial ou voltada apenas ao entretenimento para extrair o máximo dos sonetos clássicos. É fundamental uma análise apurada do poema.
O primeiro passo é buscar compreender o significado profundo do poema, desvendando as nuances da linguagem, as metáforas, as simbologias e as intenções do poeta. Essa leitura deve ser lenta e reflexiva para ser mais proveitosa, exigindo uma análise cuidadosa de cada verso.
Toda atenção deve estar concentrada na estrutura do poema, nas figuras de linguagem, nos temas abordados e nas relações entre os elementos do texto, procurando identificar os significados implícitos e as possíveis interpretações sob o contexto histórico, cultural e literário. Para tanto, é essencial que o leitor — e, ainda mais, quem se propõe a escrever — tenha conhecimentos de Teoria Literária, Filosofia Literária, Historiografia Literária e leia, sobretudo, os clássicos.
Alguns procedimentos analíticos serão aqui apresentados, sem a pretensão de se esgotar o tema, dado que este é muito amplo e complexo para uma obra de caráter introdutório. Segundo Korytouski (2021, p.10), "Assim como o Advogado precisa conhecer as leis, o médico a anatomia, o poeta precisa conhecer e dominar os recursos do seu ofício." Todo aquele que pretenda escrever versos, além do talento e inteligência, deve dominar a técnica da boa arte de construir um verso." Somente assim será possível aliar talento (inspiração) ao trabalho (técnica), construindo versos mais elaborados.
"Todos os grandes poetas do nosso tempo o praticam, como jogos ou exercícios pelo qual exaurem as manifestações lúdicas do seu lirismo. Pois este é o gênero em que melhor acontece o código cuja mensagem só a nossa poesia interior pode ler e receber. Às vezes apenas na simples música das palavras ou no jogo das letras, das vogais e das consoantes, na verdade os átomos, os núcleos da poética que dão expressão ao achado da poesia, conteúdo do verso como forma do discurso. Um jogo de contas de cristal." (Estudo, por Nehemias Gueiros, Mistério do soneto shakespeariano)
Embarque conosco nesta jornada pela poesia! Começaremos desvendando os mistérios do soneto, uma forma poética milenar que continua a encantar leitores e escritores. Neste manual, você aprenderá a ler com profundidade, estudando tudo sobre a estrutura, a métrica e os recursos estilísticos que caracterizam essa forma poética tão rica e versátil.
1.1 O que é um soneto?
A palavra "soneto" tem raízes italianas e significa "pequena canção" ou "pequeno som". Enquanto poema, o soneto é uma das formas fixas mais celebradas da tradição literária ocidental. Antes de conceituar o que é um soneto, é fundamental compreender a diferença entre poesia e poema.
Poesia: é a expressão do "eu" por meio de metáforas; refere-se à expressão artística da subjetividade humana, geralmente marcada pela busca de um efeito estético por meio de recursos linguísticos como ritmo, metáforas e imagens. Em outras palavras, é uma forma de arte, uma manifestação literária que transmite sentimentos, ideias e emoções por meio das palavras. A poesia pode estar presente não apenas em textos literários, mas também em outras formas de expressão, como música, prosa ou teatro. Ela é a essência da criação artística, envolvendo ritmo, sonoridade e beleza.
Poema: é a forma material que a poesia assume, ou seja, a
estrutura textual concreta que organiza a linguagem em versos. O poema é a obra escrita, enquanto a poesia é o sentimento ou a inspiração que ele contém.
O poema é o corpo; a poesia, a alma, ou seja, um soneto pode ser composto com o máximo de rigor formal, segundo as regras que o tornam uma forma fixa, sem conter poesia. Assim, o conceito de poesia é fluido e está em constante evolução. Ao longo da história, poetas consagrados apresentaram suas definições, enriquecendo o debate sobre o que é poesia:
Aristóteles: Para o filósofo grego, a poesia era uma imitação da natureza e um meio de purgar as emoções.
Horácio: O poeta romano enfatizava a beleza formal da poesia, a importância da harmonia e do equilíbrio.
Percy Bysshe Shelley: O poeta romântico inglês via a poesia como um instrumento de revolução e transformação social.
Charles Baudelaire: O poeta francês explorou a poesia como uma forma de sondar as profundezas do inconsciente e as obscuridades da alma moderna.
T.S. Eliot: O poeta modernista inglês defendia a importância da tradição poética e da linguagem ambígua na poesia.
Pablo Neruda: Considerava a poesia como uma forma de amor e esperança, afirmando que "a poesia é um ato de amor". Ele via a poesia como uma maneira de conectar-se com a vida e o universo.
Fernando Pessoa: Ele via a poesia como uma forma de explorar a identidade e a subjetividade, muitas vezes utilizando diferentes heterônimos para expressar várias facetas de sua personalidade.
Rainer Maria Rilke: "A poesia não é um sentimento, mas a experiência do sentimento." Rilke via a poesia como a captura da qualidade sensorial e visceral da experiência humana.
O soneto é uma forma poética de estrutura fixa e concisa, que demanda habilidade especial para expressar ideias complexas em poucas palavras. Existem diferentes tipos de soneto, com variações nos esquemas de rimas e na estrutura: o Soneto Italiano (Petrarquiano), o Soneto Inglês (Shakespeariano), o Soneto Monostrófico e o Soneto Estrambótico.
Os elementos principais na estrutura de um soneto são os versos e as estrofes:
Verso: Verso vem do latim versu (m), virado, voltado. A palavra verso significava, no início, a volta que dava a charrua (arado grande, de ferro) ao fim de cada sulco feito na terra. Em seguida, passou a designar o próprio sulco. Finalmente, já como metáfora, passou a significar a linha da escrita, e mais precisamente, a linha da escrita em poesia (Cf. Dicionário de literatura. 3. ed. 4o Volume. Direção Jacinto do Prado Coelho. Porto: Figueirinha, 1983. p. 1147.). Assim, hoje verso significa
cada linha de um poema, ou a unidade rítmica básica e pode ter um
número variável de sílabas poéticas, cuja contagem é diferente da
gramatical.
Estrofe: conjunto de versos que formam um bloco dentro do poema. As estrofes são separadas por espaços em branco, criando uma organização visual no texto.
Os versos são distribuídos pelas estrofes, sendo a estrutura mais conhecida a do soneto italiano: estrofes com dois quartetos e dois tercetos, criando um equilíbrio entre desenvolvimento e conclusão.
A criação do soneto é geralmente atribuída ao poeta italiano Giacomo da Lentini (1197-1240), no século XIII, durante o período da Idade Média, no contexto da transição do feudalismo para o Renascimento. Ele era membro da Escola Siciliana, um grupo de poetas que se reuniam na corte do imperador Frederico II, na Sicília.
Embora Giacomo da Lentini seja reconhecido como o criador, foi o poeta Francesco Petrarca, no século XIV, quem popularizou e aperfeiçoou, conferindo-lhe a estrutura que hoje conhecemos como "soneto italiano" ou "petrarquiano".
Francesco Petrarca (1304-1374) nasceu em Arezzo e faleceu em Arquà, onde passou os últimos anos de sua vida. Ele é amplamente reconhecido como poeta por sua coletânea "Canzoniere", composta por 366 poemas, dos quais 317 são sonetos. No auge de seus vinte anos, escreveu a maioria dos sonetos dedicados ao amor platônico por Laura. Esses poemas, com métrica rigorosa e fluidez estilística, consolidaram a forma singular do soneto italiano.
Considerado o pai do soneto renascentista, sua influência moldou a prática poética em toda a Europa. Este estudo abrangerá detalhadamente o Soneto Petrarquiano, embora outras formas poéticas também sejam abordados.
1.2.1 Panorama histórico do surgimento
No século XVI, o soneto ultrapassou as fronteiras italianas e se espalhou pela Europa:
- Na França, foi introduzido por Clément Marot e amplamente adotado por poetas como Pierre de Ronsard e Joachim du Bellay, integrantes da Escola da Plêiade.
- Na Espanha, foi incorporado por Garcilaso de la Vega, que adaptou o estilo petrarquiano às tradições locais.
- Em Portugal, Luís de Camões utilizou o soneto de maneira magistral em sua obra lírica, consolidando-o como uma forma expressiva central na literatura portuguesa.
Na Inglaterra, o soneto chegou no final do século XVI, por meio de Thomas Wyatt e Henry Howard, Conde de Surrey. Contudo, foi William Shakespeare quem deu ao soneto inglês sua configuração mais conhecida.
- Diferentemente do soneto italiano, o soneto inglês (ou shakespeariano) é composto por três quartetos e um dístico final, com o esquema de rimas ABAB CDCD EFEF GG.
- Shakespeare utilizou o formato para explorar temas como o amor, o tempo, a beleza e a mortalidade, conferindo à forma maior flexibilidade temática.
Pra começo de conversa
Primeiras manifestações da poesia erudita e popular foi no século XVI:
- Os versos de Anchieta (não eram propriamente “literatura”, mas simples recursos de catequese;
- A Prosopopeia de Bento Teixeira Pinto, o mais antigo dos poetas nascidos no Brasil.
- No século XVII surge a chamada Escola Baiana, cujo único poeta verdadeiro foi Gregório de Matos Guerra, a quem Silvio Romero confere o título de “fundador da nossa literatura”;
- A primeira metade do século XVIII foi, para a literatura brasileira, de uma esterilidade quase absoluta;
- De 1750 a 1830, há no Brasil o período literário, a que Sílvio Romero chama de “período do Desenvolvimento Autonômico”, onde floresceu a Escola Mineira com as primeiras tentativas de independência nas letras. Os principais poetas líricos da Escola Mineira entraram na Conjuração da Inconfidência;
Transformações no Barroco e no Neoclassicismo
Durante o período barroco (século XVII), o soneto adquiriu uma linguagem mais ornamentada e metafórica, como exemplificado nas obras de John Donne, na Inglaterra, e Sor Juana Inés de la Cruz, no México.
No século XVIII, com o Neoclassicismo, o soneto perdeu parte de sua popularidade, sendo considerado por muitos como uma forma rígida demais para a expressão poética.
O Renascimento do Soneto no Romantismo
No século XIX, com o Romantismo, o soneto ressurgiu como uma forma privilegiada para a expressão dos sentimentos subjetivos e das inquietações humanas. Poetas como William Wordsworth, na Inglaterra, e Almeida Garrett, em Portugal, redescobriram a riqueza expressiva da forma.
No Brasil, o Romantismo também trouxe grandes sonetistas, como Castro Alves e Álvares de Azevedo, que adaptaram o soneto às temáticas do nacionalismo e da paixão.
O Soneto no Simbolismo e no Modernismo
No final do século XIX, o Simbolismo revitalizou o soneto com uma estética que priorizava a musicalidade e o mistério. Exemplos incluem os sonetos de Cruz e Sousa e Alphonsus de Guimaraens.
Durante o Modernismo (século XX), o soneto sofreu críticas por sua rigidez, mas continuou sendo praticado por poetas que buscavam equilibrar tradição e inovação, como Manuel Bandeira e Vinícius de Moraes.
O Soneto na Atualidade
Hoje, o soneto é uma forma poética que, embora menos central, continua a ser explorada por poetas contemporâneos em todo o mundo. Sua longevidade e adaptabilidade demonstram o equilíbrio entre tradição e inovação que ele oferece. O soneto permanece um desafio técnico e uma forma rica para a expressão de ideias, sentimentos e reflexões.
Escolas literárias
Os sonetos variam consideravelmente, principalmente, entre o parnasianismo, o simbolismo e o modernismo, refletindo as características estéticas de cada movimento. Aqui estão as principais características para cada escola literária, desde o surgimento do soneto:
Classismo (Séculos XIV-XVI)
O Classicismo foi um movimento literário influenciado pelos ideais do Renascimento, surgido no século XVI e baseado na valorização da cultura greco-romana. Caracteriza-se pelo equilíbrio formal, racionalismo, harmonia e idealização. A literatura classicista buscava imitar os modelos da Antiguidade Clássica, enfatizando a simetria e a clareza.
O movimento começou na Itália no século XIV, com escritores como Dante Alighieri, Petrarca e Boccaccio, e se espalhou pela Europa nos séculos XV e XVI. O Classicismo predominou até o final do século XVI, quando foi gradualmente substituído pelo Barroco, que trouxe uma estética mais rebuscada e contrastante.
O Classicismo chegou a Portugal durante o Renascimento, no século XVI, com a introdução dos ideais humanistas e da redescoberta dos modelos clássicos. A grande figura do movimento foi Luís de Camões (1524-1580), autor de Os Lusíadas (1572), uma epopeia que exalta os feitos dos navegadores portugueses, especialmente Vasco da Gama. Além da epopeia, Camões também escreveu sonetos e poesia lírica de forte influência petrarquista. Características principais do Classicismo em Portugal:
- Influência da mitologia greco-romana.
- Uso da métrica clássica, especialmente o decassílabo heroico.
- Racionalismo e busca pelo equilíbrio formal.
- Universalismo e idealização do amor e da natureza.
Pioneiro do classicismo em Portugal, Sá de Miranda nasceu em Coimbra, em 1481, e morreu em Amares, interior do território português, em 1558. Fez Direito na Universidade de Lisboa e frequentou a Corte até 1521, data em que partiu para a Itália. Regressou a Portugal em 1526, depois de grande convívio com escritores e artistas italianos.
Foi o responsável por introduzir o verso decassílabo em Portugal, ou seja, o verso constituído por dez sílabas métricas. Além disso, foi pioneiro na composição de sextinas, tercetos e oitavas, influenciando muitos outros poetas. Leia um de seus sonetos:
Foi o responsável por introduzir o verso decassílabo em Portugal, ou seja, o verso constituído por dez sílabas métricas. Além disso, foi pioneiro na composição de sextinas, tercetos e oitavas, influenciando muitos outros poetas. Leia um de seus sonetos:
SONETO (Luís de Camões)
Quem vê, Senhora, claro e manifesto
o lindo ser de vossos olhos belos,
se não perder a vista só em vê-los,
já não paga o que deve a vosso gesto.
Este me parecia preço honesto;
mas eu, por de vantagem merecê-los,
dei mais a vida e alma por querê-los,
donde já me não fica a mais de resto.
Assim que a vida e alma e esperança
e tudo quanto tenho, tudo é vosso,
e o proveito disso eu só o levo.
Porque é tamanha bem-aventurança
O dar-vos quanto tenho e quanto posso
Que, quanto mais vos pago, mais vos devo
o lindo ser de vossos olhos belos,
se não perder a vista só em vê-los,
já não paga o que deve a vosso gesto.
Este me parecia preço honesto;
mas eu, por de vantagem merecê-los,
dei mais a vida e alma por querê-los,
donde já me não fica a mais de resto.
Assim que a vida e alma e esperança
e tudo quanto tenho, tudo é vosso,
e o proveito disso eu só o levo.
Porque é tamanha bem-aventurança
O dar-vos quanto tenho e quanto posso
Que, quanto mais vos pago, mais vos devo
Barroco no Brasil (1601-1768)
O Barroco no Brasil está associado às obras produzidas entre 1601 e 1768. O estilo chegou ao país após seu surgimento na Europa, no século XVI, e teve como marcos históricos a Reforma Protestante e a Contrarreforma. A Itália é considerada o berço desse movimento, tendo como seu maior representante, nas artes visuais, o pintor italiano Caravaggio (1571-1610). No entanto, na literatura, os poetas espanhóis Francisco de Quevedo (1580-1645) e Luis de Góngora (1561-1627) são seus principais expoentes.
No Brasil, o maior poeta barroco foi Gregório de Matos (1636-1696), conhecido como "Boca do Inferno". Sua poesia transita entre a sátira mordaz, a poesia religiosa e o lirismo amoroso.
No Brasil, o maior poeta barroco foi Gregório de Matos (1636-1696), conhecido como "Boca do Inferno". Sua poesia transita entre a sátira mordaz, a poesia religiosa e o lirismo amoroso.
- Conflito existencial
- Imagens contrastantes
- Teocentrismo
- Uso recorrente de: Antítese, Paradoxo, Hipérbole, Hipérbato, Sinestesia, Comparação, Metáfora
- Visão pessimista da realidade
- Feísmo: imagens grotescas
- Linguagem rebuscada
- Conceptismo: jogo de ideias
- Cultismo: jogo de palavras
- Carpe diem: “aproveitar o dia”
- Uso da medida nova: versos decassílabos
- Fascinação pela morte
- Fusionismo: fusão entre elementos opostos
SONETO DA BAHIA (Gregório de Matos)
Triste Bahia! ó quão dessemelhante
Estás e estou do nosso antigo estado!
Sobre te vejo a ti, tu a mi empenhado,
Rica te vi eu já, tu a mi abundante.
A ti trocou-te a máquina mercante,
Que em tua larga barra tem entrado,
A mim foi-me trocando, e tem trocado,
Tanto negócio e tanto negociante.
Deste em dar tanto açúcar excelente
Pelas drogas inúteis, que abelhuda
Simples aceitas do sagaz Brichote.
Oh se quisera Deus, que de repente
Um dia amanheceras tão sisuda
Que fora de algodão o teu capote!
Estás e estou do nosso antigo estado!
Sobre te vejo a ti, tu a mi empenhado,
Rica te vi eu já, tu a mi abundante.
A ti trocou-te a máquina mercante,
Que em tua larga barra tem entrado,
A mim foi-me trocando, e tem trocado,
Tanto negócio e tanto negociante.
Deste em dar tanto açúcar excelente
Pelas drogas inúteis, que abelhuda
Simples aceitas do sagaz Brichote.
Oh se quisera Deus, que de repente
Um dia amanheceras tão sisuda
Que fora de algodão o teu capote!
Arcadismo (1768-final do século XVIII)
O Arcadismo no Brasil foi um movimento literário que se desenvolveu no século XVIII, marcando a transição do Barroco para o Romantismo. Influenciado pelo Iluminismo e pelo Neoclassicismo europeu, o Arcadismo buscava a razão, a simplicidade e a valorização da natureza.
O Arcadismo surgiu em um período de mudanças na Europa e no Brasil. O Iluminismo, com sua ênfase na razão e na ciência, questionava o poder da Igreja e da nobreza. No Brasil, a Inconfidência Mineira refletia o desejo de liberdade e autonomia.
Características:
- Razão e Simplicidade: Os escritores árcades buscavam a clareza e a objetividade, evitando os excessos e a complexidade do Barroco.
- Valorização da Natureza: A natureza era vista como um refúgio da vida urbana e um lugar de inspiração e beleza.
- Retorno aos Clássicos: Os autores se inspiravam nos modelos da antiguidade clássica, como a poesia de Virgílio e Horácio.
- Bucolismo: A vida no campo e a figura do pastor eram idealizadas, representando a simplicidade e a harmonia com a natureza.
- Linguagem: A linguagem era mais contida e racional, buscando a beleza e a elegância na forma.
Principais Autores e Obras:
- Cláudio Manuel da Costa: Considerado o pai do Arcadismo no Brasil, com sua "Obras Poéticas". Poeta épico, escreveu Vila-Rica, epopeia de pouco valor, em que são celebradas as conquistas dos sertões pelas “bandeiras” paulistas.
- Tomás Antônio Gonzaga: Poeta lírico, escreveu Marília de Dirceu, é a primeira manifestação genuína do lirismo brasileiro, tão elevado pelo gênio dos poetas modernos. É superior a todos os outros poetas da Escola Mineira, superando inclusive aos poetas portugueses.
- Basílio da Gama: Principal obra, Uruguai, poema em versos decassílabos sem rima - tratava da luta dos portugueses contra os índios, que eram instigado pelos jesuítas, e se opunham à demarcação de limites decretada pelo Tratado de 1750. Como poeta épico é superior a Santa Rita Durão, mais brasileiro, mais humano, e tem inspiração mais vibrante e estilo mais colorido.
- Santa Rita Durão: Principal obra, Caramuru, em oitavas camonianas, em que é tratada a lenda do português Diogo Álvares, naufragado na Bahia em 1510, prisioneiro e depois dominador dos Tupinambás.
O poema Cartas chilenas foi publicada anonimamente sob o pseudônimo de "Critilo”, que satiriza o governador de Minas, Luís da Cunha Menezes, e é atribuído ora a Cláudio Manuel da Costa, ora a Tomás Antônio Gonzaga (o mais provável), ora a Alvarenga Peixoto, ou ainda aos três.
O Arcadismo deixou um importante legado para a literatura brasileira, influenciando gerações de escritores e contribuindo para a formação da identidade nacional. Seus valores de razão, simplicidade e valorização da natureza continuam relevantes nos dias de hoje.
SONETO (Cláudio Manuel da Costa)
Quando cheios de gosto, e de alegria
Estes campos diviso florescentes,
Então me vêm as lágrimas ardentes
Com mais ânsia, mais dor, mais agonia.
Aquele mesmo objeto, que desvia
Do humano peito as mágoas inclementes,
Esse mesmo em imagens diferentes
Toda a minha tristeza desafia.
Se das flores a bela contextura
Esmalta o campo na melhor fragrância,
Para dar uma ideia da ventura;
Como, ó Céus, para os ver terei constância,
Se cada flor me lembra a formosura
Da bela causadora de minha ânsia?
SONETO 393 INCONFIDENTE (Tomás Antônio Gonzaga)
Foi morto e esquartejado, e hoje é lembrado
por ter-se feito mártir duma briga
que a raça humana irmana, anima e liga:
o anseio à independência dum estado.
Tem jeito de Jesus crucificado.
Há semelhança até no autor da intriga:
Silvério lembra o Judas duma figa,
que entrega a trama e serve ao outro lado.
Mas na Paixão do Cristo falta vaga
pra apóstolos poetas: não se trata
na Bíblia dum Dirceu na santa saga.
No caso dos mineiros, era a nata
da nossa inteligência: o tal Gonzaga
deu toques de epopéia à conspirata.
Romantismo (1836-meados do século XIX)
O soneto no Romantismo brasileiro foi uma forma poética muito utilizada pelos autores da época para expressar seus sentimentos e emoções. Os sonetos românticos brasileiros se caracterizam por:
- Subjetividade: Os poetas românticos usavam o soneto para expressar seus sentimentos mais íntimos, como amor, paixão, dor, saudade e melancolia.
- Exaltação da natureza: A natureza era vista como um refúgio e fonte de inspiração, sendo frequentemente descrita nos sonetos românticos.
- Linguagem emotiva: A linguagem utilizada nos sonetos românticos era rica em figuras de linguagem e expressões que buscavam despertar emoções no leitor.
- Temas diversos: Além do amor e da natureza, os sonetos românticos também abordavam temas como a pátria, a liberdade, a morte e a religião.
No que respeita à poesia, o movimento esteve dividido em três períodos:
- Primeira Geração (1836 a 1852)
- Segunda Geração (1853 a 1869)
- Terceira Geração (1870 a 1880)
Primeira Geração: no contexto pós-independência do país, a primeira geração esteve marcada pelo binômio “nacionalismo-indianismo”.
Segunda Geração: é chamada de “Mal do Século” ou “Ultrarromantismo” e recebeu grande influência do poeta inglês Lord Byron.
Terceira Geração: chamada de “Condoreirismo” ou “Geração Condoreira”, essa fase foi influenciada pela poesia social do poeta francês Victor Hugo.
Alguns dos principais autores que se destacaram na produção de sonetos românticos no Brasil foram:
- Castro Alves: Conhecido como o "poeta dos escravos", Castro Alves utilizava o soneto para denunciar a escravidão e expressar seu amor pela liberdade.
- Gonçalves Dias: Um dos maiores poetas românticos brasileiros, Gonçalves Dias escreveu sonetos que celebravam a natureza, o amor e a pátria.
3ª SOMBRA (Castro Alves)
Ester
Vem! No teu peito cálido e brilhante
O nardo oriental melhor transpira!...
Enrola-te na longa cachemira,
Como as Judias moles do Levante.
Alva a clâmide aos ventos - roçagante...
Túmido o lábio, onde o saltério gira...
Ó musa de Israel! Pega da lira...
Canta os martírios de teu povo errante!
Mas não... brisa da pátria além revoa,
E ao delamber-lhe o braço de alabastro,
Falou-lhe de partir... e parte... e voa...
Qual nas algas marinhas desce um astro...
Linda Ester! Teu perfil se esvai... s'escoa...
Só me resta um perfume... um canto... um rastro...
ANDO ABAIXO (Gonçalves Dias)
Ando abaixo, ando acima, e sempre às solas,
Afronto a tempestade, o vento, o frio,
Qual se fora ambulante corropio,
Seguindo o exemplo enfim de outros patolas.
Do meu engenho e arte gasto as molas
Em suspiros quebrar que à luz envio;
E, já por teima só, render porfio
A cabeçuda, por quem rompo as solas.
E a amo, ela me adora com loucura,
Di-lo ao menos; se a beijo não se espanta;
Paga-mo até; se insisto... adeus ternura!
Do matrimônio a estátua se levanta,
Negro espectro! ela torna-se brandura,
Eu a imagem do horror que me aquebranta.
Ando abaixo, ando acima, e sempre às solas,
Afronto a tempestade, o vento, o frio,
Qual se fora ambulante corropio,
Seguindo o exemplo enfim de outros patolas.
Do meu engenho e arte gasto as molas
Em suspiros quebrar que à luz envio;
E, já por teima só, render porfio
A cabeçuda, por quem rompo as solas.
E a amo, ela me adora com loucura,
Di-lo ao menos; se a beijo não se espanta;
Paga-mo até; se insisto... adeus ternura!
Do matrimônio a estátua se levanta,
Negro espectro! ela torna-se brandura,
Eu a imagem do horror que me aquebranta.
Parnasianismo (1870-1890)
De divas mãos, brilhante copa, um dia,
Já de aos deuses servir como cansada,
Vinda do Olimpo, a um novo deus servia.
Era o poeta de Teos que o suspendia
Então, e, ora repleta ora esvasada,
A taça amiga aos dedos seus tinia,
Toda de roxas pétalas colmada.
Depois... Mas, o lavor da taça admira,
Toca-a, e do ouvido aproximando-a, às bordas
Finas hás de lhe ouvir, canora e doce,
Ignota voz, qual se da antiga lira
Fosse a encantada música das cordas,
Qual se essa voz de Anacreonte fosse.
No parnasianismo, o soneto se destaca pela busca de perfeição formal e beleza estética. As principais características incluem:
- Estrutura rígida: Estrutura de 14 versos, divididos em dois quartetos e dois tercetos, geralmente em decassílabos, com esquema de rimas fixo, geralmente ABBA ABBA CDC DCD, com forte atenção à métrica e à musicalidade.
- Objetividade e impessoalidade: A linguagem é direta e busca descrever o tema de forma objetiva, evitando subjetividade e emoções excessivas.
- Valorização do detalhe: Observa-se um apuro técnico na descrição de cenas e objetos, como em um quadro ou escultura. Valorização da arte pela arte, utilizando linguagem elaborada e metáforas precisas.
- Tema clássico: Retoma temas clássicos, mitológicos ou do passado heroico, muitas vezes idealizados.
Exemplo: Théodore de Banville, Charles Baudelaire, Théophile Gautier, Alberto de Oliveira, Raimundo Correia e Olavo Bilac.
VASO GREGO (Alberto de Oliveira)
Esta de áureos relevos, trabalhadaDe divas mãos, brilhante copa, um dia,
Já de aos deuses servir como cansada,
Vinda do Olimpo, a um novo deus servia.
Era o poeta de Teos que o suspendia
Então, e, ora repleta ora esvasada,
A taça amiga aos dedos seus tinia,
Toda de roxas pétalas colmada.
Depois... Mas, o lavor da taça admira,
Toca-a, e do ouvido aproximando-a, às bordas
Finas hás de lhe ouvir, canora e doce,
Ignota voz, qual se da antiga lira
Fosse a encantada música das cordas,
Qual se essa voz de Anacreonte fosse.
Simbolismo (1890-1910)
O simbolismo, em contraste, explora a subjetividade e o mistério, enfatizando o tom espiritual e intuitivo. Características do soneto simbolista incluem:
- Musicalidade e ritmo: Emprego de aliterações, assonâncias e rimas internas para criar um ritmo que sugere mais do que descreve.
- Linguagem subjetiva e simbólica: Uso de símbolos e imagens que remetem a estados de alma, com foco em sensações e experiências espirituais ou transcendentais.
- Atmosfera onírica: Imagens vagas e abstratas que evocam o inconsciente, muitas vezes remetendo a sonhos e ao misticismo.
- Temas introspectivos: Exploração do inconsciente, do transcendental e do misterioso, buscando uma verdade interna e íntima.
Exemplo: Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Cruz e Sousa e Alphonsus de Guimaraens.
SONETO (Alphonsus de Guimaraens)Encontrei-te. Era o mês... Que importa o mês? Agosto,
Setembro, outubro, maio, abril, janeiro ou março,
Brilhasse o luar que importa? ou fosse o sol já posto,
No teu olhar todo o meu sonho andava esparso.
Que saudades de amor na aurora do teu rosto!
Que horizonte de fé, no olhar tranquilo e garço!
Nunca mais me lembrei se era no mês de agosto,
Setembro, outubro, abril, maio, janeiro, ou março.
Encontrei-te. Depois... depois tudo se some
Desfaz-se o teu olhar em nuvens de ouro e poeira.
Era o dia... Que importa o dia, um simples nome?
Ou sábado sem luz, domingo sem conforto,
Segunda, terça ou quarta, ou quinta ou sexta-feira,
Brilhasse o sol que importa? ou fosse o luar já morto?
PIEDADE (Cruz e Sousa)
O coração de todo o ser humano
Foi concebido para ter piedade,
Para olhar e sentir com caridade
Ficar mais doce o eterno desengano.
Para da vida em cada rude oceano
Arrojar, através da imensidade,
Tábuas de salvação, de suavidade,
De consolo e de afeto soberano.
Sim! Que não ter um coração profundo
É os olhos fechar à dor do mundo,
ficar inútil nos amargos trilhos.
É como se o meu ser compadecido
Não tivesse um soluço comovido
Para sentir e para amar meus filhos!
O coração de todo o ser humano
Foi concebido para ter piedade,
Para olhar e sentir com caridade
Ficar mais doce o eterno desengano.
Para da vida em cada rude oceano
Arrojar, através da imensidade,
Tábuas de salvação, de suavidade,
De consolo e de afeto soberano.
Sim! Que não ter um coração profundo
É os olhos fechar à dor do mundo,
ficar inútil nos amargos trilhos.
É como se o meu ser compadecido
Não tivesse um soluço comovido
Para sentir e para amar meus filhos!
Modernismo (1910-1940)
O modernismo rompe com as normas rígidas dos movimentos anteriores, trazendo maior liberdade formal e temática aos sonetos:
- Quebra da métrica e rima: O modernismo questiona o formalismo, e muitos sonetos são escritos com liberdade métrica, enquanto outros preservam a estrutura tradicional, mas com inovações.
- Linguagem coloquial e irônica: O uso de uma linguagem mais acessível e de uma ironia crítica, em especial na primeira fase modernista.
- Temas cotidianos e urbanos: Os temas modernistas exploram o dia a dia, a vida urbana e temas sociais, muitas vezes com um tom de crítica.
- Subjetividade com consciência crítica: Embora trate da experiência individual, o modernismo frequentemente reflete um pensamento crítico sobre o próprio fazer poético.
Exemplo: Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Pierre Reverdy, Carlos Drummond de Andrade e Mário de Andrade.
Soneto da perdida esperança (Carlos Drummond de Andrade)
Perdi o bonde e a esperança.
Volto pálido para casa.
A rua é inútil e nenhum auto
passaria sobre meu corpo.
Vou subir a ladeira lenta
em que os caminhos se fundem.
Todos eles conduzem ao
princípio do drama e da flora.
Não sei se estou sofrendo
ou se é alguém que se diverte
por que não? na noite escassa
com um insolúvel flautim.
Entretanto há muito tempo
nós gritamos: sim! ao eterno.
Perdi o bonde e a esperança.
Volto pálido para casa.
A rua é inútil e nenhum auto
passaria sobre meu corpo.
Vou subir a ladeira lenta
em que os caminhos se fundem.
Todos eles conduzem ao
princípio do drama e da flora.
Não sei se estou sofrendo
ou se é alguém que se diverte
por que não? na noite escassa
com um insolúvel flautim.
Entretanto há muito tempo
nós gritamos: sim! ao eterno.
Soneto (Mário de Andrade)
Tanta lágrima hei já, senhora minha,
Derramado dos olhos sofredores,
Que se foram com elas meus ardores
E ânsia de amar que de teus dons me vinha.
Todo o pranto chorei. Todo o que eu tinha,
caiu-me ao peito cheio de esplendores,
E em vez de aí formar terras melhores,
Tornou minha alma sáfara e maninha.
E foi tal o chorar por mim vertido,
E tais as dores, tantas as tristezas
Que me arrancou do peito vossa graça,
Que de muito perder, tudo hei perdido!
Não vejo mais surpresas nas surpresas
E nem chorar sei mais, por mor desgraça!
Tanta lágrima hei já, senhora minha,
Derramado dos olhos sofredores,
Que se foram com elas meus ardores
E ânsia de amar que de teus dons me vinha.
Todo o pranto chorei. Todo o que eu tinha,
caiu-me ao peito cheio de esplendores,
E em vez de aí formar terras melhores,
Tornou minha alma sáfara e maninha.
E foi tal o chorar por mim vertido,
E tais as dores, tantas as tristezas
Que me arrancou do peito vossa graça,
Que de muito perder, tudo hei perdido!
Não vejo mais surpresas nas surpresas
E nem chorar sei mais, por mor desgraça!
Contemporâneo (1940-presente)
O soneto contemporâneo mantém a essência da forma tradicional de quatorze versos, mas explora uma liberdade temática e estilística que o distingue dos períodos anteriores. Aqui estão algumas características típicas:
Estrutura Flexível
- Métrica e Rima Variáveis: Embora muitos poetas contemporâneos ainda utilizem o decassílabo, há também uma liberdade para experimentar com outras métricas, inclusive versos livres. A rima, quando presente, pode ser menos rígida ou, em alguns casos, omitida, dando espaço a novas combinações.
- Liberdade Formal: Mesmo mantendo as duas quadras e dois tercetos, a estrutura interna pode ser mais fluida, com jogos de palavras, versos cortados ou sobrepostos, e experimentações gráficas na disposição dos versos.
Temas Diversificados e Cotidianos
- Ampla Gama de Temas: Os temas contemporâneos abordam desde o cotidiano banal até questões existenciais e sociais, como a desigualdade, o amor moderno, a ecologia e a política.
- Exploração da Intimidade e do Eu: Há um tom confessional e subjetivo, com frequência falando de inquietudes pessoais, crises de identidade e reflexões sobre a existência, muitas vezes com uma abordagem mais direta.
Linguagem Atual e Despojada
- Coloquialismo e Ironia: A linguagem é acessível, muitas vezes coloquial e irônica, explorando o estranhamento e a autocrítica. Em alguns casos, há intertextualidade, referências à cultura pop e expressões da cultura digital.
- Simplicidade e Densidade: A concisão é valorizada, e a profundidade está no subtexto. A complexidade dos sentimentos e temas é tratada de forma direta, mas reflexiva, sem excessos de adorno.
Revisão da Tradição
- Reflexão sobre a Poesia: Muitos poetas contemporâneos revisitam o próprio soneto como tema, explorando o processo criativo, o lugar da poesia e do poeta na sociedade atual.
- Hibridismo e Intertextualidade: Combina referências clássicas com elementos modernos e contemporâneos, promovendo um diálogo entre o tradicional e o inovador.
Exemplos: Octavio Paz, Jacques Dupin, Yves Bonnefoy, Bei Dao, Ferreira Gullar e Vinícius de Moraes.
SONETO DA FIDELIDADE (Vinícius de Moraes)
De tudo, ao meu amor serei atento
Antes, e com tal zelo, e sempre, e tanto
Que mesmo em face do maior encanto
Dele se encante mais meu pensamento.
Quero vivê-lo em cada vão momento
E em louvor hei de espalhar meu canto
E rir meu riso e derramar meu pranto
Ao seu pesar ou seu contentamento.
E assim, quando mais tarde me procure
Quem sabe a morte, angústia de quem vive
Quem sabe a solidão, fim de quem ama
Eu possa me dizer do amor (que tive):
Que não seja imortal, posto que é chama
Mas que seja infinito enquanto dure.
SONETO (Ferreira Gullar)
Prometi-me possuí-la muito embora
ela me redimisse ou me cegasse.
Busquei-a na catástrofe da aurora,
e na fonte e no muro onde sua face,
entre a alucinação e a paz sonora
da água e do musgo, solitária nasce.
Mas sempre que me acerco vai-se embora
como se me temesse ou me odiasse.
Assim persigo-a, lúcido e demente.
Se por detrás da tarde transparente
seus pés vislumbro, logo nos desvãos
das nuvens fogem, luminosos e ágeis!
Vocabulário e corpo — deuses frágeis —
eu colho a ausência que me queima as mãos.
ela me redimisse ou me cegasse.
Busquei-a na catástrofe da aurora,
e na fonte e no muro onde sua face,
entre a alucinação e a paz sonora
da água e do musgo, solitária nasce.
Mas sempre que me acerco vai-se embora
como se me temesse ou me odiasse.
Assim persigo-a, lúcido e demente.
Se por detrás da tarde transparente
seus pés vislumbro, logo nos desvãos
das nuvens fogem, luminosos e ágeis!
Vocabulário e corpo — deuses frágeis —
eu colho a ausência que me queima as mãos.
QUERENÇAS (Francisco Miguel de Moura)
Quero ter a vaidade dos caminhos
- Dão passagem, mas pouco dão abrigo.
Quero ter o orgulho do tufão,
quero ter a tristeza do jazigo.
Quero sentir da tarde a lassidão
e a solidão da noite no deserto,
das pobrezinhas flores - o perfume,
como as nuvens, ficar no céu aberto.
Quero ter emoções de amor secreto,
sentir como se sente uma paixão,
p'ra cantar glórias e chorar amores.
Quero viver do ideal concreto,
quero arrancar de mim o coração
incapaz de conter todas as dores.
2. Estruturas Clássicas de Sonetos
A estrutura clássica do soneto segue um modelo fixo, consolidado na tradição literária desde sua origem na Itália, no século XIII. Eis suas principais características:
- Número de versos: 14 versos.
- Métrica: Decassílabos (comuns na tradição italiana e portuguesa) ou alexandrinos (mais frequentes na tradição francesa).
- Divisão das estrofes
- Dois quartetos (estrofes de quatro versos);
- Dois tercetos (estrofes de três versos).
Quartetosa) Apresentação de Temas: Os quatro versos dos quartetos geralmente introduzem o tema ou a ideia central do soneto.b) Desenvolvimento: Eles permitem uma exploração mais aprofundada do assunto, muitas vezes apresentando argumentos ou sentimentos contrastantes.c) Criação de Expectativa: Os quartetos podem gerar uma expectativa que será resolvida nos tercetos.Tercetosa) Conclusão ou Resolução: Os tercetos frequentemente servem para concluir o pensamento apresentado nos quartetos, oferecendo uma resolução ou um novo entendimento.b) Mudança de Perspectiva: Pode haver uma virada ou mudança de tom que dá um novo sentido à ideia discutida nos quartetos.c) Rima e Musicalidade: A estrutura dos tercetos contribui para a musicalidade do soneto, com diferentes esquemas de rima que enriquecem a experiência estética. - Esquema de rimas:
- Petrarquiano (ou italiano): ABBA ABBA nos quartetos; CDE CDE ou variações nos tercetos (como CDC DCD).
- Shakespeareano (ou inglês): ABAB CDCD EFEF GG (três quartetos e um dístico final).
- Camoniano (ou português clássico): Baseado no modelo petrarquiano.
Na tradição portuguesa e brasileira, o soneto decassílabo heroico (acentos na 6ª e 10ª sílabas) é o mais usual, enquanto em outras línguas há maior variação na métrica.
Tipos de Soneto
Existem diferentes tipos de soneto, com variações em seus esquemas de rimas e estrutura:
2.1 Soneto Italiano (Petrarquiano)
O Soneto Italiano, também chamado de Soneto Petrarquiano, é a forma clássica do soneto, criada na Itália no século XIII e popularizada pelo poeta Francesco Petrarca (1304-1374). Sua estrutura se tornou um modelo influente na literatura ocidental e foi amplamente adotada por poetas de diferentes línguas, incluindo Luís de Camões e Olavo Bilac na tradição portuguesa.
Estrutura Formal
O Soneto Italiano tem uma estrutura fixa composta por:
- 14 versos
- Métrica: decassílabo ou, em algumas tradições, hendecassílabo (11 sílabas poéticas, comum na Itália)
- Divisão estrófica:
- Dois quartetos (estrofes de 4 versos)
- Dois tercetos (estrofes de 3 versos)
- Esquema de rimas:
- Quartetos: ABBA ABBA (rimas interpoladas ou abraçadas)
- Tercetos: Pode variar, sendo mais comuns CDE CDE ou CDC DCD
Essa estrutura de rimas confere ao soneto petrarquiano uma unidade sonora e melódica muito característica.
Ritmo e Musicalidade
O ritmo mais tradicional nos sonetos petrarquianos da tradição lusófona é o decassílabo heroico, com acentos fixos na 6ª e 10ª sílabas. Esse esquema confere uma cadência harmoniosa e marcante aos versos. Exemplo de um verso decassílabo heroico: "Amor é fogo que arde sem se ver" (Camões)
A disposição dos acentos cria um equilíbrio entre fluidez e ênfase nas palavras-chave.
Conteúdo e Temática
A estrutura do soneto petrarquiano favorece uma divisão do conteúdo em duas partes:
-
Primeira parte (quartetos) → Exposição do tema ou conflito
- Apresentação de uma ideia, sentimento ou reflexão.
- Pode introduzir uma situação de amor, melancolia, filosofia ou contemplação da natureza.
-
Segunda parte (tercetos) → Desenvolvimento e conclusão
- Reflexão mais aprofundada sobre o tema introduzido.
- Pode conter uma volta (volta retórica ou "volta petrarquiana"), que representa uma mudança de perspectiva ou um desdobramento do pensamento.
Esse formato permite um encadeamento lógico e emocional do poema, conferindo-lhe uma evolução natural do pensamento.
Influência e Evolução
- Na Itália: Francesco Petrarca consolidou essa forma na sua obra Canzoniere, onde desenvolveu sonetos sobre amor platônico e idealizado, especialmente sobre sua musa Laura.
- Em Portugal e no Brasil: O modelo foi seguido por Luís de Camões, Bocage, Olavo Bilac, entre outros.
- Na França e Inglaterra: Sofreu adaptações, sendo substituído pelo soneto shakespeariano (inglês) na tradição anglófona.
Exemplo de Soneto Italiano
SONETO CCXXVIII (Francisco Petrarca)
Com a mão destra abriu-me o flanco Amor
do lado esquerdo, e no meu coração
plantou verde loureiro; seu clarão
a esmeralda ofuscou, tão viva a cor.
O sulco aberto, a queixa de meu flanco
e dos meus olhos a úmida vazão
tanto o adornam, que ao Céu subiu do chão
seu singular aroma embriagador.
Honra, Fama, Virtude e Dignidade
casta beleza em manto celestial
são as raízes dessa nobre planta.
Trago-a no peito, a qualquer tempo e idade
bendito fardo, que em prece leal
venero e adoro como coisa santa.
do lado esquerdo, e no meu coração
plantou verde loureiro; seu clarão
a esmeralda ofuscou, tão viva a cor.
O sulco aberto, a queixa de meu flanco
e dos meus olhos a úmida vazão
tanto o adornam, que ao Céu subiu do chão
seu singular aroma embriagador.
Honra, Fama, Virtude e Dignidade
casta beleza em manto celestial
são as raízes dessa nobre planta.
Trago-a no peito, a qualquer tempo e idade
bendito fardo, que em prece leal
venero e adoro como coisa santa.
SONETO (Luís de Camões):
Alma minha gentil, que te partisteTão cedo desta vida, descontente,
Repousa lá no céu eternamente
E viva eu cá na terra sempre triste.
Se lá no assento etéreo, onde subiste,
Memória desta vida se consente,
Não te esqueças daquele amor ardente
Que já nos olhos meus tão puro viste.
E se vires que pode merecer-te
Alguma coisa a dor que me ficou
Da mágoa, sem remédio, de perder-te,
Roga a Deus, que teus anos encurtou,
Que tão cedo de cá me leve a ver-te,
Quão cedo de meus olhos te levou.
Análise da estrutura
- Esquema de rimas: ABBA ABBA CDE CDE
- Quartetos: Apresentam o sofrimento pela perda da amada e a esperança de reencontro no além.
- Tercetos: Desenvolvem o tema, com o eu lírico pedindo a Deus que encurte sua vida para que possa reencontrá-la.
- Volta retórica: Ocorre na transição entre os quartetos e tercetos, com uma mudança do lamento para a súplica.
O Soneto Italiano (Petrarquiano) é uma das formas mais refinadas e tradicionais da poesia ocidental. Sua estrutura rigorosa permite um equilíbrio entre forma e conteúdo, e seu modelo influenciou profundamente a literatura em diversas línguas. Ele continua sendo um dos formatos mais respeitados e estudados na poesia clássica.
2.2 Soneto Inglês (Shakespeariano)
O Soneto Inglês, também chamado de Soneto Shakespeariano, foi desenvolvido na Inglaterra no século XVI e ficou amplamente conhecido devido a William Shakespeare (1564-1616), que o aperfeiçoou e o imortalizou em sua coleção de 154 sonetos.
Diferente do soneto italiano (petrarquiano), que tem uma estrutura mais rígida, o soneto shakespeariano apresenta uma divisão e um esquema de rimas distintos, favorecendo o desenvolvimento gradual da ideia e um fechamento impactante nos últimos versos.
Shakespeare simplificou o soneto italiano, "(...) talvez pelas dificuldades que a pobreza do vocabulário legitimamente inglês — naquela época levando desvantagem perante as línguas românicas — conduzia à busca da rima, e simplificou-a para ser diferente. E a diferença está na estrofação antipetrarquiana: três estâncias tetrásticas e uma final, dística, que põe em relevo, por parelha (a rima baciata italiana), a chave de ouro. Assim: a, b, a, b / c, d, c, d / e, f, e, f / g, g. Houve pequenas variantes, com rimas às vezes abraçadas no meio das quadras, mas a regra é, a rigor, apresentar duas estrofes, indicadas tipograficamente apenas pelo dístico final: 12 versos numa só estância, sem a separação estrófica das quadras, e o couplet terminativo, adiantado duas letras à frente, em rimas parelhadas, que é a chave de ouro, quase sempre conceitual. E como a língua é rica de palavras pequenas, ao contrário das neolatinas, em vez do verso alexandrino, do dodecassílabo ou hexâmetro iâmbico com o clássico hemistíquio, o soneto inglês adotou o decassílabo — o pentâmetro iâmbico, assim chamado na língua inglesa — porque é o decassílabo com icto nas sílabas pares, que logo se verifica, independentemente da escansão pelo icto vocal." (Estudo, por Nehemias Gueiros, Mistério do soneto shakespeariano)
Estrutura Formal
O soneto shakespeariano possui:
- 14 versos
- Métrica: Pentâmetro jâmbico (versos de dez sílabas com alternância entre sílabas átonas e tônicas)
- Divisão estrófica:
- Três quartetos (estrofes de 4 versos)
- Um dístico final (estrofe de 2 versos)
- Esquema de rimas: ABAB CDCD EFEF GG
A grande diferença em relação ao soneto italiano está na disposição das rimas e na presença do dístico final, que geralmente apresenta um fechamento forte, um epigrama ou uma reviravolta na ideia.
Ritmo e Musicalidade
A métrica predominante no soneto inglês é o pentâmetro jâmbico, ou seja, versos com dez sílabas, compostos por cinco pés jâmbicos (tônica alternada com átona).
Exemplo: "Shall I compare thee to a summer's day?"
(Shakespeare, Soneto 18)
Esse ritmo confere fluidez e musicalidade ao soneto, tornando-o natural na língua inglesa.
Conteúdo e Temática
O soneto shakespeariano geralmente segue uma estrutura argumentativa clara:
- Primeiro quarteto → Introdução do tema ou problema
- Segundo quarteto → Desenvolvimento da ideia, aprofundamento do conflito
- Terceiro quarteto → Transição ou reflexão sobre o que foi apresentado
- Dístico final (volta ou epílogo) → Conclusão impactante, reviravolta ou comentário filosófico
A principal característica do dístico final (GG) é sua força epigramática, condensando a moral ou a reviravolta do poema em dois versos.
Os temas comuns nos sonetos de Shakespeare incluem:
- Amor (idealizado, físico, platônico)
- Beleza e passagem do tempo
- Mortalidade e imortalidade através da poesia
- Traição, ciúmes e relações humanas
- Crítica social e filosofia
Soneto 18 (William Shakespeare)
Devo igualar-te a um dia de verão?
Mais afável e belo é o teu semblante:
O vento esfolha Maio inda em botão,
Dura o termo estival um breve instante.
Muitas vezes a luz do céu calcina,
Mas o áureo tom também perde a clareza:
De seu belo a beleza enfim declina,
Ao léu ou pelas leis da Natureza.
Só teu verão eterno não se acaba
Nem a posse de tua formosura;
De impor-te a sombra a Morte não se gaba
Pois que esta estrofe eterna ao Tempo dura.
Enquanto houver viventes nesta lida,
Há-de viver meu verso e te dar vida.
Mais afável e belo é o teu semblante:
O vento esfolha Maio inda em botão,
Dura o termo estival um breve instante.
Muitas vezes a luz do céu calcina,
Mas o áureo tom também perde a clareza:
De seu belo a beleza enfim declina,
Ao léu ou pelas leis da Natureza.
Só teu verão eterno não se acaba
Nem a posse de tua formosura;
De impor-te a sombra a Morte não se gaba
Pois que esta estrofe eterna ao Tempo dura.
Enquanto houver viventes nesta lida,
Há-de viver meu verso e te dar vida.
Análise da estrutura
- Esquema de rimas: ABAB CDCD EFEF GG
- Tema: Comparação da beleza do amado com um dia de verão
- Desenvolvimento: O poeta argumenta que a beleza do amado é superior à do verão
- Dístico final: A poesia imortaliza a beleza do amado, pois enquanto o poema for lido, ele continuará vivo
Aqui, o último dístico contém a grande reviravolta (ou punchline): a beleza do amado não desaparecerá porque está eternizada nos versos do poema.
Influência e Legado
O soneto shakespeariano se tornou o padrão na poesia inglesa e influenciou grandes poetas como John Milton, John Donne, William Wordsworth, Elizabeth Barrett Browning e muitos outros.
No mundo moderno, sua estrutura continua sendo amplamente usada, inspirando tanto poetas clássicos quanto escritores contemporâneos que buscam explorar sua musicalidade e concisão.
O Soneto Shakespeariano é uma variação inovadora da forma clássica do soneto. Seu esquema de rimas e estrutura permitem um desenvolvimento fluido da ideia, culminando no dístico final, que sintetiza o pensamento do poema de forma memorável. Essa flexibilidade e poder expressivo ajudaram a consolidá-lo como uma das formas mais influentes da poesia inglesa.
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2.3 Soneto Monostrófico
O Soneto Monostrófico é uma variação estrutural do soneto clássico que se diferencia por apresentar os 14 versos em uma única estrofe. Embora não seja a forma mais tradicional, essa estrutura mantém os elementos essenciais do soneto, como métrica, esquema de rimas e unidade temática, mas sem a divisão em quartetos e tercetos.
Estrutura Formal
O Soneto Monostrófico segue as regras fundamentais do soneto clássico, mas sem a separação estrófica:
- 14 versos
- Métrica: geralmente decassílabos ou alexandrinos
- Esquema de rimas: pode seguir um padrão clássico (ABBA ABBA CDE CDE) ou apresentar variações
- Sem divisão estrófica explícita
Essa ausência de separação em quartetos e tercetos dá ao poema um ritmo mais contínuo, criando um fluxo ininterrupto de pensamento e emoção.
Ritmo e Musicalidade
Por não haver a quebra natural dos quartetos e tercetos, o Soneto Monostrófico exige um domínio ainda maior da musicalidade e do ritmo para evitar a monotonia. A métrica mais comum é o decassílabo heroico (acentos na 6ª e 10ª sílabas) ou o alexandrino (com acentos na 6ª e 12ª sílabas).
Exemplo de decassílabo heroico: "Na sombra fria, a noite já desce lenta"
O ritmo contínuo exige um encadeamento melódico que sustente a fluidez do poema, sem depender da pausa visual das estrofes.
Conteúdo e Desenvolvimento
A estrutura do Soneto Monostrófico mantém a organização lógica e argumentativa de um soneto clássico, mas o faz sem a separação estrófica. Assim, o conteúdo geralmente segue esta divisão interna:
- Versos iniciais (1-4) → Introdução do tema ou problema
- Versos intermediários (5-8) → Desenvolvimento e aprofundamento
- Versos finais (9-14) → Conclusão, reviravolta ou reflexão final
Embora o poema não esteja visualmente dividido, o poeta precisa estruturar bem suas ideias para que a transição entre as partes seja perceptível.
Tarde Antiga (Mario Quintana)
Era a mais suave, a mais azul das tardes…
tão calma que só poderá ter sido
naqueles tempos do bom Reyno Unido
de Portugal, Brasil & Algarve…
Te lembras dessas tardes, Dom João VI?
Pois foi por uma dessas nossas tardes.
Estava eu a meditar um texto
do meu querido Manuel Bernardes
eis senão quando… nada aconteceu:
apenas, eu… não era eu…
nem tu o Rei… as almas não têm nome…
e — no Todo onde tudo se consome —
a mesma pura chama consumia
minha miséria e tua hierarquia!
Era a mais suave, a mais azul das tardes…
tão calma que só poderá ter sido
naqueles tempos do bom Reyno Unido
de Portugal, Brasil & Algarve…
Te lembras dessas tardes, Dom João VI?
Pois foi por uma dessas nossas tardes.
Estava eu a meditar um texto
do meu querido Manuel Bernardes
eis senão quando… nada aconteceu:
apenas, eu… não era eu…
nem tu o Rei… as almas não têm nome…
e — no Todo onde tudo se consome —
a mesma pura chama consumia
minha miséria e tua hierarquia!
Análise da estrutura
- Esquema de rimas: ABAB ABAB CDE CDE
- Temática: Reflexão melancólica sobre o tempo e a memória
- Fluidez: Apesar de ser uma única estrofe, há transições perceptíveis
- Encerramento: Mantém o efeito clássico do soneto, com uma conclusão forte
Influência e Uso do Soneto Monostrófico
Embora seja menos comum que o soneto italiano ou inglês, o Soneto Monostrófico já foi explorado por diversos poetas que buscavam maior fluidez e modernidade na forma fixa.
Razões para sua utilização
- Efeito visual: A ausência de separação estrófica pode sugerir um fluxo de pensamento mais intenso.
- Musicalidade contínua: O ritmo pode ser mais uniforme e ininterrupto.
- Experimentação formal: Poetas modernos e contemporâneos o adotam como uma variação do soneto clássico.
Poetas que exploraram o monostrófico
Embora não seja a estrutura mais popular, alguns poetas exploraram variações próximas, especialmente no modernismo e no pós-modernismo. Poetas como Fernando Pessoa, Carlos Drummond de Andrade e João Cabral de Melo Neto demonstraram interesse em sonetos que quebravam a estrutura tradicional, ainda que mantendo a métrica e a sonoridade.
O Soneto Monostrófico é uma variação intrigante do soneto clássico, preservando sua métrica e musicalidade, mas oferecendo um fluxo ininterrupto de ideias. Embora seja menos convencional, ele possibilita novas abordagens estéticas e rítmicas, sendo uma opção interessante para poetas que desejam explorar variações dentro da tradição do soneto.
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2.4 Soneto Estrambótico
O Soneto Estrambótico é uma variação do soneto tradicional que mantém sua estrutura clássica de 14 versos, mas com a adição de um ou mais versos extras no final. Esses versos adicionais, chamados de estrambotes, alteram a forma fixa tradicional e podem servir para dar um tom humorístico, reflexivo ou inesperado ao poema.
Estrutura Formal
O Soneto Estrambótico segue a mesma organização de um soneto clássico até o 14º verso, mas adiciona versos extras ao final. Sua estrutura típica é:
- 14 versos regulares (seguindo a métrica tradicional do soneto)
- 1 a 3 versos estrambóticos (geralmente heptassílabos ou decassílabos)
- Métrica predominante: decassílabos ou alexandrinos (como no soneto tradicional), mas os estrambotes podem variar
- Esquema de rimas: mantém o padrão do soneto escolhido (petrarquiano ou shakespeariano) até o 14º verso, mas os estrambotes podem seguir uma rima livre ou continuar o esquema anterior
Os versos adicionais podem gerar um efeito de surpresa, ironia, humor ou reforçar a ideia principal do soneto.
Ritmo e Musicalidade
O ritmo do Soneto Estrambótico depende da métrica utilizada nos primeiros 14 versos. Em geral, o poeta pode optar por:
- Decassílabo heroico (acentos na 6ª e 10ª sílabas)
- Pentâmetro jâmbico (caso seja um soneto shakespeariano)
- Alexandrino (acentos na 6ª e 12ª sílabas)
Os versos estrambóticos, por sua vez, costumam ser heptassílabos ou redondilhos maiores para criar um contraste rítmico e melódico.
Conteúdo e Propósito
O acréscimo dos versos extras pode ter diferentes funções:
- Efeito cômico ou irônico → Um desfecho inesperado ou exagerado
- Reforço emocional → Ênfase na ideia principal do poema
- Desdobramento reflexivo → Continuação do pensamento do soneto
Em alguns casos, os versos estrambóticos podem parecer uma espécie de "pós-escrito" poético, trazendo um comentário final que quebra ou intensifica o tom do soneto.
Exemplo de Soneto Estrambótico
Nas noites frias vejo além do espelho, (A)
a face turva, sombra indefinida, (B)
um espectro a vagar no mundo velho, (A)
buscando em vão sentido nesta vida. (B)
As horas morrem num compasso lento, (C)
na solidão de um tempo já perdido, (D)
e as lembranças, sopradas pelo vento, (C)
trazem no peito o sonho enfraquecido. (D)
Mas se há no céu estrelas cintilantes, (E)
que brilham mesmo em noites mais escuras, (F)
talvez a luz revele, mais adiante, (E)
que as dores passam, frágeis e impuras. (F)
E assim prossigo, errante e desvalido, (G)
tentando crer no fado indefinido. (G)
Mas quem sou eu pra tanto pensamento? (H)
Talvez poeta, ou só um fingimento! (H)
a face turva, sombra indefinida, (B)
um espectro a vagar no mundo velho, (A)
buscando em vão sentido nesta vida. (B)
As horas morrem num compasso lento, (C)
na solidão de um tempo já perdido, (D)
e as lembranças, sopradas pelo vento, (C)
trazem no peito o sonho enfraquecido. (D)
Mas se há no céu estrelas cintilantes, (E)
que brilham mesmo em noites mais escuras, (F)
talvez a luz revele, mais adiante, (E)
que as dores passam, frágeis e impuras. (F)
E assim prossigo, errante e desvalido, (G)
tentando crer no fado indefinido. (G)
Mas quem sou eu pra tanto pensamento? (H)
Talvez poeta, ou só um fingimento! (H)
Análise da Estrutura
- Esquema de rimas: ABAB ABAB CDE CDE GG + HH
- 14 versos regulares com um fechamento clássico
- 2 versos estrambóticos (em redondilha maior), que quebram o tom reflexivo com uma nota de dúvida ou humor
- Efeito final: O acréscimo dos versos extras adiciona um tom de autocrítica e ironia
Origem e Uso do Soneto Estrambótico
Origem
A adição de versos estrambóticos já era usada ocasionalmente desde o Renascimento, mas tornou-se mais popular em estilos barrocos e satíricos. Poetas como Luís de Camões chegaram a experimentar com essa forma, e, na literatura espanhola, também há exemplos dessa variação.
Uso Moderno
O Soneto Estrambótico é utilizado principalmente para:
- Sonetos humorísticos ou satíricos
- Experimentações formais na poesia
- Quebra do rigor clássico do soneto tradicional
Autores contemporâneos que exploram a forma soneto podem incluir versos estrambóticos como um toque estilístico ou um efeito de surpresa no desfecho.
O Soneto Estrambótico é uma forma de soneto que brinca com as expectativas do leitor, adicionando versos extras que podem gerar surpresa, humor ou ênfase. Ele mantém a estrutura clássica do soneto, mas com um toque inovador que desafia a rigidez formal, tornando-se uma excelente opção para poetas que desejam dar um desfecho inusitado às suas composições.
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3. Elementos Fundamentais
Os elementos fundamentais do soneto são características estruturais e formais que definem essa forma poética clássica. Aqui estão os principais componentes:
a) Número de Versos
O soneto é composto por 14 versos.
b) Divisão em Estrofes
Tradicionalmente, o soneto é dividido em duas estrofes de quatro versos (quartetos) e duas estrofes de três versos (tercetos), formando a estrutura clássica de ABBA ABBA CDE CDE. Essa divisão pode variar em algumas formas de sonetos, como o soneto shakespeariano, mas a divisão em quatro versos seguidos de três é a mais comum.
c) Métrica
O soneto costuma ser escrito em verso regular, ou seja, com uma métrica fixa, sendo os mais comuns o decassílabo (10 sílabas poéticas) e o alexandrino (12 sílabas poéticas). No caso do soneto petrarquiano (italiano), a métrica predominante é o decassílabo.
d) Esquema de Rimas
O esquema de rimas é uma das características mais definidoras do soneto. O padrão mais tradicional é ABBA ABBA para os quatro primeiros versos (os quartetos) e CDE CDE para os três versos finais (os tercetos). No caso do soneto shakespeariano (inglês), a divisão das rimas é diferente: ABAB CDCD EFEF GG.
e) Ritmo
- O pé métrico é a unidade básica do ritmo em um verso. Ele é formado por um conjunto de sílabas que se repetem ao longo do poema, criando um padrão sonoro que caracteriza a musicalidade da poesia. O pé métrico é fundamental para a construção do ritmo e da musicalidade de um poema.
- Cria um padrão: A repetição do pé métrico ao longo do verso cria um padrão sonoro que agrada aos ouvidos.
- Transmite emoções: Diferentes pés métricos podem transmitir diferentes emoções. Por exemplo, o ritmo jâmbico é considerado mais suave e natural, enquanto o datílico pode transmitir uma sensação de movimento e energia.
- Facilita a memorização: A regularidade do ritmo facilita a memorização dos versos.
- Conecta o poema à tradição: Muitos poemas clássicos utilizam padrões métricos específicos, criando uma conexão com a tradição poética.
- O Pé Métrico e a Linguagem - A escolha do pé métrico influencia a sonoridade e o significado do poema. Por exemplo, em português, a língua portuguesa é considerada uma língua jâmbica, ou seja, a tendência natural da língua é a alternância de sílabas átonas e tônicas.
- A Evolução do Pé Métrico - Ao longo da história da poesia, os pés métricos foram se modificando e se adaptando às diferentes línguas e culturas. A poesia moderna, por exemplo, tende a utilizar ritmos mais livres e irregulares, em contraste com a poesia clássica, que valorizava a regularidade métrica.
O ritmo no soneto é normalmente regular e bastante marcado.
a) Soneto Italiano ou petrarquiano - os versos seguem o ritmo iâmbico (iambo: ∪ —). O iambo é um pé métrico formado por uma sílaba átona seguida de uma tônica (fraca–FORTE/átonas-TÔNICAS). No decassílabo heroico (acentos na 6ª e 10ª sílabas), há uma predominância do ritmo iâmbico nos últimos pés do verso.
Os esquemas rítmicos possíveis:
Iâmbico: da-DUM, da-DUM, da-DUM, da-DUM, da-DUM (2ª, 4ª, 6ª, 8ª e 10ª);
Trocaico: DUM-da, DUM-da, da-DUM, DUM-da, da-DUM (1ª, 3ª, 6ª, 7ª e 10ª);
Anapesto: da-da-DUM, da-da-DUM, da-da-DUM, DUM-da (3ª, 6ª, 9ª e 10ª);
Dátilos: DUM-da-da, da-DUM, DUM-da, da-da-DUM (1ª, 5ª, 6ª e 10ª).
Iâmbico: da-DUM, da-DUM, da-DUM, da-DUM, da-DUM (2ª, 4ª, 6ª, 8ª e 10ª);
Trocaico: DUM-da, DUM-da, da-DUM, DUM-da, da-DUM (1ª, 3ª, 6ª, 7ª e 10ª);
Anapesto: da-da-DUM, da-da-DUM, da-da-DUM, DUM-da (3ª, 6ª, 9ª e 10ª);
Dátilos: DUM-da-da, da-DUM, DUM-da, da-da-DUM (1ª, 5ª, 6ª e 10ª).
VARIAÇÕES NA LÍNGUA PORTUGUESA
Oxítonas: DUM (pé); da-DUM (ca-FÉ); da-da-DUM (i-tam-BÉ); DUM-da (DÁ-lo); DUM-da-da (DÁ-lo-ia); da-da-DA (tra-lo-Á);
Paroxítonas: da-DUM-da (a-MÁ-vel, fa-RÍ-eis,); DUM-da (Ú-teis, JÓ-quei); da-da-DUM-da (he-ro-Í-na);
Proparoxítonas: DUM-da-da (LÍ-pi-do); da-da-da-DUM-da (in-te-res-SAN-te).
b) Soneto Inglês ou shakespeariano - utiliza o pentâmetro jâmbico (jambo: — ∪). O jambo é um pé métrico formado por uma sílaba tônica seguida de uma átona (FORTE–fraco). O ritmo jâmbico acontece quando esse padrão predomina nos versos. No decassílabo sáfico (acentos na 4ª, 8ª e 10ª sílabas) tende a ter mais variações, podendo mesclar iambos e jambos.
Tipos de ritmo:
- Ritmo regular: quando todos os versos possuem a mesma quantidade de sílabas e a mesma distribuição de sílabas tônicas e átonas.
- Ritmo irregular: quando há variação no número de sílabas e na distribuição das sílabas tônicas e átonas nos versos.
f) Unidade Temática
O soneto geralmente apresenta unidade temática e desenvolvimento argumentativo. O tema é introduzido e explorado nos dois primeiros quartetos e é desenvolvido ou resolvido nos dois tercetos finais.
g) Tom e Estilo
Embora os sonetos possam ser abordados em uma grande variedade de estilos e tons (românticos, líricos, filosóficos, satíricos, etc.), os sonetos clássicos tendem a seguir um estilo elevado, com uma linguagem formal e poética. No entanto, alguns sonetos modernos podem adotar um tom mais livre ou até mesmo humorístico.
Esses elementos formam a base do soneto, mas a forma também oferece flexibilidade para variações criativas, como no caso dos sonetos de forma fixa ou em sonetos experimentais.
3.1 Ritmo e Métrica
3.1.1 Ritmo
O ritmo na poesia é a sucessão de sons fortes (tônicos) e fracos (átonos) que se alternam nos versos, criando um padrão sonoro que se repete. Essa alternância produz elevações e baixas de voz, que, associadas a pausas menores e maiores, dão a sensação agradável que experimentamos ao ler um poema em voz alta.
Na tradição poética ocidental, 4 são os esquemas rítmicos fundamentais — 2 binários e 2 ternários:
3.1.1.1 Ritmo binário ascendente ou jâmbico
Um acento fraco ou breve (sílaba átona) seguido de um acento forte ou longo (sílaba tônica) em cada pé métrico.
Ex.: “A nuvem guarda o pranto”;
da-DUM, da-DUM, da-DUM, (pausa final)
Estrutura do Ritmo Jâmbico: Átona + Tônica
O ritmo jâmbico pode ser representado graficamente como: U -
"U" representa a sílaba átona; "-" representa a sílaba tônica.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência regular e fluida. Por exemplo, em um verso com quatro pés jâmbicos (tetramétrico jâmbico), teríamos:
U - | U - | U - | U -
O ritmo jâmbico pode ser representado graficamente como: U -
"U" representa a sílaba átona; "-" representa a sílaba tônica.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência regular e fluida. Por exemplo, em um verso com quatro pés jâmbicos (tetramétrico jâmbico), teríamos:
U - | U - | U - | U -
Um exemplo clássico do ritmo jâmbico pode ser encontrado na língua portuguesa. Vamos analisar o seguinte verso:
"Eu vi / os céus / tão lin / dos"
A divisão silábica e a acentuação são:
U - | U - | U - | U -
"Eu" (átona) + "vi" (tônica)
"os" (átona) + "céus" (tônica)
"tão" (átona) + "lin" (tônica)
"dos" (átona) + [pausa final].
Neste caso, cada par de sílabas segue o padrão jâmbico, criando um ritmo ascendente.
"Eu vi / os céus / tão lin / dos"
A divisão silábica e a acentuação são:
U - | U - | U - | U -
"Eu" (átona) + "vi" (tônica)
"os" (átona) + "céus" (tônica)
"tão" (átona) + "lin" (tônica)
"dos" (átona) + [pausa final].
Neste caso, cada par de sílabas segue o padrão jâmbico, criando um ritmo ascendente.
Características do Ritmo Jâmbico
Naturalidade: O ritmo jâmbico é considerado um dos mais naturais para a língua portuguesa, pois reflete a cadência da fala cotidiana.
Fluidez: A alternância entre sílabas átonas e tônicas confere leveza e musicalidade ao verso.
Versatilidade: Pode ser usado tanto em poemas curtos quanto em composições longas, como epopeias ou sonetos.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Manuel Bandeira, no poema "Poética", encontramos versos com ritmo jâmbico:
"Estou farto do lirismo comedido
Do lirismo bem-comportado..."
Analisando o primeiro verso:
U - | U - | U - | U -
"Es" (átona) + "tou" (tônica)
"far" (átona) + "to" (tônica)
"do" (átona) + "li" (tônica)
"ris" (átona) + "mo" (tônica).
2. Carlos Drummond de Andrade, em "No Meio do Caminho", há trechos com ritmo jâmbico:
"No meio / do ca / minho / tinha / uma pe / dra"
Divisão silábica e acentuação:
U - | U - | U - | U - | U - | U -
"No" (átona) + "meio" (tônica)
"do" (átona) + "ca" (tônica)
"mi" (átona) + "nho" (tônica)
"ti" (átona) + "nha" (tônica)
"u" (átona) + "ma" (tônica)
"pe" (átona) + "dra" (tônica).
"Estou farto do lirismo comedido
Do lirismo bem-comportado..."
Analisando o primeiro verso:
U - | U - | U - | U -
"Es" (átona) + "tou" (tônica)
"far" (átona) + "to" (tônica)
"do" (átona) + "li" (tônica)
"ris" (átona) + "mo" (tônica).
2. Carlos Drummond de Andrade, em "No Meio do Caminho", há trechos com ritmo jâmbico:
"No meio / do ca / minho / tinha / uma pe / dra"
Divisão silábica e acentuação:
U - | U - | U - | U - | U - | U -
"No" (átona) + "meio" (tônica)
"do" (átona) + "ca" (tônica)
"mi" (átona) + "nho" (tônica)
"ti" (átona) + "nha" (tônica)
"u" (átona) + "ma" (tônica)
"pe" (átona) + "dra" (tônica).
O ritmo jâmbico (binário ascendente) é uma das estruturas rítmicas mais importantes da poesia ocidental e brasileira. Sua naturalidade e fluidez fazem dele um recurso frequentemente utilizado por poetas para criar versos harmônicos e expressivos. Ao estudar poemas de autores como Manuel Bandeira e Carlos Drummond de Andrade, podemos observar como esse ritmo contribui para a musicalidade e o impacto emocional da poesia.
3.1.1.2 Ritmo binário descendente ou trocaico
Um acento forte ou longo (sílaba tônica) seguido de um acento fraco ou breve (sílaba átona) em cada pé métrico.
Ex.: “Tenho tanta pena!”;
DUM-da, DUM-da, DUM-da
O ritmo binário descendente , também conhecido como trocaico , é um esquema rítmico fundamental na poesia ocidental. Ele se caracteriza por uma sequência de sílabas organizadas em pares (binário), onde a primeira sílaba do par é tônica (acentuada) e a segunda é átona (não acentuada). Esse padrão cria um ritmo que "desce", ou seja, começa com ênfase e depois relaxa, conferindo ao verso uma cadência marcante e enérgica.
Estrutura do Ritmo Trocaico: Tônica + Átona
O ritmo trocaico pode ser representado graficamente como: - U
"-" representa a sílaba tônica; "U" representa a sílaba átona.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência regular e vigorosa. Por exemplo, em um verso com três pés trocaicos (trimétrico trocaico), teríamos:
- U | - U | - U
Exemplo Prático. Vamos analisar o seguinte verso:
"Céus azuis / mar salgado"
A divisão silábica e a acentuação são: - U | - U | - U
"Céus" (tônica) + "a" (átona)
"zuis" (tônica) + [pausa breve]
"mar" (tônica) + "sa" (átona)
"lga" (tônica) + "do" (átona).
Neste caso, cada par de sílabas segue o padrão trocaico, criando um ritmo descendente.
Características do Ritmo Trocaico
Força inicial: A tonicidade da primeira sílaba dá ao verso um tom enfático e incisivo.
Cadência marcada: A alternância entre sílabas tônicas e átonas confere ao verso uma energia rítmica distinta.
Menos natural na língua portuguesa: Embora presente na poesia brasileira, o ritmo trocaico é menos comum do que o jâmbico, pois a língua portuguesa tende a favorecer estruturas mais fluidas.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Olavo Bilac - no poema "Súplica", encontramos versos com ritmo trocaico:
"Não me mates, meu sonho, meu amor!"
Analisando o primeiro segmento: - U | - U | - U
"Não" (tônica) + "me" (átona)
"mates" (tônica) + [pausa breve]
"meu" (tônica) + "son" (átona).
2. Augusto dos Anjos - Em alguns de seus poemas, Augusto dos Anjos utiliza o ritmo trocaico para criar versos impactantes:
"Monstro de plumas, fera de cristal."
Divisão silábica e acentuação: - U | - U | - U
"Mon" (tônica) + "stro" (átona)
"de" (tônica) + "plu" (átona)
"mas" (tônica) + "fe" (átona).
O ritmo trocaico (binário descendente) é uma das estruturas rítmicas fundamentais da poesia ocidental e brasileira. Sua força inicial e cadência marcada fazem dele um recurso poderoso para criar versos enfáticos e expressivos. Embora menos comum na língua portuguesa do que o ritmo jâmbico, ele aparece em momentos-chave da poesia brasileira, especialmente em contextos onde o poeta deseja transmitir energia, dramaticidade ou intensidade emocional. Ao estudar poemas de autores como Olavo Bilac e Augusto dos Anjos, podemos observar como esse ritmo contribui para o impacto e a musicalidade da poesia.
O ritmo trocaico pode ser representado graficamente como: - U
"-" representa a sílaba tônica; "U" representa a sílaba átona.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência regular e vigorosa. Por exemplo, em um verso com três pés trocaicos (trimétrico trocaico), teríamos:
- U | - U | - U
Exemplo Prático. Vamos analisar o seguinte verso:
"Céus azuis / mar salgado"
A divisão silábica e a acentuação são: - U | - U | - U
"Céus" (tônica) + "a" (átona)
"zuis" (tônica) + [pausa breve]
"mar" (tônica) + "sa" (átona)
"lga" (tônica) + "do" (átona).
Neste caso, cada par de sílabas segue o padrão trocaico, criando um ritmo descendente.
Características do Ritmo Trocaico
Força inicial: A tonicidade da primeira sílaba dá ao verso um tom enfático e incisivo.
Cadência marcada: A alternância entre sílabas tônicas e átonas confere ao verso uma energia rítmica distinta.
Menos natural na língua portuguesa: Embora presente na poesia brasileira, o ritmo trocaico é menos comum do que o jâmbico, pois a língua portuguesa tende a favorecer estruturas mais fluidas.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Olavo Bilac - no poema "Súplica", encontramos versos com ritmo trocaico:
"Não me mates, meu sonho, meu amor!"
Analisando o primeiro segmento: - U | - U | - U
"Não" (tônica) + "me" (átona)
"mates" (tônica) + [pausa breve]
"meu" (tônica) + "son" (átona).
2. Augusto dos Anjos - Em alguns de seus poemas, Augusto dos Anjos utiliza o ritmo trocaico para criar versos impactantes:
"Monstro de plumas, fera de cristal."
Divisão silábica e acentuação: - U | - U | - U
"Mon" (tônica) + "stro" (átona)
"de" (tônica) + "plu" (átona)
"mas" (tônica) + "fe" (átona).
O ritmo trocaico (binário descendente) é uma das estruturas rítmicas fundamentais da poesia ocidental e brasileira. Sua força inicial e cadência marcada fazem dele um recurso poderoso para criar versos enfáticos e expressivos. Embora menos comum na língua portuguesa do que o ritmo jâmbico, ele aparece em momentos-chave da poesia brasileira, especialmente em contextos onde o poeta deseja transmitir energia, dramaticidade ou intensidade emocional. Ao estudar poemas de autores como Olavo Bilac e Augusto dos Anjos, podemos observar como esse ritmo contribui para o impacto e a musicalidade da poesia.
3.1.1.3 Ritmo ternário ascendente ou anapesto
Dois acentos fracos ou breves (sílabas átonas) seguidos de um acento forte ou longo (sílaba tônica) em cada pé métrico.
Ex.: “Tu choraste em presença da morte”.
da-da-DUM, da-da-DUM, da-da-DUM (Versos com nove sílabas).
O ritmo ternário ascendente, também conhecido como anapesto, é um esquema rítmico fundamental na poesia ocidental. Ele se caracteriza por uma sequência de sílabas organizadas em grupos de três (ternário), onde as duas primeiras sílabas do grupo são átonas (não acentuadas) e a terceira é tônica (acentuada). Esse padrão cria um ritmo que "sobe", ou seja, avança gradualmente com uma ênfase final crescente.
Estrutura do Ritmo Anapesto: Átona + Átona + Tônica
O ritmo anapesto pode ser representado graficamente como: U U -
U representa as sílabas átonas
- representa a sílaba tônica.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência fluida e acelerada. Por exemplo, em um verso com três pés anapestos (trimétrico anapéstico), teríamos: U U - | U U - | U U -
Exemplo Prático. Vamos analisar o seguinte verso:
"Era uma / vez um / príncipe / encantado"
A divisão silábica e a acentuação são: U U - | U U - | U U - | U U -
"E" (átona) + "ra" (átona) + "uma" (tônica)
"vez" (átona) + "um" (átona) + "prín" (tônica)
"ci" (átona) + "pe" (átona) + "en" (tônica).
Neste caso, cada grupo de três sílabas segue o padrão anapesto, criando um ritmo ascendente.
Características do Ritmo Anapesto
Leveza e fluidez: A predominância de sílabas átonas no início de cada grupo confere ao verso uma sensação de leveza e progressão.
Crescimento gradativo: A tonicidade da terceira sílaba cria uma ênfase final que dá ao verso um impulso ascendente.
Uso em narrativas épicas e populares: O ritmo anapesto é frequentemente associado à poesia épica e às formas narrativas, pois sua cadência imita o movimento de marcha ou galope, conferindo dinamismo ao texto.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Manuel Bandeira, no poema "Poética", encontramos versos com ritmo anapesto:
"Estou farto / do lirismo / comedido"
Analisando o primeiro segmento: U U - | U U - | U U -
"Es" (átona) + "tou" (átona) + "far" (tônica)
"do" (átona) + "li" (átona) + "ris" (tônica)
"mo" (átona) + "co" (átona) + "me" (tônica).
2. Augusto dos Anjos, em alguns de seus poemas, Augusto dos Anjos utiliza o ritmo anapesto para criar versos expressivos:
"Eu vi / no chão / um corpo / insepulto"
Divisão silábica e acentuação: U U - | U U - | U U - | U U -
"Eu" (átona) + "vi" (átona) + "no" (tônica)
"chão" (átona) + "um" (átona) + "cor" (tônica)
"po" (átona) + "in" (átona) + "sep" (tônica).
O ritmo anapesto (ternário ascendente) é uma das estruturas rítmicas mais expressivas da poesia ocidental e brasileira. Sua leveza inicial e ênfase final crescente fazem dele um recurso ideal para criar versos fluidos e dinâmicos. Embora menos comum do que os ritmos binários (jâmbico e trocaico), ele aparece em momentos-chave da poesia brasileira, especialmente em contextos narrativos ou descritivos. Ao estudar poemas de autores como Manuel Bandeira e Augusto dos Anjos, podemos observar como esse ritmo contribui para a musicalidade e o impacto emocional da poesia.
Estrutura do Ritmo Anapesto: Átona + Átona + Tônica
O ritmo anapesto pode ser representado graficamente como: U U -
U representa as sílabas átonas
- representa a sílaba tônica.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência fluida e acelerada. Por exemplo, em um verso com três pés anapestos (trimétrico anapéstico), teríamos: U U - | U U - | U U -
Exemplo Prático. Vamos analisar o seguinte verso:
"Era uma / vez um / príncipe / encantado"
A divisão silábica e a acentuação são: U U - | U U - | U U - | U U -
"E" (átona) + "ra" (átona) + "uma" (tônica)
"vez" (átona) + "um" (átona) + "prín" (tônica)
"ci" (átona) + "pe" (átona) + "en" (tônica).
Neste caso, cada grupo de três sílabas segue o padrão anapesto, criando um ritmo ascendente.
Características do Ritmo Anapesto
Leveza e fluidez: A predominância de sílabas átonas no início de cada grupo confere ao verso uma sensação de leveza e progressão.
Crescimento gradativo: A tonicidade da terceira sílaba cria uma ênfase final que dá ao verso um impulso ascendente.
Uso em narrativas épicas e populares: O ritmo anapesto é frequentemente associado à poesia épica e às formas narrativas, pois sua cadência imita o movimento de marcha ou galope, conferindo dinamismo ao texto.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Manuel Bandeira, no poema "Poética", encontramos versos com ritmo anapesto:
"Estou farto / do lirismo / comedido"
Analisando o primeiro segmento: U U - | U U - | U U -
"Es" (átona) + "tou" (átona) + "far" (tônica)
"do" (átona) + "li" (átona) + "ris" (tônica)
"mo" (átona) + "co" (átona) + "me" (tônica).
2. Augusto dos Anjos, em alguns de seus poemas, Augusto dos Anjos utiliza o ritmo anapesto para criar versos expressivos:
"Eu vi / no chão / um corpo / insepulto"
Divisão silábica e acentuação: U U - | U U - | U U - | U U -
"Eu" (átona) + "vi" (átona) + "no" (tônica)
"chão" (átona) + "um" (átona) + "cor" (tônica)
"po" (átona) + "in" (átona) + "sep" (tônica).
O ritmo anapesto (ternário ascendente) é uma das estruturas rítmicas mais expressivas da poesia ocidental e brasileira. Sua leveza inicial e ênfase final crescente fazem dele um recurso ideal para criar versos fluidos e dinâmicos. Embora menos comum do que os ritmos binários (jâmbico e trocaico), ele aparece em momentos-chave da poesia brasileira, especialmente em contextos narrativos ou descritivos. Ao estudar poemas de autores como Manuel Bandeira e Augusto dos Anjos, podemos observar como esse ritmo contribui para a musicalidade e o impacto emocional da poesia.
3.1.1.4 Ritmo ternário descendente dactílico
a) Um acento forte ou longo (sílaba tônica) seguido de
b) dois acentos fracos ou breves (sílabas átonas) em cada pé métrico.
DUM-da-da, DUM-da-da, DUM-da-da (redondilha menor - sete sílabas poéticas).
O ritmo ternário descendente, também conhecido como dáctilo ou rítmico dáctilo, é um dos esquemas rítmicos fundamentais na poesia ocidental. Ele se caracteriza por uma sequência de sílabas organizadas em grupos de três (ternário), onde a primeira sílaba do grupo é tônica (acentuada) e as duas seguintes são átonas (não acentuadas). Esse padrão cria um ritmo que "desce", ou seja, começa com ênfase e depois relaxa, conferindo ao verso uma cadência marcante e solene.
Estrutura do Ritmo Dáctilo: Tônica + Átona + Átona
O ritmo dáctilo pode ser representado graficamente como: - U U
- representa a sílaba tônica
U representa as sílabas átonas.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência regular e imponente. Por exemplo, em um verso com três pés dáctilos (trimétrico dáctilo), teríamos: - U U | - U U | - U U
Exemplo Prático. Vamos analisar o seguinte verso: "Glória imortal / aos heróis"
A divisão silábica e a acentuação são: - U U | - U U
"Gló" (tônica) + "ria" (átona) + "i" (átona)
"mor" (tônica) + "tal" (átona) + [pausa breve].
Neste caso, cada grupo de três sílabas segue o padrão dáctilo, criando um ritmo descendente.
Características do Ritmo Dáctilo
Força inicial: A tonicidade da primeira sílaba dá ao verso um tom enfático e majestoso.
Cadência solene: A alternância entre sílabas tônicas e átonas confere ao verso uma energia rítmica distinta, frequentemente associada à grandiosidade e à formalidade.
Menos natural na língua portuguesa: Embora presente na poesia brasileira, o ritmo dáctilo é menos comum do que os ritmos binários (jâmbico e trocaico), pois a língua portuguesa tende a favorecer estruturas mais fluidas.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Olavo Bilac, no poema "Súplica", encontramos versos com ritmo dáctilo: "Monstro de plumas, fera de cristal."
Analisando o primeiro segmento: - U U | - U U
"Mons" (tônica) + "tro" (átona) + "de" (átona)
"plu" (tônica) + "mas" (átona) + "fe" (átona).
2. Augusto dos Anjos. Em alguns de seus poemas, Augusto dos Anjos utiliza o ritmo dáctilo para criar versos impactantes: "Cristais de lágrimas, pérolas de dor."
Divisão silábica e acentuação: - U U | - U U
"Cris" (tônica) + "tais" (átona) + "de" (átona)
"lá" (tônica) + "gri" (átona) + "mas" (átona).
O ritmo dáctilo (ternário descendente) é uma das estruturas rítmicas mais expressivas da poesia ocidental e brasileira. Sua força inicial e cadência solene fazem dele um recurso poderoso para criar versos enfáticos e grandiosos. Embora menos comum na língua portuguesa do que os ritmos binários, ele aparece em momentos-chave da poesia brasileira, especialmente em contextos onde o poeta deseja transmitir formalidade, dramaticidade ou intensidade emocional. Ao estudar poemas de autores como Olavo Bilac e Augusto dos Anjos, podemos observar como esse ritmo contribui para o impacto e a musicalidade da poesia.
Estrutura do Ritmo Dáctilo: Tônica + Átona + Átona
O ritmo dáctilo pode ser representado graficamente como: - U U
- representa a sílaba tônica
U representa as sílabas átonas.
Esse padrão pode se repetir ao longo do verso, criando uma cadência regular e imponente. Por exemplo, em um verso com três pés dáctilos (trimétrico dáctilo), teríamos: - U U | - U U | - U U
Exemplo Prático. Vamos analisar o seguinte verso: "Glória imortal / aos heróis"
A divisão silábica e a acentuação são: - U U | - U U
"Gló" (tônica) + "ria" (átona) + "i" (átona)
"mor" (tônica) + "tal" (átona) + [pausa breve].
Neste caso, cada grupo de três sílabas segue o padrão dáctilo, criando um ritmo descendente.
Características do Ritmo Dáctilo
Força inicial: A tonicidade da primeira sílaba dá ao verso um tom enfático e majestoso.
Cadência solene: A alternância entre sílabas tônicas e átonas confere ao verso uma energia rítmica distinta, frequentemente associada à grandiosidade e à formalidade.
Menos natural na língua portuguesa: Embora presente na poesia brasileira, o ritmo dáctilo é menos comum do que os ritmos binários (jâmbico e trocaico), pois a língua portuguesa tende a favorecer estruturas mais fluidas.
Exemplos na Literatura Brasileira
1. Olavo Bilac, no poema "Súplica", encontramos versos com ritmo dáctilo: "Monstro de plumas, fera de cristal."
Analisando o primeiro segmento: - U U | - U U
"Mons" (tônica) + "tro" (átona) + "de" (átona)
"plu" (tônica) + "mas" (átona) + "fe" (átona).
2. Augusto dos Anjos. Em alguns de seus poemas, Augusto dos Anjos utiliza o ritmo dáctilo para criar versos impactantes: "Cristais de lágrimas, pérolas de dor."
Divisão silábica e acentuação: - U U | - U U
"Cris" (tônica) + "tais" (átona) + "de" (átona)
"lá" (tônica) + "gri" (átona) + "mas" (átona).
O ritmo dáctilo (ternário descendente) é uma das estruturas rítmicas mais expressivas da poesia ocidental e brasileira. Sua força inicial e cadência solene fazem dele um recurso poderoso para criar versos enfáticos e grandiosos. Embora menos comum na língua portuguesa do que os ritmos binários, ele aparece em momentos-chave da poesia brasileira, especialmente em contextos onde o poeta deseja transmitir formalidade, dramaticidade ou intensidade emocional. Ao estudar poemas de autores como Olavo Bilac e Augusto dos Anjos, podemos observar como esse ritmo contribui para o impacto e a musicalidade da poesia.
3.1.1.5 Outros ritmos
Além dos esquemas rítmicos básicos, existem diversas variações e combinações que podem ser exploradas pelos poetas. Alguns exemplos incluem:
- Espondeu: Duas sílabas tônicas seguidas (ex: "Sol quente").
- Pirríquio: Duas sílabas átonas seguidas (ex: "Na rua").
- Anfíbraco: Uma sílaba átona seguida por uma tônica e outra átona (ex: "No caminho").
- Báquio: Uma sílaba átona seguida por duas tônicas (ex: "Com muita força").
- Cretico: Uma sílaba tônica seguida por uma átona e outra tônica (ex: "Canções de amor").
Das sílabas
A distinção entre sílabas gramaticais e sílabas poéticas é fundamental para a compreensão da métrica na poesia:
- Sílabas gramaticais: São as unidades fonológicas que compõem as palavras na língua escrita e falada. Seguem as regras convencionais de divisão silábica da gramática.
- Sílabas poéticas: Também chamadas de sílabas métricas, são as unidades rítmicas utilizadas na versificação. Nem sempre correspondem exatamente às sílabas gramaticais, pois podem sofrer alterações devido a fenômenos como:
- Elisão: Fusão de vogais entre palavras adjacentes;
- Sinérese: Fusão de vogais dentro de uma mesma palavra;
- Diérese: Separação de um ditongo em duas sílabas;
- Contagem até a última sílaba tônica do verso.
Essa diferença permite que os poetas manipulem o ritmo e a sonoridade dos versos, criando efeitos estéticos que vão além da simples contagem gramatical das sílabas.
Ritmos hipertróficos - são aqueles que apresentam uma ênfase exagerada em determinados aspectos métricos ou sonoros do verso, tornando o ritmo mais marcado ou até artificial. Esse conceito pode se manifestar de diferentes formas na poesia, como:
a) Excesso de tonicidade – Quando há muitas sílabas tônicas próximas, criando um efeito de dureza e impacto excessivo.
b) Regularidade excessiva – Quando a métrica se torna tão rígida e previsível que prejudica a fluidez natural do verso.
c) Repetição sonora intensa – Uso exagerado de aliterações (repetição de sons consonantais em uma sequência de palavras), assonâncias (repetição de sons vocálicos em uma sequência de palavras) ou rimas muito evidentes, tornando o ritmo mecânico.
Um exemplo de ritmo hipertrófico pode ocorrer em versos que exageram a estrutura decassílaba heroica (acentos fixos na 6ª e 10ª sílabas) a ponto de torná-la monótona ou artificial. Na poesia moderna, busca-se evitar essa rigidez extrema, equilibrando métrica e expressividade.
Ritmo atrófico - é o oposto do ritmo hipertrófico. Ele ocorre quando há uma fraqueza ou irregularidade na estrutura rítmica de um verso, tornando-o pobre em musicalidade e fluidez. Isso pode acontecer por diversos motivos, como:
a) Falta de acentuação marcada – Quando os acentos rítmicos não seguem um padrão coerente, deixando o verso sem cadência definida.
b) Quebra brusca de regularidade – Se um poema apresenta uma métrica bem definida e, de repente, há versos que não seguem o mesmo esquema, o ritmo pode parecer enfraquecido ou desorganizado.
c) Uso excessivo de sílabas átonas – Se predominam sílabas fracas (não tônicas) em lugares onde normalmente se espera uma ênfase, o verso pode soar apagado ou sem vigor.
Autores que dominam a métrica evitam ritmos atróficos, a menos que o efeito seja intencional para causar estranhamento ou transmitir um estado emocional específico.
Acentos rítmicos propriamente ditos - são os acentos internos que, colocados em determinados lugares ou sílabas, marcam a fisionomia musical dos diferentes tipos métricos.
-
Ritmo - é a repetição periódica (no tempo) de um fenômeno de qualquer modo diferenciado em si mesmo no tempo.
a) ritmo proposto: ritmo proposto à repetição, ou seja, quando o verso é todo ele um ritmo que só será efetivo na sucessão ou repetição de versos do mesmo tipo rítmico fundamental, por exemplo o verso de Camões “Deu sinal a trombeta castelhana”, pois é um decassílabo do ritmo proposto 6 + 4 (sexta sílaba tônica + quatro sílabas para a 10ª tônica);
b) ritmo efetivo: é a repetição, por exemplo, da-da-DUM + da-da-DUM.
Exemplo de ritmo proposto decassilábico: “Deu sinal a trombeta castelhana”
Deu | si | nal | a | trom | be | ta |cas | te | lha | na
1 2 3ª 4 5 6ª 7 8 9 10ª
da-da-DUM | da-da-DUM | da-da-da-DUM)
10 sílabas métricas com acento rítmico secundário na 3ª sílaba, acento rítmico principal na 6ª e acento tônico na 10ª sílaba.
3.1.2 Métrica
3.1.2.1 Da contagem das sílabas
3.1.2.1.1 PRIMEIRA REGRA
A vogal que termina uma palavra absorve-se na outra que começa a palavra seguinte. Ex.:bon-da-de in-fi-ni-ta
Neste exemplo, temos 5 sílabas poéticas: bon-da-dein-fi-ni. A última sílaba "ta" não é contada na métrica poética, pois a contagem vai até a última sílaba tônica do verso.
Para exemplificar a contagem de sílabas poéticas em palavras como "ansiedade" e "saudade", vamos analisá-las:
Divisão gramatical: an-si-e-da-de (5 sílabas gramaticais)
Divisão poética: an-sie-da-de (3 sílabas poéticas)
Na divisão poética, ocorre uma sinérese (fusão de vogais) entre "i" e "e".
Divisão poética: an-sie-da-de (3 sílabas poéticas)
Na divisão poética, ocorre uma sinérese (fusão de vogais) entre "i" e "e".
Divisão gramatical: sau-da-de (3 sílabas gramaticais)
Divisão poética: sau-da-de (2 sílabas poéticas)
Divisão poética: sau-da-de (2 sílabas poéticas)
É importante notar que, em um verso, a contagem final consideraria até a última sílaba tônica. Por exemplo: "Sinto ansiedade e saudade"
Contagem poética: Sin-toan-sie-da-dee-sau-da (7 sílabas)
Observe que a última sílaba "de" não é contada, pois a contagem vai até a última sílaba tônica do verso, que é "da" em "saudade".
Exceção da regra: sendo a vogal muito forte, a absorção dela na seguinte provoca assonância, que convém evitar. Ex.: vá-eu
Algumas vogais são mais difíceis de serem absorvidas do que outras. Aqui está uma lista em ordem decrescente de dificuldade de absorção:
- á, é, ó: As vogais abertas tônicas são as mais difíceis de serem absorvidas.
- â, ê, ô: As vogais fechadas tônicas também apresentam dificuldade considerável.
- í, ú: Vogais altas tônicas têm uma dificuldade média de absorção.
- a, e, o: Vogais átonas são mais facilmente absorvidas.
- i, u: As vogais altas átonas são as mais fáceis de serem absorvidas.
É importante notar que a facilidade ou dificuldade de absorção também pode variar dependendo do contexto fonético e da intenção rítmica do poeta.
3.1.2.1.2 SEGUNDA REGRA
A vogal mais fraca, menos acentuada e menos pausada, é a mais fácil de absorver na que vem imediatamente depois: o que quer dizer que as mais acentuadas, mais fortes e mais pausadas só se elidem violentamente.
Exemplos de absorção de vogais fracas:
- "casa amarela" → ca-sa a-ma-re-la (4 sílabas poéticas)
- "belo horizonte" → be-lo ho-ri-zon-te (4 sílabas poéticas)
- "vida inteira" → vi-da in-tei-ra (3 sílabas poéticas)
Nestes exemplos, as vogais átonas finais ("a" em "casa", "o" em "belo", "a" em "vida") são facilmente absorvidas pelas vogais iniciais das palavras seguintes.
Exemplos de vogais mais difíceis de absorver:
- "já é" → já-é (mantém-se como 2 sílabas poéticas devido à força do "á")
- "só agora" → só-a-go-ra (3 sílabas poéticas, "ó" resiste à elisão)
- "café amargo" → ca-fé-a-mar-go (4 sílabas poéticas, "é" tônico dificulta a elisão)
Nesses casos, as vogais tônicas e acentuadas ("á", "ó", "é") resistem à elisão, mantendo-se como sílabas separadas na contagem poética.
3.1.2.1.3 TERCEIRA REGRA
Duas vogais concorrentes não só se elidem, quando a primeira não é longa, como podem elidir-se mais, se mais concorrem com igual requisito.
Esta regra trata da elisão múltipla, onde mais de duas vogais podem se fundir em uma única sílaba poética. Exemplos:
- "Que eu amo" → Que eu-a-mo (2 sílabas poéticas)
- "O outro olhava" → O ou-tro o-lha-va (3 sílabas poéticas)
- "Minha alma ardente" → Mi-nha al-ma ar-den-te (4 sílabas poéticas)
Nestes exemplos, observamos que várias vogais consecutivas podem se fundir, desde que não sejam longas ou fortemente acentuadas. Isso permite ao poeta criar versos mais fluidos e com ritmo mais elaborado.
3.1.2.1.4 SINÉRESE e SINALEFA
Sinérese e sinalefa são dois fenômenos fonéticos importantes na métrica poética, mas ocorrem em contextos diferentes:
Sinérese: Ocorre dentro de uma única palavra. É a fusão de duas vogais que normalmente formariam um hiato. Exemplo: "saúde" (3 sílabas gramaticais) → "saú-de" (2 sílabas poéticas)
Sinalefa: Ocorre entre palavras diferentes. É a fusão da vogal final de uma palavra com a vogal inicial da palavra seguinte. Exemplo: "casa amarela" → "ca-sa a-ma-re-la" (4 sílabas poéticas)
Ambos os fenômenos têm o efeito de reduzir o número de sílabas poéticas, contribuindo para o ritmo e a métrica do verso.
3.1.2.2 Modo de alterar o número de sílabas
Prótese, epêntese e paragoge são processos fonológicos que alteram o número de sílabas de uma palavra, adicionando sons em diferentes posições. Vamos analisar cada um deles:
3.1.2.2.1 Prótese
Adição de um som no início da palavra.
Exemplos:
- star → estar
- spiritus (latim) → espírito (português)
- scientia (latim) → ciência (português)
3.1.2.2.2 Epêntese
Adição de um som no meio da palavra.
Exemplos:
- advogado → adivogado
- pneu → pineu
- aflição → afilição
3.1.2.2.3 Paragoge
Adição de um som no final da palavra.
Exemplos:
- mar → mare (arcaico)
- flor → flore (arcaico)
- fazer → fazere (arcaico)
Diferença principal: A distinção entre esses processos está na posição onde o som é adicionado: início (prótese), meio (epêntese) ou fim (paragoge) da palavra.
Na versificação, esses processos podem ser usados para ajustar o número de sílabas em um verso, contribuindo para a métrica e o ritmo desejados pelo poeta.
“Adulterar, por própria autoridade uma palavra acrescentando-a ou a diminuindo é ousadia. Os melhores metrificadores são os que menos tomam tais licenças.” (Castilho)
3.1.2.3 Dos acentos predominantes ou pausas
Os acentos predominantes ou pausas são elementos cruciais na estrutura rítmica de um verso. Eles se referem às sílabas tônicas que recebem maior ênfase dentro do verso, criando um padrão sonoro e rítmico característico.
Principais aspectos dos acentos predominantes:
- Definição: São as sílabas que recebem maior intensidade na pronúncia, destacando-se das demais.
- Função: Estabelecem o ritmo e a cadência do verso, contribuindo para sua musicalidade.
- Localização: Geralmente ocorrem em posições fixas, dependendo do tipo de verso (por exemplo, na 6ª e 10ª sílabas em um decassílabo heroico).
- Importância: Essenciais para determinar o esquema métrico e o tipo de verso utilizado no poema.
As pausas, por sua vez, são breves interrupções na leitura do verso, que podem coincidir ou não com os acentos predominantes. Elas ajudam a estruturar o ritmo e o sentido do poema.
O domínio dos acentos predominantes e das pausas é fundamental para o poeta criar versos harmoniosos e expressivos, permitindo uma variedade de efeitos sonoros e rítmicos em sua composição.
3.1.2.4 Palavras agudas, graves e esdrúxulas
-
Palavras Agudas (oxítonas): A sílaba tônica é a última sílaba da palavra (como em café ou amor). Na métrica, quando o verso termina com uma palavra aguda, conta-se uma sílaba a mais. Isso porque, na poesia clássica, considera-se que o som final agudo “puxa” uma sílaba adicional para completar o ritmo.Exemplo: “Na vida sempre há dor.” Contamos o verso como sendo de 6 sílabas métricas: “Na vi- | da sem- | pre há do- | (r) + 1”.
-
Palavras Graves (paroxítonas): A sílaba tônica é a penúltima sílaba (como em mesa ou pássaro). Versos terminados em palavras graves não ganham nem perdem sílabas, pois essa posição de acentuação é considerada neutra na métrica.Exemplo: “A vida passa ligeira.” Contamos o verso como de 7 sílabas métricas: “A vi- | da pas- | sa li- | gei- | ra”.
-
Palavras Esdrúxulas (proparoxítonas): A sílaba tônica é a antepenúltima sílaba (como em pássaro ou mágico). Na métrica, versos terminados com palavras esdrúxulas perdem uma sílaba. A sílaba extra da palavra esdrúxula “encurta” o verso, tornando-o menos “carregado”.Exemplo: “Um pássaro leve.” Contamos o verso como sendo de 5 sílabas métricas: “Um pá- | ssa- | ro le- | (ve) - 1”.
Em resumo, cada tipo de palavra no final do verso influencia o número de sílabas métricas.
3.1.2.5 Das espécies de metros na língua portuguesa
Na língua portuguesa, os metros ou tipos de verso são classificados pelo número de sílabas métricas que possuem. Cada tipo de verso tem um nome específico e pode ser utilizado para criar diferentes ritmos e efeitos poéticos. Aqui estão as espécies de metros mais comuns:
- Monossílabo: 1 sílaba métrica. Exemplo: "Paz."
- Dissílabo: 2 sílabas métricas. Exemplo: "Luz boa."
- Trissílabo: 3 sílabas métricas. Exemplo: "O vento."
- Tetrassílabo: 4 sílabas métricas. Exemplo: "Cai a flor."
- Pentassílabo (Redondilha menor): 5 sílabas métricas. Exemplo: "No campo vou."
- Hexassílabo: 6 sílabas métricas. Exemplo: "Luz que me envolve."
- Heptassílabo (Redondilha maior): 7 sílabas métricas. Exemplo: "A brisa sopra leve."
- Octossílabo: 8 sílabas métricas. Exemplo: "Nasceu o sol no horizonte."
- Eneassílabo: 9 sílabas métricas. Exemplo: "O céu reflete o mar azul."
- Decassílabo: 10 sílabas métricas. É um dos metros mais importantes na poesia clássica portuguesa, podendo ser usado em várias formas, como o decassílabo heroico (com acentos na 6ª e 10ª sílabas). Exemplo: "As nuvens se desfazem ao final."
- Hendecassílabo: 11 sílabas métricas. Exemplo: "As águas correm sempre para o mar."
- Dodecassílabo (Alexandrino): 12 sílabas métricas. Bastante comum em sonetos e na poesia clássica. Exemplo: "As aves que ali cantam ao vento se entregam."
- Bárbaro: Versos com mais de 12 sílabas métricas. Estes versos são menos frequentes, mas podem ser usados para criar um efeito mais longo ou solene. Exemplo: "Viajantes buscam estrelas pelo céu vasto e frio."
Essas espécies de metros são utilizadas para criar ritmo e cadência em poemas e músicas, adaptando-se ao tom e ao estilo de cada composição poética.
3.1.2.5.1 Dos versos graves em geral
Versos graves - são aqueles que terminam com uma palavra paroxítona, ou seja, a sílaba tônica é a penúltima. Na métrica poética portuguesa e brasileira, quando o verso termina em palavra grave, conta-se normalmente o número de sílabas poéticas até a última sílaba tônica (a penúltima sílaba da palavra).
Os versos graves são muito comuns na poesia em português, já que a maioria das palavras da nossa língua são paroxítonas/graves.
Os versos graves, também conhecidos como versos épicos ou heroicos, são uma forma de poesia que se caracteriza por sua estrutura e conteúdo. São compostos por uma série de versos que seguem uma métrica específica e que tratam de temas épicos, heroicos ou grandiosos.
Características dos versos graves:
- Métrica: Os versos graves são compostos por um tipo de métrica chamada hexâmetro, que consiste em seis pés (unidades métricas) por linha. Cada pé é composto por uma sílaba longa seguida de uma sílaba curta.
- Ritmo: O ritmo dos versos graves é solene, grave e majestoso, adequado ao tema heroico ou épico que está sendo tratado.
- Linguagem: A linguagem utilizada é formal, elevada e ornamentada, com uso de metáforas, alegorias e outras figuras de linguagem.
- Conteúdo: Os versos graves tratam de temas como a história, a mitologia, a religião, a política e a guerra. Os poemas épicos, como a Ilíada e a Odisseia, de Homero, são exemplos clássicos de versos graves.
- Tono: O tom dos versos graves é sério, grave e emocionante, transmitindo uma sensação de grandeza e importância.
Os versos graves foram muito utilizados na Antiguidade Clássica, especialmente na Grécia e em Roma, e continuaram a ser utilizados ao longo dos séculos em diferentes culturas e literaturas. Hoje em dia, os versos graves ainda são estudados e apreciados por sua beleza e importância histórica e cultural.
3.1.2.5.2 Dos versos agudos em geral
Os versos agudos não soam com tanta suavidade como os graves; é sempre monótona, serão insuportável, uma composição poética, ainda um soneto, constando tão somente de versos agudos. É isso aceitável em composição de gênero burlesco, humorístico ou satírico.
Os versos agudos são aqueles que terminam com palavra oxítona, ou seja, com a última sílaba tônica/acentuada. Essa característica influencia o ritmo e a sonoridade do poema,
conferindo uma sensação de intensidade e ênfase ao final do verso.
Por exemplo, em versos como:
- "Meu coração vai bater" (baTER)
- "O sol brilha no jardim" (jarDIM)
- "Vou cantar pra você" (voCÊ)
Na métrica poética, quando um verso termina em palavra aguda/oxítona, costuma-se adicionar uma sílaba na contagem métrica. Isso acontece porque:
- Historicamente, muitas palavras que hoje são agudas em português terminavam com uma sílaba átona no latim
- Para manter o ritmo e a musicalidade do poema
Alguns exemplos comuns de palavras agudas que aparecem no final de versos:
- Verbos no infinitivo: amar, viver, sorrir
- Alguns substantivos: amor, jardim, café
- Alguns pronomes: você, vocês
- Numerais: dois, três, seis
Os versos agudos são menos frequentes que os graves na poesia em português, mas são muito utilizados para criar efeitos sonoros específicos ou para manter esquemas de rima.
Vou demonstrar usando um verso simples: "Vou cantar pra você"
Vamos fazer a contagem das sílabas poéticas (também chamadas de sílabas métricas):
Vou / can / tar / pra / vo / cê
1 2 3 4 5 6
Como a palavra final "você" é aguda (oxítona), acrescenta-se uma sílaba na contagem. Então este verso, que tem 6 sílabas fonéticas, é considerado um verso de 7 sílabas (heptassílabo) na métrica poética.
Outro exemplo:
"O amor vai chegar"
O / a / mor / vai / che / gar
1 2 3 4 5 6 (+1)
Novamente, como termina em palavra aguda ("chegar"), conta-se uma sílaba a mais, tornando-o também um verso de 7 sílabas.
Compare com um verso grave:
"O amor é sincero"
O / a / mor / é / sin / ce / ro
1 2 3 4 5 6 7
Neste caso, como termina em palavra grave ("sincero"), não se acrescenta sílaba extra - a contagem permanece 7 sílabas.
Esta regra de acrescentar uma sílaba nos versos agudos ajuda a manter o ritmo e a musicalidade do poema, especialmente quando há alternância entre versos graves e agudos.
Características dos versos agudos:
- Sílaba tônica: A última sílaba é a mais enfatizada, o que pode criar um efeito de conclusão ou clímax.
- Métrica: Os versos agudos podem variar em métrica, mas é comum que tenham um número ímpar de sílabas, como heptassílabos (7 sílabas) ou decassílabos (10 sílabas).
- Ritmo: O ritmo tende a ser mais dinâmico e pode transmitir uma sensação de urgência ou movimento.
- Exemplos: Um verso agudo típico seria aquele que termina em uma palavra acentuada na última sílaba, como "coração" ou "mar".
Os versos agudos são frequentemente utilizados em diversas formas poéticas para criar efeitos sonoros e emocionais específicos, influenciando a musicalidade do poema.
3.1.2.5.3 Dos versos esdrúxulos em geral
Os versos esdrúxulos são aqueles que terminam com palavra proparoxítona (ou esdrúxula), ou seja, com a sílaba tônica na antepenúltima sílaba. Por exemplo, em versos como:
"As árvores são mágicas"
"O pássaro é tímido"
"Momentos são únicos"
Na métrica poética, quando um verso termina em palavra esdrúxula, subtrai-se uma sílaba na contagem. Vamos analisar um exemplo: "As árvores são mágicas"
As / ár / vo / res / são / má / gi / cas
1 2 3 4 5 6 7 8
Como termina em palavra esdrúxula ("mágicas"), subtrai-se uma sílaba, então este verso seria considerado um verso de 7 sílabas (heptassílabo).
Alguns exemplos comuns de palavras esdrúxulas:
- Adjetivos: mágico, límpido, rápido
- Substantivos: pássaro, árvore, música
- Verbos conjugados: éramos, fôssemos
Os versos esdrúxulos são os menos comuns na poesia em português, pois:
- Temos relativamente poucas palavras proparoxítonas no português
- O ritmo que elas criam é mais específico e menos versátil
Esta regra de subtrair uma sílaba nos versos esdrúxulos, assim como a de adicionar nos agudos, ajuda a manter o equilíbrio rítmico do poema.
Versos esdrúxulos são uma forma de verso poético caracterizada por uma estrutura métrica específica. O termo "esdrúxulo" vem do grego "sdrux", que significa "inverso" ou "contrário".
Em um verso esdrúxulo, a sílaba tônica (ou acentuada) não está no final do pé métrico, como é comum em muitos metros poéticos, mas sim no início. Isso significa que a sílaba mais forte ou mais acentuada do pé métrico é a primeira, e não a última.
A estrutura métrica de um verso esdrúxulo geralmente segue o padrão de:
DUM-da-da-DUM-da-da
Onde "DUM" representa a sílaba tônica (ou acentuada) e "da" representa as sílabas átonas (ou não acentuadas).
Os versos esdrúxulos criam um efeito de inversão ou de surpresa, pois desafiam a expectativa do leitor ou ouvinte quanto à localização da sílaba tônica. Isso pode dar ao poema uma sensação de dinamismo, energia e contraste.
Os versos esdrúxulos são comuns em muitas tradições poéticas, incluindo a poesia latina, grega e portuguesa. Alguns poetas famosos que utilizaram versos esdrúxulos em suas obras incluem Virgílio, Ovídio e, no Brasil, Carlos Drummond de Andrade.
É importante notar que os versos esdrúxulos não são iguais aos versos anapestos, que também têm uma estrutura métrica invertida, mas com um padrão de três sílabas (DUM-da-da).
Os versos esdrúxulos, empregados com sobriedade, conseguem todo o efeito que visam.
- Existe uma relação entre os versos graves e o tom do poema. Os versos graves, com sua sílaba tônica no início da linha, tendem a criar um tom mais sério, solene, autoritário e até mesmo sombrio. Isso porque a tônica no início da linha cria uma sensação de peso, de gravidade, que se reflete no tom do poema.
- Os versos graves são frequentemente usados em poemas que tratam de temas importantes, como a morte, a justiça, a moralidade, a sabedoria, etc. Isso porque a tônica no início da linha confere uma sensação de autoridade, de convicção, que é adequada para tratar de temas sérios e profundos.
- Além disso, os versos graves podem criar um tom de reflexão, de introspecção, de contemplação, que é característico de poemas que buscam explorar a condição humana, a existência, a vida e a morte.
- No entanto, é importante notar que a relação entre os versos graves e o tom do poema não é uma regra rígida. Os poetas podem usar os versos graves de maneira criativa e subverter as expectativas do leitor, criando um tom mais leve, irônico ou até mesmo divertido.
Aqui estão alguns exemplos de poemas que usam versos graves e criam um tom sério e reflexivo:
- "Sublime foi o instante" (Olavo Bilac) - um soneto que trata da beleza e da fugacidade da vida.
- "A morte é uma irmã" (Augusto dos Anjos) - um poema que reflete sobre a morte e a condition humaine.
- "O tempo é um rio" (Vinicius de Moraes) - um poema que trata do passar do tempo e da fugacidade da vida.
Já aqui estão alguns exemplos de poemas que usam versos graves de maneira mais criativa e subvertem as expectativas do leitor:
- "O negócio é ser feliz" (Manuel Bandeira) - um poema que trata da felicidade e da vida cotidiana, com um tom mais leve e irônico.
- "A vida é curta" (Fernando Pessoa) - um poema que trata da brevidade da vida, mas com um tom mais melancólico e introspectivo.
A métrica, além da posição da sílaba tônica, influencia o tom do poema de várias maneiras. Aqui estão algumas formas pelas quais a métrica pode afetar o tom:
- Ritmo: A métrica pode criar um ritmo que influencia o tom do poema. Por exemplo, um ritmo rápido pode criar um tom de urgência ou de energia, enquanto um ritmo lento pode criar um tom de reflexão ou de contemplação.
- Sílabas por linha: O número de sílabas por linha pode influenciar o tom do poema. Por exemplo, linhas curtas podem criar um tom de concisão e de clareza, enquanto linhas longas podem criar um tom de complexidade e de introspecção.
- Pés métricos: Os pés métricos, como o iâmbico, o troqueu, o dáctilo, etc., podem criar um tom específico. Por exemplo, o iâmbico pode criar um tom de naturalidade e de fluidez, enquanto o troqueu pode criar um tom de solenidade e de autoridade.
- Cesura ou pausa: Dentro de uma linha pode influenciar o tom do poema. Por exemplo, uma caesura após uma palavra importante pode criar um tom de reflexão ou de surpresa.
- Enjambment: O enjambment, ou a continuação de uma frase ou de um pensamento de uma linha para a seguinte, pode criar um tom de continuidade e de fluidez.
- Anapesto: O anapesto, ou o uso de duas sílabas não tônicas seguidas de uma tônica, pode criar um tom de leveza e de musicalidade.
- Dímetro: O dímetro, ou o uso de dois pés métricos iguais, pode criar um tom de simetria e de equilíbrio.
Aqui estão alguns exemplos de poemas que utilizam a métrica de maneira criativa para influenciar o tom:
- "O Navio Negreiro" (Castro Alves) - um poema que utiliza um ritmo rápido e sílabas curtas para criar um tom de indignação e de protesto.
- "A Casa" (Fernando Pessoa) - um poema que utiliza um ritmo lento e linhas longas para criar um tom de reflexão e de introspecção.
- "Soneto 18" (Shakespeare) - um soneto que utiliza o iâmbico e a cesura para criar um tom de naturalidade e de fluidez.
Além da métrica, há vários outros recursos que podem afetar o tom do poema. Aqui estão alguns exemplos:
- Imagem: A linguagem sensorial e as imagens usadas no poema podem criar um tom específico. Por exemplo, imagens sombrias e obscuras podem criar um tom de melancolia ou de desespero.
- Figuras de linguagem: As figuras de linguagem, como metáforas, similes, personificações, etc., podem criar um tom específico. Por exemplo, uma metáfora dramática pode criar um tom de intensidade ou de paixão.
- Tono lexical: O tom lexical se refere ao tom emocional ou conotativo das palavras escolhidas. Por exemplo, palavras como "amor", "alegria" e "felicidade" podem criar um tom de felicidade ou de otimismo.
- Sintaxe: A ordem das palavras e a estrutura das frases podem afetar o tom do poema. Por exemplo, frases curtas e diretas podem criar um tom de assertividade ou de confiança.
- Ponto de vista: O ponto de vista do narrador ou do poeta pode afetar o tom do poema. Por exemplo, um poema escrito em primeira pessoa pode criar um tom mais íntimo ou pessoal.
- Ironia: O uso de ironia pode criar um tom de humor ou de sarcasmo no poema.
- Alusões: As alusões a outros textos, eventos ou culturas podem criar um tom de erudição ou de cultura.
- Rima: A rima pode criar um tom de musicalidade ou de leveza no poema.
- Assonância e consonância: A assonância (repetição de sons vogais) e a consonância (repetição de sons consonantais) podem criar um tom de musicalidade ou de ritmo no poema.
- Espaçamento: O espaçamento entre as linhas ou os versos pode criar um tom de pausa ou de reflexão no poema.
Além
da métrica, há muitos outros recursos que podem afetar o tom do poema,
desde a linguagem sensorial até o espaçamento entre as linhas.
A escolha do ponto de vista em poemas narrativos pode influenciar significativamente o tom do poema. Aqui estão algumas formas pelas quais o ponto de vista pode afetar o tom:
- Intimidade: Um poema escrito em primeira pessoa (eu) pode criar um tom de intimidade e de confidência, como se o leitor estivesse ouvindo a história diretamente do narrador. Isso pode criar um tom de sinceridade e de autenticidade.
- Objetividade: Um poema escrito em terceira pessoa (ele/ela/eles) pode criar um tom de objetividade e de distanciamento, como se o narrador estivesse observando a história de fora. Isso pode criar um tom de neutralidade e de imparcialidade.
- Empatia: Um poema escrito em segunda pessoa (tu) pode criar um tom de empatia e de conexão com o leitor, como se o narrador estivesse se dirigindo diretamente ao leitor. Isso pode criar um tom de proximidade e de envolvimento.
- Autoridade: Um poema escrito em primeira pessoa do plural (nós) pode criar um tom de autoridade e de coletividade, como se o narrador estivesse falando em nome de um grupo ou de uma comunidade. Isso pode criar um tom de solidariedade e de unidade.
- Ironia: A escolha do ponto de vista pode também criar ironia e contraste, como quando um narrador em primeira pessoa apresenta uma visão diferente daquela que o leitor espera.
A
escolha do ponto de vista em poemas narrativos pode influenciar
significativamente o tom do poema, criando um tom de intimidade,
objetividade, empatia, autoridade ou ironia.
-
Os versos de onze sílabas são chamados de “verso de arte maior”;
-
Os versos de doze sílabas ou alexandrinos compõe-se geralmente de dois versos de seis sílabas; porém é indispensável observar que dois simples versos de seis sílabas nem sempre fazem um alexandrino perfeito. Assim, para os versos alexandrino existe as seguintes regras:1ª) REGRA - Quando a última palavra do primeiro verso de seis sílabas é grave, a primeira palavra do segundo deve começar por uma vogal ou por um h;2ª) REGRA - A última palavra do primeiro verso nunca pode ser esdrúxula;3ª) REGRA - Quando a última palavra do primeiro verso é aguda, a primeira do segundo pode indiferentemente começar por qualquer letra, vogal ou consoante.
O ponto em que se faz a junção dos dois versos de seis sílabas, que formam o alexandrino, chama-se cesura. Os dois versos de seis sílabas, de que se compõe o alexandrino, chamam-se hemistíquios.
3.2 Rima
Rima é a uniformidade do som na terminação de dois ou mais versos.
3.2.1 Classificação das rimas
3.2.1.1 Quanto a correspondência sonora
3.2.1.1.1 Rima Consoante ou perfeita
Na rima consoante, há uma correspondência exata entre os sons das vogais e das consoantes a partir da sílaba tônica da palavra. Isso significa que tanto as vogais quanto as consoantes no final das palavras rimam. É a rima mais completa e precisa em termos de som. Exemplo: "amor" e "flor"; "coração" e "solidão"
Essas palavras rimam porque, após a sílaba tônica, apresentam tanto as mesmas vogais quanto as mesmas consoantes.
3.2.1.1.2 Rima Toante ou assonante
Na rima toante, ou assonante, apenas as vogais a partir da sílaba tônica coincidem, enquanto as consoantes podem ser diferentes. Esse tipo de rima cria uma sonoridade menos rigorosa e mais suave, usada para obter efeitos de harmonia e fluidez sem a necessidade de precisão sonora total. Exemplo: "alma" e "marca"; "estrela" e "pena"
Aqui, as vogais das sílabas tônicas coincidem (a em alma e marca, e em estrela e pena), mas as consoantes finais são diferentes.
A diferença essencial é que a rima consoante exige a repetição exata de vogais e consoantes, enquanto a rima toante permite a repetição apenas das vogais, independentemente das consoantes. Isso faz com que a rima consoante seja mais "fechada" e marcada, enquanto a rima toante é mais "aberta" e sutil.
3.2.1.2 Quanto à Disposição
3.2.1.2.1 Rima emparelhada ou paralela
Segue o esquema AABB. Exemplo:
A lua no céu brilha (A)
Com uma cor que maravilha (A)
A noite se enfeita inteira (B)
Na paisagem tão faceira." (B)
A noite se enfeita inteira (B)
Na paisagem tão faceira." (B)
3.2.1.2.2 Rima Alternada cruzadas ou entrelaçadas
Segue o esquema ABAB. Exemplo:
A noite é uma prece (A)
A brisa acaricia (B)
O tempo que envelhece (A)
Na doce melodia. (B)
A brisa acaricia (B)
O tempo que envelhece (A)
Na doce melodia. (B)
3.2.1.2.3 Rima Oposta ou interpolada
Segue o esquema ABBA. Exemplo:
A lua dorme em seu lençol (A)
A noite veste seu lamento (B)
E o vento soa seu tormento (B)
Entre as estrelas no arrebol. (A)
A noite veste seu lamento (B)
E o vento soa seu tormento (B)
Entre as estrelas no arrebol. (A)
3.2.1.3 Quanto à Sonoridade
3.2.1.3.1 Rima Rica
Une palavras de classes gramaticais diferentes (exemplo: partir e porvir – verbo e substantivo).
3.2.1.3.2 Rima PobreUne palavras da mesma classe gramatical (exemplo: mente e demente – ambos adjetivos ou substantivos).
3.2.1.3.3 Rima Preciosa
3.2.1.3.3 Rima Preciosa
Usa palavras pouco comuns ou eruditas para rimar (exemplo: falar e opilar).
3.2.1.3.4 Rima Rara
3.2.1.3.4 Rima Rara
Emprega palavras que quase nunca são usadas para rimar, de difícil combinação sonora.
3.2.1.4 Quanto à Qualidade
3.2.1.4.1 Rima Consonantal ou perfeita
Quando as vogais e as consoantes finais das palavras rimam (exemplo: coração e ilusão).
3.2.1.4.2 Rima Assonantal ou imperfeita
3.2.1.4.2 Rima Assonantal ou imperfeita
Quando apenas as vogais finais rimam, sem considerar as consoantes (exemplo: alma e marca).
3.2.1.5 Quanto à Posição na Estrofe
3.2.1.5.1 Rima Externa
Quando a rima ocorre no final dos versos.
3.2.1.5.2 Rima Interna
3.2.1.5.2 Rima Interna
Quando a rima ocorre dentro do mesmo verso, associando palavras que aparecem na mesma linha.
3.2.1.6 Quanto ao Grau de Semelhança
3.2.1.6.1 Rima Masculina
Palavras de apenas uma sílaba tônica rimam (exemplo: céu e mel).
3.2.1.6.2 Rima Feminina
3.2.1.6.2 Rima Feminina
Palavras com sílaba átona após a sílaba tônica rimam (exemplo: esperança e lembrança).
3.2.1.6.3 Rima Grave
3.2.1.6.3 Rima Grave
Rimas que terminam com uma palavra paroxítona (exemplo: estrela e vela).
Essas classificações ajudam a diversificar o uso das rimas em poesias e a explorar sonoridades e significados.
3.2.2 Mérito das rimas
As palavras terminadas em ão, ar, ado, ava, íssimo etc., são vulgares, por isso devem ser evitadas;
Rimas de classe gramatical diferente são mais valorizadas;
A rima deve ser rara para não ser corriqueira, mas não tão rebuscada que pareça ridícula;
A rima deve ser rara para não ser corriqueira, mas não tão rebuscada que pareça ridícula;
3.2.3 Da disposição das rimas
3.2.3.1 Terceto
Composição: Estrofe de 3 versos.
Esquemas de rima: O terceto costuma seguir os esquemas ABA, AAB ou ABB.
Exemplo de rima (ABA):
Esquemas de rima: O terceto costuma seguir os esquemas ABA, AAB ou ABB.
Exemplo de rima (ABA):
"O tempo passa e tudo se renova (A)
E o que era antigo, logo é esquecido (B)
Só o amor é que sempre se comprova." (A)
Uso clássico: Comum na poesia renascentista, como na Divina Comédia de Dante, que utiliza a terza rima (esquema encadeado ABA BCB CDC...).
3.2.3.2 Sextilha
Composição: Estrofe de 6 versos.
Esquemas de rima: Em geral, segue o esquema AABBCC ou ABABCC, mas podem ocorrer outras variações.
Exemplo de rima (AABBCC):
Esquemas de rima: Em geral, segue o esquema AABBCC ou ABABCC, mas podem ocorrer outras variações.
Exemplo de rima (AABBCC):
"Na estrada longa, vou sozinho (A)
Carrego sonhos no caminho (A)
Com a esperança de vencer (B)
Sem nunca, nunca esmorecer (B)
E, no final, ao sol me lanço (C)
Com coração e um só descanso." (C)
Uso popular: Muito usada em literatura de cordel e cantigas populares.
3.2.3.3 Oitava
Composição: Estrofe de 8 versos.
Esquemas de rima: Um esquema clássico é ABABABCC, conhecido como oitava rima, muito utilizado em poemas épicos.
Exemplo de rima (ABABABCC):
Esquemas de rima: Um esquema clássico é ABABABCC, conhecido como oitava rima, muito utilizado em poemas épicos.
Exemplo de rima (ABABABCC):
"A manhã surgia entre as colinas (A)
E o vento leve trazia canção (B)
O sol brilhava por entre as cortinas (A)
Do céu azul, sem pressa ou aflição (B)
As árvores dançavam sem ruínas (A)
E o mundo respirava renovação (B)
Naquele instante de paz infinita (C)
Que faz a vida ser tão bonita." (C)
Uso clássico: Empregada por Camões em Os Lusíadas.
3.2.3.4 Quintilha
Composição: Estrofe de 5 versos.
Esquemas de rima: Geralmente segue ABABB ou AABBA, mas há outras combinações possíveis.
Exemplo de rima (ABABB):
Esquemas de rima: Geralmente segue ABABB ou AABBA, mas há outras combinações possíveis.
Exemplo de rima (ABABB):
"No campo brota a flor serena (A)
E a brisa sopra a leve canção (B)
O mundo é paz e natureza plena (A)
Onde bate forte o coração (B)
Em um eterno entardecer." (B)
Uso popular: Presente em canções e poesias tradicionais, muito popular na poesia popular e no cordel.
3.2.3.5 Quadra
Composição: Estrofe de 4 versos.
Esquemas de rima: Os esquemas mais comuns são ABAB, AABB e ABBA.
Exemplo de rima (ABAB):
Esquemas de rima: Os esquemas mais comuns são ABAB, AABB e ABBA.
Exemplo de rima (ABAB):
"A vida é breve, como o vento (A)
Que passa leve pelo chão (B)
Trazendo paz e algum alento (A)
Ao coração e à solidão." (B)
Uso popular: A quadra é uma das formas mais comuns na poesia popular, usada em canções, trovas e versos simples.
3.2.3.6 Décima
Composição: Estrofe de 10 versos.
Esquemas de rima: O esquema clássico é ABBAACCDDC, muito usado em improvisos e poesias populares da Península Ibérica e América Latina.
Exemplo de rima (ABBAACCDDC):
Esquemas de rima: O esquema clássico é ABBAACCDDC, muito usado em improvisos e poesias populares da Península Ibérica e América Latina.
Exemplo de rima (ABBAACCDDC):
"O tempo passa e nos ensina (A)
Que a vida é feita de mudança (B)
Que a dor se vai, que a esperança (B)
Nos renova e nos ilumina. (A)
Cada escolha é uma sina, (A)
Cada perda, uma lembrança. (C)
No amor, o coração dança (C)
No adeus, a alma desatina. (D)
No caminho que o tempo traça, (D)
A vida é sonho que se abraça." (C)
Uso clássico: A décima é usada em formas populares de poesia, como as trovas e as glosas, além de ser comum no repentismo.
Essas estruturas de rima tornam cada tipo de estrofe mais adequado a determinados estilos poéticos, ritmos e temas, conferindo personalidade e musicalidade ao poema.
3.2.4 Da homofonia do verso e da rima
A homofonia do verso e da rima diz respeito à semelhança sonora que ocorre tanto dentro dos versos quanto entre eles, quando as palavras terminam em sons iguais ou muito parecidos. A homofonia desempenha um papel importante na construção rítmica e na musicalidade da poesia. Aqui estão algumas considerações sobre cada uma:
3.2.4.1 Homofonia no Verso
A homofonia dentro do verso ocorre quando há sons repetidos ou parecidos em palavras distintas do mesmo verso. Isso pode ocorrer tanto com vogais quanto com consoantes, criando uma sonoridade interna que reforça o ritmo e a melodia do poema.
Exemplo de homofonia no verso:
"A brisa, branda, dança na varanda."
"A brisa, branda, dança na varanda."
Nesse exemplo, a repetição do som "br" e "a" dentro do mesmo verso gera uma musicalidade que se aproxima da aliteração (repetição de consoantes) e da assonância (repetição de vogais), mas também cria homofonia, tornando o som do verso mais harmônico e coeso.
3.2.4.2 Homofonia na Rima
A homofonia na rima refere-se à repetição de sons idênticos ou similares no final dos versos, onde a rima é formada. Ela pode ocorrer com perfeição total (como nas rimas consonantais) ou parcial (como nas rimas toantes ou assonantes).
Rima Consonantal ou perfeita: A homofonia é exata, porque vogais e consoantes finais são idênticas.
Exemplo: coração e solidão;
Rima Assonante ou toante: A homofonia ocorre apenas nas vogais, enquanto as consoantes diferem. Exemplo: alma e marca.
Rima Assonante ou toante: A homofonia ocorre apenas nas vogais, enquanto as consoantes diferem. Exemplo: alma e marca.
3.2.4.3 Efeitos da Homofonia
A homofonia, tanto nos versos quanto nas rimas, intensifica a coesão sonora do poema e contribui para seu ritmo e musicalidade. Poetas utilizam a homofonia como um recurso estilístico para enfatizar sentimentos, ideias ou atmosferas, além de tornar a leitura mais fluida e agradável.
Exemplo completo com homofonia nos versos e na rima:
"A brisa sopra leve no arvoredo (A)
E o canto das aves enche o ar (B)
É a paz que nasce cedo (A)
No encanto de um luar." (B)
Nesse exemplo, há homofonia na rima final (arvoredo/cedo e ar/luar) e internamente no verso (leve e ar), além de assonância nas vogais abertas "a" e "e". A escolha cuidadosa desses sons reforça a harmonia e o sentimento de tranquilidade que o poema tenta transmitir.
3.2.4.4 Importância para a Poesia
A homofonia, quando bem aplicada, traz ao poema uma estética sonora agradável e confere ao texto um tom musical. É um recurso que pode ser explorado com diferentes intenções: para criar uma atmosfera serena, dramática, ou até para sugerir uma sensação de continuidade ou eco, tornando a poesia rica e emocionalmente envolvente.
4. Formas de estrutura poética
As
estruturas poéticas são formas que os poetas utilizam para organizar e
expressar seus pensamentos, sentimentos e ideias em uma obra poética.
Existem várias formas de estruturas poéticas, que variam em termos de
forma, tamanho, conteúdo e estilo. Aqui estão algumas das principais
formas de estruturas poéticas:
1. Soneto:
Um soneto é um poema de 14 linhas, dividido em quatro quartetos (quatro
linhas) e um final de dois versos. Existem dois tipos de sonetos: o
soneto shakespeariano, que segue o padrão de rimas ABAB CDCD EFEF GG, e o
soneto italiano, que segue o padrão de rimas ABBA ABBA CDCD CD.
2. Haiku:
Um haiku é um poema curto de três linhas, originário do Japão. A
estrutura tradicional de um haiku é de 5-7-5 sílabas por linha, com um
tema natural ou uma imagem.
3. Ode:
Uma ode é um poema longo e formal, geralmente escrito em homenagem a
uma pessoa, lugar ou coisa. É caracterizada por uma estrutura complexa e
um tom elevado.
4. Balada:
Uma balada é um poema narrativo que conta uma história em verso,
geralmente com um refrão que se repete ao longo do poema. A estrutura de
uma balada pode variar, mas geralmente é escrita em quartetos (quatro
linhas) com um padrão de rimas.
5. Verso livre:
O verso livre é uma forma de poesia que não segue uma estrutura
específica ou padrão de rimas. Os poetas que escrevem em verso livre têm
mais liberdade para experimentar com a forma e o conteúdo.
6. Tanka:
O tanka é um poema japonês similar ao haiku, mas com uma estrutura de
5-7-5-7-7 sílabas por linha. É mais longo que um haiku e pode ter um tom
mais emocional.
7. Limerick: Um limerick é um poema humorístico de cinco linhas, com um padrão de rimas AABBA e um tom ligeiro e divertido.
8. Cinquain:
O cinquain é um poema de cinco linhas, com uma estrutura específica de
sílabas por linha: 2-4-6-8-2. Foi criado pela poetisa americana Adelaide
Crapsey.
9. Sestina:
A sestina é um poema de 39 linhas, dividido em sete sextetos (seis
linhas) e um final de três linhas. A estrutura é caracterizada por uma
repetição de palavras e frases ao longo do poema.
10. Villanelle:
A villanelle é um poema de 19 linhas, dividido em cinco tercetos (três
linhas) e um final de quatrain (quatro linhas). A estrutura é
caracterizada por uma repetição de palavras e frases ao longo do poema.
11. Triolet: O triolet é um poema de oito linhas, com uma estrutura específica de rimas e repetição de palavras.
12. Quatrain: O quatrain é um poema de quatro linhas, com uma estrutura específica de rimas e conteúdo.
13. Couplets: Os couplets são dois versos que se acompanham, geralmente com um padrão de rimas.
14. Terza Rima: A terza rima é um poema italiano que consiste em tercetos (três linhas) com um padrão de rimas específico.
Essas
são apenas algumas das principais formas de estruturas poéticas.
Existem muitas outras formas e subformas, e os poetas frequentemente
experimentam e criam suas próprias estruturas únicas.
Dísticos
são uma forma de estrutura poética que consiste em dois versos que se
relacionam entre si de maneira significativa. Os dísticos são
frequentemente usados em poemas para criar um efeito específico, como
contrastar ideias, apresentar uma imagem ou uma ideia, ou criar um
sentido de continuidade ou de conclusão.
Os
dísticos podem ser classificados em diferentes tipos, dependendo da
maneira como os versos se relacionam entre si. Aqui estão algumas das
formas mais comuns de dísticos:
- Dístico antitético: Os dois versos apresentam ideias ou imagens opostas, criando um contraste entre si.
- Dístico paralelo: Os dois versos apresentam ideias ou imagens semelhantes, criando uma sensação de continuidade ou de harmonia.
- Dístico de causa e efeito: O primeiro verso apresenta uma causa e o segundo verso apresenta o efeito ou a consequência.
- Dístico de imagem e explicação: O primeiro verso apresenta uma imagem ou uma ideia, e o segundo verso explica ou desenvolve essa imagem ou ideia.
Os dísticos são frequentemente usados em poemas para criar um efeito específico, como:
- Criar um contraste entre ideias ou imagens
- Apresentar uma imagem ou uma ideia de maneira clara e concisa
- Criar uma sensação de continuidade ou de harmonia
- Explicar ou desenvolver uma ideia ou imagem
- Criar um sense de surpresa ou de ironia
Os
dísticos são uma forma de estrutura poética que consiste em dois versos
que se relacionam entre si de maneira significativa, criando um efeito
específico ou apresentando uma ideia ou imagem de maneira clara e
concisa.
Escrever
dísticos eficazes requer prática, criatividade e atenção à estrutura e
ao conteúdo. Aqui estão algumas dicas para ajudá-lo a escrever seus
próprios dísticos eficazes:
- Defina o propósito: Antes de começar a escrever, defina o propósito do seu dístico. O que você deseja comunicar ou expressar? Qual é a ideia ou imagem que você quer apresentar?
- Escolha as palavras cuidadosamente: As palavras escolhidas devem ser precisas e evocativas. Use linguagem concisa e clara para evitar ambiguidade.
- Crie um contraste: Dísticos antitéticos são muito eficazes. Crie um contraste entre os dois versos para apresentar ideias opostas ou imagens contrastantes.
- Use a rima e o ritmo: A rima e o ritmo podem ajudar a criar um efeito musical e a tornar o dístico mais memorável. Use-os para criar um efeito específico ou para enfatizar a mensagem.
- Mantenha a simplicidade: Dísticos eficazes são frequentemente simples e diretos. Evite usar linguagem complexa ou excessiva ornamentação.
- Edite e revise: Leia e revise seu dístico várias vezes. Certifique-se de que as palavras escolhidas sejam precisas e que o efeito desejado seja alcançado.
- Experimente diferentes formas: Dísticos podem tomar muitas formas. Experimente diferentes estruturas, como dísticos antitéticos, paralelos, de causa e efeito, ou de imagem e explicação.
- Use a imaginação: Dísticos devem ser criativos e originais. Use sua imaginação para criar imagens e ideias únicas e inovadoras.
5. Cuidados e dicas
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Os versos podem estar certos na medida, mas podem não ter melodia;
-
Convém evitar as palavras de difícil encaixe, que são as de pronunciação custosa;
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Evite a cacofonias e os hiatos;
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Aos poetas humorísticos é permitido certas licenças;
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Conhecida a teoria, deve-se habituar o ouvido à cadência dos diferentes metros, principalmente do decassílabo puro, do de seis e sete sílabas (redondilha), o mais popular dos versos da língua portuguesa;
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Praticar e praticar muito, é preciso;
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Deve-se começar pela redondilha, não procurando combinar ideias, exprimir pensamentos, mas reunindo palavras desconexas, porém que se ajustem, e deem o verso sonoro e cantante, com todos o requisitos exigidos pelos mestres;
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Evite os versos duros: palavras de pronúncia desagradável ou difícil, os monossílabos fortemente acentuados, repetições de consoantes e os que, na contagem das sílabas, se fazem elisões forçadas;
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Evite os versos frouxos: os que dão lugar ao hiato, pausas forçadas pela conjunção “e”;
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O A é brilhante e arrojado; o E tênue e incerto; o I sutil e triste; o O animoso e forte; o U carrancudo e turvo;
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Deve o poeta estudar com afinco a sua língua, conhecer-lhe as origens, a filiação, ler o maior número de clássicos autorizados, para só depois se arriscar a arte difícil de fazer versos;
-
Evite os versos monófonos: Os versos monófonos são uma forma de estrutura poética em que cada verso tem apenas uma sílaba ou uma palavra. É uma técnica utilizada em poesia para criar um efeito específico, como um tom de suspense, uma sensação de brevidade ou uma atmosfera de introspecção.Os versos monófonos podem ser utilizados de várias maneiras, como:
- Monósticos: Um poema composto por versos monófonos, em que cada verso é uma palavra ou uma sílaba.
- Monólogo: Um poema que consiste em uma série de versos monófonos que expressam um pensamento ou uma emoção.
- Frase monófona: Uma frase que consiste em uma série de palavras que são cada uma um verso monófono.
Os versos monófonos podem ser utilizados para criar um efeito de:- Suspense: Ao apresentar uma palavra ou uma sílaba por vez, o leitor é mantido em suspense, aguardando o próximo verso.
- Introspecção: Os versos monófonos podem criar uma atmosfera de introspecção e reflexão, como se o poeta estivesse pensando em voz alta.
- Brevidade: A falta de palavras pode criar uma sensação de brevidade e concisão, como se o poeta estivesse tentando expressar algo em poucas palavras.
Exemplo de um poema com versos monófonos:Silêncio
Negro
Vazio
Eterno
Sem
Fim
Nada
MaisNesse exemplo, cada verso é uma palavra ou uma sílaba, criando um efeito de suspense e introspecção. O poema pode ser lido de várias maneiras, e o leitor pode interpretar o significado das palavras em diferentes contextos.Os versos monófonos são uma técnica poética interessante e desafiadora, que requer habilidade e criatividade do poeta para criar um efeito significativo com poucas palavras.6. Unidade Temática e Semântica
O soneto, uma forma poética altamente estruturada, caracteriza-se pela unidade temática e semântica, alcançada por meio de sua concisão e de seus esquemas de rima intrincados. Essa estrutura faz do soneto um meio privilegiado para expressar emoções intensas e reflexões filosóficas, condensando temas complexos em apenas catorze versos. A harmonia entre unidade temática e semântica é garantida por elementos estruturais como coerência, integridade e pela interação dinâmica da linguagem figurativa.6.1 Elementos Temáticos
- Amor e Tempo – Os sonetos de Shakespeare, por exemplo, exploram o amor, a beleza e a passagem do tempo, refletindo a sensibilidade humanística do Renascimento. Esses temas frequentemente se entrelaçam para sugerir que o verdadeiro amor e a poesia podem transcender o tempo, proporcionando uma forma de imortalidade (Shen & Liu, 2016).
- Versatilidade – Embora tradicionalmente associado ao amor, o soneto também aborda temas filosóficos, devocionais e até mesmo cômicos, demonstrando sua capacidade de adaptação a diferentes assuntos e emoções (Fuller, 1999).
6.2 Unidade Semântica
- Coerência e Integridade – A estrutura rígida do soneto favorece sua coerência, garantindo uma expressão temática unificada. O paralelismo sintático e as repetições lexicais intensificam sua profundidade semântica e fortalecem sua integridade artística.
- Estrutura Dinâmica – A organização em quartetos e tercetos permite um desenvolvimento progressivo das ideias. Por exemplo, os sonetos de Maxym Rylskyi utilizam linguagem figurativa para mesclar diferentes linhas semânticas, criando uma síntese harmoniosa de conceitos (Moisiienko, 2019).
6.3 Composição Estrutural
Forma e Rima – O esquema de rimas do soneto contribui para sua unidade temática e semântica, permitindo uma expressão concentrada de ideias. Essa estrutura faz do soneto um "monumento do momento", capturando emoções e pensamentos efêmeros com intensidade (Burt & Mikics, 2010).
- Evolução Histórica – Desde suas origens na Sicília medieval até suas adaptações modernas, o soneto preservou seus elementos essenciais, ao mesmo tempo em que possibilitou experimentações criativas ao longo dos séculos (Burt & Mikics, 2010).
Embora o soneto seja marcado por sua unidade, ele também oferece espaço para explorar conflitos e contrastes internos. O uso de antíteses e o desenvolvimento temático dinâmico podem introduzir tensão e complexidade dentro dessa forma concisa, tornando o soneto uma estrutura poética tanto harmoniosa quanto expressivamente intensa (Moisiienko, 2019).7. Passos para compor um soneto
Compor um soneto exige planejamento e domínio da métrica, rima e ritmo. Seguem os passos principais:7.1 Escolha Temática
Defina a ideia central do soneto. Pode ser um sentimento, uma reflexão filosófica, uma cena ou um dilema humano.7.2 Planejamento estrutural (estrutura formal)
O soneto clássico tem 14 versos decassílabos distribuídos em:
- Dois quartetos (estrofes de quatro versos)
- Dois tercetos (estrofes de três versos)
- O esquema de rimas pode variar, mas os mais comuns são:
- Petrarquiano (ABBA ABBA CDE CDE ou CDC DCD)
- Shakespeareano (ABAB CDCD EFEF GG)
- Camoniano (ABBA ABBA CCD EED ou EDE)
7.3 Construção do Ritmo
- No decassílabo heroico, os acentos tônicos principais caem na 6ª e 10ª sílaba (exemplo: “As armas e os barões assinalados”).
- No decassílabo sáfico, os acentos fortes caem na 4ª, 8ª e 10ª sílaba.
- O ideal é manter a fluidez, evitando versos truncados ou monótonos.
7.4 Desenvolvimento do Pensamento
O soneto geralmente tem uma progressão lógica:
Primeiro quarteto – Apresentação do tema ou problema.
Segundo quarteto – Expansão da ideia ou complicação do tema.
Primeiro terceto – Caminho para a solução ou reflexão.
Último terceto – Fechamento impactante, síntese ou reviravolta.
7.5 Uso de Figuras de Linguagem
Para enriquecer o soneto, utilize metáforas, aliterações, paradoxos e imagens poéticas que reforcem o tema.
7.6 Revisão e Ajustes
Após a escrita, revise para garantir a regularidade da métrica, a coerência da ideia e a força expressiva dos versos. Leia em voz alta para sentir o ritmo e fazer ajustes.
7.7 Como manter a fluidez, evitando versos truncados e monótonos?
Para manter a fluidez do soneto e evitar versos truncados ou monótonos, é preciso atenção à métrica, ao ritmo e à escolha das palavras. Aqui estão algumas estratégias:
7.7.1 Respeitar a Métrica sem Rigidez Excessiva
- O decassílabo deve ter dez sílabas poéticas, mas isso não significa que ele deva soar forçado.
- Utilize sinalefa (fusão de vogais entre palavras) e hiato intencional para ajustar a contagem sem prejudicar a naturalidade.
- Exemplo de sinalefa: “E a alma vagueia entre sombras e luz” (o “a” de “alma” se funde com o “e” de “e”).
7.7.2 Posicionar Bem os Acentos Métricos
- O decassílabo heroico (acentos na 6ª e 10ª sílaba) tende a ser mais fluido:
- “Nos olhos tristes vejo a solidão”
- O decassílabo sáfico (acentos na 4ª, 8ª e 10ª) pode trazer variação rítmica sem perder a cadência:
- “A brisa fria corta a minha face”
- Evite acentos tônicos em posições aleatórias, pois isso pode quebrar a musicalidade.
7.7.3 Usar Encontros Vocálicos e Consonantais com Cuidado
- Evite muitas palavras monossilábicas seguidas, pois isso pode gerar um ritmo travado.
- Exemplo ruim: “Se eu for, já não há quem me vá ver”
- Melhor: “Se acaso eu partir, quem há de olhar?”
- Consoantes duras em excesso podem tornar o verso pesado. Use aliterações suaves para dar musicalidade.
7.7.4 Variar a Construção Sintática
- Não use sempre a mesma estrutura frasal (sujeito + verbo + complemento). Alterne inversões sintáticas para evitar previsibilidade.
- Exemplo repetitivo:
- “A noite cai e eu vejo o céu escuro”
- “O sol se esconde e o vento sopra frio”
- Melhor:
- “Cai a noite e se apaga a luz do dia”
- “Esconde-se o sol, e o vento sopra frio”
- Exemplo repetitivo:
7.7.5 Escolher Palavras Sonoras e Imagens Expressivas
- Prefira palavras que contribuam para a musicalidade e evitem cacofonia.
- O uso de assonância (repetição de vogais) e aliteração (repetição de consoantes) pode reforçar o ritmo sem forçar a métrica.
- “Na estrada fria, a lua se insinua” (assonância em “ia” e “ua”)
7.7.6 Ajustar durante a Revisão
- Leia os versos em voz alta para sentir o fluxo rítmico.
- Se um verso parecer truncado, reescreva-o buscando sinônimos ou reformulações que preservem o sentido sem comprometer a cadência.
8. Explorações Avançadas em Estilo e Linguagem
No estudo avançado dos sonetos, a exploração do estilo e da linguagem vai além da métrica e do esquema de rimas, aprofundando-se em aspectos como variações rítmicas, simbolismo, intertextualidade e inovação estrutural. Eis alguns pontos centrais:1. Variações Rítmicas e Quebra da Regularidade
Mesmo em um soneto com métrica fixa, é possível explorar variações rítmicas para reforçar o sentido do poema:
- Cesarura estratégica: Introdução de pausas internas para enfatizar um conceito ou provocar uma quebra emocional.
- Encadeamento (enjambement): Versos que se prolongam para o seguinte, quebrando a expectativa da pausa métrica e gerando fluidez.
- Anisossonia: Pequenas variações no posicionamento dos acentos fortes, alterando sutilmente a cadência.
📌 Exemplo:
Em João Cabral de Melo Neto, a secura rítmica rompe a musicalidade clássica, enquanto em Vinícius de Moraes, a fluidez sonora intensifica o lirismo.2. Uso Avançado de Figuras de Linguagem
Além das metáforas e personificações usuais, o soneto pode incorporar:
- Sinestesia: Fusão de sensações diferentes (ex.: "um silêncio áspero").
- Oxímoro: Combinação de opostos que geram tensão semântica (ex.: "grito mudo").
- Polissemia: Exploração de palavras com múltiplos sentidos, ampliando camadas interpretativas.
📌 Exemplo:
No soneto “O verbo no infinito”, de Vinícius de Moraes, a simplicidade da linguagem esconde uma densa polissemia sobre a finitude da vida e a eternidade do amor.3. Estruturas Narrativas e Dialógicas
Um soneto pode não ser apenas descritivo, mas narrativo ou dramático:
- Soneto-dramático: Um "diálogo" entre personagens ou um monólogo introspectivo.
- Soneto-narrativo: Conta uma história em 14 versos, como fez Augusto dos Anjos em "Versos Íntimos".
- Fragmentação temporal: Alternância entre tempos verbais para dar dinamismo ao texto.
📌 Exemplo:
No soneto “À sua amada ausente”, Camões transforma um lamento amoroso em um monólogo intenso, criando uma cena dramática.4. Intertextualidade e Desconstrução
Sonetos contemporâneos frequentemente brincam com referências literárias ou rompem com a estrutura clássica:
- Resposta a sonetos antigos: Um soneto pode dialogar com outro, reinterpretando-o.
- Desconstrução formal: Uso de rimas imperfeitas, métrica irregular ou estruturas híbridas.
- Hipercontemporaneidade: Introdução de referências modernas, desafiando a tradição.
📌 Exemplo:
Os sonetos de Glauco Mattoso ironizam e subvertem a tradição, misturando classicismo formal com linguagem irreverente.
Essas explorações avançadas elevam o soneto de uma simples composição formal para um campo de experimentação estética.8.1 Figuras de linguagem
No estudo avançado dos sonetos, o uso refinado das figuras de linguagem potencializa a expressividade e a profundidade do poema. Algumas figuras são mais comuns e eficazes na construção poética. Vamos analisá-las com exemplos:8.1.1 Figuras de Palavras (Tropologia) – Ampliação do Significado
Metáfora – Substituição de um termo por outro com relação implícita.
📌 Exemplo:
"Minh’alma é um mar revolto de saudade."
(A alma não é literalmente um mar, mas a metáfora sugere perturbação emocional.)Metonímia – Substituição por uma parte ou um símbolo relacionado.
📌 Exemplo:
"Bebi Camões em longos goles."
(O autor substitui sua obra.)Sinestesia – Mistura de sensações de diferentes sentidos.
📌 Exemplo:
"Um doce perfume sussurrava no ar."
(A audição e o olfato são combinados para gerar um efeito sensorial mais rico.)Antonomásia – Uso de um nome simbólico para representar alguém.
📌 Exemplo:
"O Cisne de Coimbra fez-se imortal."
(O Cisne de Coimbra = Camões.)8.1.2 Figuras de Construção – Quebra da Estrutura Esperada
Elipse e Zeugma – Omissão de termos para condensar e sugerir.
📌 Exemplo:
"Na sombra, um vulto; na alma, o medo."
(A elipse oculta verbos como "havia" ou "senti", tornando o verso mais conciso.)Hipérbato (Inversão) – Alteração da ordem usual das palavras para dar ênfase ou criar musicalidade.
📌 Exemplo:
"Dos olhos seus a luz me foi farol."
(Ordem usual: "A luz dos seus olhos foi farol para mim.")Anáfora – Repetição de palavras no início de versos para criar ritmo e reforço emocional.
📌 Exemplo:
"Se é dor, cala.
Se é amor, fere.
Se é sorte, some."8.1.3 Figuras de Pensamento – Impacto e Contraste
Paradoxo – Ideias aparentemente contraditórias que revelam uma verdade profunda.
📌 Exemplo:
"Só na prisão da carne sou liberto."
(A liberdade dentro do aprisionamento físico.)Oxímoro – Junção de palavras opostas para criar um efeito poético.
📌 Exemplo:
"Um silêncio ensurdecedor rasgava a noite."Ironia – Expressão que sugere o oposto do que se diz.
📌 Exemplo:
"Tão generoso, deixou-me apenas as migalhas."Eufemismo – Suavização de uma ideia dura.
📌 Exemplo:
"Seu brilho agora descansa entre as estrelas."
(Para expressar a morte de alguém.)Hipérbole – Exagero intencional para intensificar a expressão.
📌 Exemplo:
"Chorei um oceano em tua ausência."8.1.4. Figuras Sonoras – Musicalidade e Harmonia
Aliteração – Repetição de sons consonantais.
📌 Exemplo:
"Sibilam sombras sob o céu sombrio."Assonância – Repetição de vogais para criar um efeito melódico.
📌 Exemplo:
"No vento lento, um lamento."Paronomásia – Palavras semelhantes no som, mas com significados diferentes.
📌 Exemplo:
"Nada na vida é nada se nada nos toca."O domínio dessas figuras permite que um soneto alcance maior profundidade estética e emocional.8.2 Recursos sonoros e visuais
8.2.1 Recursos Sonoros – Ritmo e Harmonia
Os sons das palavras podem tornar o soneto mais fluido, marcante e expressivo.
🔹 Aliteração – Repetição de consoantes
Cria um efeito rítmico ou sonoro que enfatiza a musicalidade.
📌 Exemplo:
"Nos negros nimbos, nuvens negras nascem."
(A repetição do som nasal “n” dá um tom sombrio e pesado.)🔹 Assonância – Repetição de vogais
Destaca a melodia interna do poema.
📌 Exemplo:
"A dor do amor chorava em cor de aurora."
(A repetição da vogal "o" prolonga a sensação melancólica.)🔹 Paronomásia – Palavras semelhantes no som, mas com significados distintos
Cria jogos de palavras interessantes.
📌 Exemplo:
"Canto enquanto encanto e desencanto."🔹 Onomatopeia – Reprodução de sons naturais
Evoca o som diretamente na palavra.
📌 Exemplo:
"O vento uiva entre os galhos secos."🔹 Ritmo e Cesura – Alternância de pausas e velocidades
A interrupção rítmica pode reforçar a dramaticidade.
📌 Exemplo:
"No fim da estrada... só sombras e pó."
(O uso da elipse cria uma pausa que dramatiza o desfecho.)8.2.2 Recursos Visuais – A Construção da Imagem no Soneto
🔹 Disposição Gráfica e Quebra de Versos (Encadeamento ou Enjambement)
Quebrar um verso inesperadamente pode criar tensão e sugerir continuidade.
📌 Exemplo:
"E o vento que nos lábios se despede
leva consigo um último suspiro."
(A pausa obriga o leitor a continuar, prolongando a emoção.)🔹 Uso de Versos Longos x Curtos
- Versos longos criam um tom solene e reflexivo.
- Versos curtos dão dinamismo e impacto.
📌 Exemplo:
"Grita.
Mas ninguém ouve.
Só o tempo escuta."
(O jogo de versos curtos intensifica a angústia.)
🔹 Imagens Fortes e Sinestesia
Evoca sensações múltiplas e amplia a visualidade do soneto.
📌 Exemplo:
"O céu de cinzas pesa sobre os olhos,
num mudo grito, áspere e gelado."
(A cor, o som e o tato são combinados para criar um ambiente opressivo.)🔹 Simetria e Espelhamento
A repetição de palavras ou imagens nos quartetos e tercetos pode criar equilíbrio estético.
📌 Exemplo:
"Se a noite cala, o dia se despe,
Se a vida foge, a sombra me envolve."Os recursos sonoros e visuais fazem do soneto uma experiência não apenas verbal, mas sensorial.
9. Obstáculos Comuns e Estratégias de Superação
Na criação de sonetos, escritores enfrentam diversos desafios, desde a rigidez da métrica até a originalidade do conteúdo. A seguir, destaco os principais obstáculos e as estratégias para superá-los.9.1 Dificuldade em Manter a Métrica e o Ritmo
🔹 Obstáculo: O decassílabo (ou outra métrica escolhida) pode parecer artificial ou forçado, dificultando a fluidez do verso.
✅ Estratégias:
- Marcar as sílabas tônicas antes de fixar os versos.
- Reescrever versos para eliminar sílabas extras sem comprometer o sentido.
- Alternar entre heróico e sáfico, conforme necessário.
- Ler em voz alta para perceber o ritmo natural.
📌 Exemplo:
Verso mal ajustado:
"A tristeza vem e ela machuca" (11 sílabas)
Correção:
"A dor me alcança e fere sem piedade." (10 sílabas, com acento na 6ª e 10ª sílaba)9.2 Encontrar Rimas Ricas e Evitar Rimas Pobres
🔹 Obstáculo: As rimas podem soar previsíveis ou repetitivas (ex.: “amor/dor” ou “coração/paixão”).
✅ Estratégias:
- Explorar dicionários de rimas para fugir do óbvio.
- Preferir rimas ricas (palavras de classes gramaticais diferentes).
- Utilizar encadeamento sonoro (assonância e aliteração ajudam a variar o som).
📌 Exemplo:
Rima pobre: "Eu canto o amor com emoção, / pois tenho fogo no coração."
Rima rica: "Eu canto o amor, que é tempestade, / um mar revolto em sua intensidade."9.3 Manter a Originalidade do Conteúdo
🔹 Obstáculo: O soneto pode cair em clichês ou soar como mera imitação de grandes poetas.
✅ Estratégias:
- Buscar temas incomuns ou abordagens inusitadas (ex.: em vez de “amor idealizado”, explorar “amor fracassado” ou “amor cotidiano”).
- Incorporar imagens e metáforas inovadoras.
- Utilizar pontos de vista diferentes (ex.: um objeto ou um personagem inesperado como narrador).
📌 Exemplo:
Clichê: "Teus olhos brilham como estrelas no céu."
Original: "Nos teus olhos, a noite se derrama, / um abismo que a lua faz seu véu."9.4 Equilibrar Sentido e Forma
🔹 Obstáculo: A rigidez da estrutura pode sufocar a naturalidade da mensagem.
✅ Estratégias:
- Criar primeiro um esboço livre antes de ajustar à métrica.
- Trabalhar com inversões sintáticas naturais, sem exagero.
- Explorar o enjambement para quebrar a rigidez.
📌 Exemplo:
Excesso de inversão:
"Seus olhos vi e a mim sorriram tanto."
Melhor ajuste:
"Seus olhos me sorriram, e eu vi encanto."9.5 Construir um Fechamento Forte no Dístico Final
🔹 Obstáculo: O fechamento pode parecer fraco ou previsível, falhando em impactar o leitor.
✅ Estratégias:
- Usar uma reviravolta (pensamento surpreendente ou mudança de tom).
- Reforçar uma ideia anterior, mas com novas palavras.
- Fechar com um tom filosófico ou reflexivo.
📌 Exemplo:
Fraco: "E assim termina essa história sem cor."
Forte: "E o tempo, que tudo faz cinza, apagou a flor."10. Trabalhando a Métrica
Para trabalhar a métrica na construção de sonetos, especialmente no modelo petrarquiano que você tem estudado, é essencial dominar a contagem silábica poética, os acentos métricos e a musicalidade dos versos. Aqui está um roteiro para garantir que seu soneto tenha uma métrica correta e expressiva:10.1 Escolha do Metro
- O soneto tradicional em língua portuguesa costuma ser composto de versos decassílabos, podendo ser heróicos (acentos principais na 6ª e 10ª sílabas) ou sáfico (acentos na 4ª, 8ª e 10ª sílabas).
- Você pode testar diferentes variações, mas manter a regularidade é fundamental para garantir o ritmo do poema.
10.2 Contagem Silábica Poética
- A contagem de sílabas na poesia difere da prosa. Algumas regras importantes:
- Conta-se até a última sílaba tônica do verso.
- Há a sinalefa (junção de vogais entre palavras: "como a lua" → 3 sílabas métricas).
- A diérese e a crase podem alterar a contagem em casos específicos (exemplo: "ru-im" pode ser contado como uma ou duas sílabas, dependendo do ritmo desejado).
10.3 Ritmo e Acentuação
- Para um decassílabo heroico, distribua os acentos assim:
- Padrão clássico: "Se a noite é fria, a alma se incendeia" (acentos nas sílabas 6 e 10).
- Para um decassílabo sáfico:
- Padrão alternativo: "A sombra vaga e dança entre as estrelas" (acentos nas sílabas 4, 8 e 10).
- Verifique se todos os versos seguem o esquema escolhido, ajustando palavras e elisões conforme necessário.
10.4 Organização das Rimas
- No soneto petrarquiano, o esquema de rimas mais comum é:
- Dois quartetos: ABBA ABBA
- Dois tercetos: CDE CDE (ou variações como CDC DCD).
Esse processo garante um soneto bem estruturado e fluído.
11. Exegese de Sonetos Clássicos
A exegese de sonetos clássicos consiste em uma análise detalhada do conteúdo, da forma e dos significados subjacentes do poema. Envolve a interpretação dos temas, a avaliação dos recursos estilísticos e métricos, e a contextualização da obra dentro da tradição poética.11.1 Passos para a Exegese de um Soneto Clássico
11.1.1 Identificação Estrutural
Forma: Verificar se o soneto segue o modelo petrarquiano (ABBA ABBA CDE CDE) ou shakespeariano (ABAB CDCD EFEF GG).
Métrica: Confirmar se os versos são decassílabos e se seguem o ritmo heroico ou sáfico.11.1.2 Análise Temática
Assunto central: O que o soneto aborda? Amor, tempo, morte, transcendência?
Dualidade entre as estrofes: Nos sonetos petrarquianos, os quartetos frequentemente apresentam uma ideia ou problema, enquanto os tercetos trazem uma reflexão ou resolução.11.1.3 Estudo dos Recursos Poéticos
Figuras de linguagem: Metáforas, metonímias, antíteses, aliterações e outros artifícios.
Intertextualidade: Referências a mitologia, filosofia, religião ou outras obras literárias.
Sonoridade: Uso de assonâncias e aliterações para intensificar a musicalidade.11.1.4 Contextualização Histórica e Autor
Época: O soneto reflete os valores e preocupações do seu tempo?
Estilo do autor: Como a linguagem e os temas se alinham com o restante da obra do poeta?11.2 Camões, Shakespeare e Outros Mestres
11.2.1 Exegese do Soneto “Amor é um fogo que arde sem se ver” – Luís de Camões
Este soneto é um dos mais célebres da língua portuguesa e sintetiza a concepção renascentista do amor, marcada pela contradição e pelo paradoxo. Camões constrói um painel do amor como uma força avassaladora, irracional e contraditória, recorrendo a figuras de linguagem que ressaltam seu caráter enigmático.11.2.1.1 Estrutura Formal
Métrica: Versos decassílabos heroicos (acentos principais na 6ª e 10ª sílabas).
Esquema de rimas: ABBA ABBA CDE CDE, seguindo o modelo petrarquiano.11.2.1.2 Análise Estrofe por Estrofe
Primeira Estrofe (Definições Paradoxais do Amor)Amor é um fogo que arde sem se ver;
É ferida que dói, e não se sente;
É um contentamento descontente;
É dor que desatina sem doer.A estrofe inteira é construída com oxímoros (junção de termos opostos), enfatizando a natureza paradoxal do amor. Camões apresenta o amor como uma força invisível, mas devastadora (“fogo que arde sem se ver”), uma dor que ao mesmo tempo machuca e anestesia (“ferida que dói e não se sente”).Os últimos dois versos reforçam essa dualidade: o amor é ao mesmo tempo alegria e sofrimento (“contentamento descontente”), um sofrimento enlouquecedor que, paradoxalmente, não dói.Segunda Estrofe (O Amor como Desejo e Insatisfação)É um não querer mais que bem querer;
É solitário andar por entre a gente;
É um não contentar-se de contente;
É cuidar que se ganha em se perder.Aqui, o poeta aprofunda as contradições do amor, ressaltando sua ambiguidade psicológica. O amante deseja e rejeita ao mesmo tempo (“não querer mais que bem querer”), sente-se solitário mesmo entre multidões (“solitário andar por entre a gente”) e nunca está plenamente satisfeito.O último verso expressa uma das maiores ironias do amor: o amante sente que está ganhando algo ao se entregar, mas, na verdade, está se perdendo. Essa ideia está ligada ao conceito de amor cortês, no qual a entrega absoluta ao outro é um valor central.Terceira Estrofe (O Amor como Servidão Voluntária)
É um estar-se preso por vontade;
É servir a quem vence, o vencedor;
É um ter com quem nos mata, lealdade.A metáfora da prisão voluntária enfatiza a submissão do amante à força do amor. Há uma inversão da lógica: o vencedor (aquele que conquista o amor) torna-se um servo (“servir a quem vence, o vencedor”).O último verso, “É um ter com quem nos mata, lealdade”, resume o tormento do amor: a fidelidade àquele que, ao mesmo tempo, destrói. Aqui, o poeta dialoga com a tradição clássica, especialmente com o platonismo, em que o amor é visto como um estado de dependência e sofrimento.Quarta Estrofe (Conclusão e Questionamento Retórico)
Mas como causar pode o seu favor
Nos mortais corações conformidade,
Sendo a si tão contrário o mesmo Amor?O soneto se encerra com uma pergunta retórica: como pode o amor gerar harmonia (“conformidade”) nos corações humanos se ele mesmo é feito de contradições?Essa interrogação final deixa o poema em aberto, sugerindo que o amor nunca pode ser plenamente compreendido ou racionalizado. Camões reafirma, assim, a sua visão do amor como um sentimento paradoxal, poderoso e incompreensível.11.2.1.3 Figuras de Linguagem Principais
Oxímoros: Presente em quase todos os versos (“fogo que arde sem se ver”, “contentamento descontente”).
Metáforas: O amor é tratado como fogo, ferida, prisão, luta.
Paralelismos sintáticos: A repetição da estrutura “É...” reforça a sucessão de definições contraditórias do amor.
Interrogação retórica: A pergunta final dá ao poema um tom filosófico e reflexivo.11.2.1.4 Contexto e Influências
O soneto dialoga com a tradição petrarquiana, em que o amor é um sentimento contraditório e doloroso.
Influência do platonismo, que vê o amor como uma busca inatingível.
Elementos do amor cortês, no qual o amante se submete completamente ao ser amado.11.2.1.5 Conclusão
Este soneto de Camões é um dos mais perfeitos exemplos do lirismo renascentista. Ele captura a essência do amor como algo paradoxal, ao mesmo tempo fonte de prazer e dor, desejo e frustração, vida e morte. A construção impecável, a musicalidade e a profundidade temática fazem deste um dos grandes monumentos da poesia em língua portuguesa.11.2.2 Exegese do Soneto 35 – William Shakespeare
Este soneto de Shakespeare pertence à sua famosa sequência de 154 sonetos, muitos dos quais abordam temas como o amor, a traição, o perdão e os dilemas morais do eu lírico. No Soneto 35, Shakespeare trabalha a questão do erro e da culpa, mostrando como o amor pode levar à autotraição e à justificação do imperdoável.11.2.2.1 Estrutura Formal
Métrica: Pentâmetro iâmbico (dez sílabas, com acento alternado a cada duas sílabas, enfatizando a musicalidade).
Esquema de rimas: ABAB CDCD EFEF GG, seguindo o modelo do soneto inglês (shakespeariano).11.2.2.2 Análise Estrofe por Estrofe
Primeira Estrofe (O erro como parte da natureza)Não chores mais o erro cometido;
Na fonte, há lodo; a rosa tem espinho;
O sol no eclipse é sol obscurecido;
Na flor também o inseto faz seu ninho;Aqui, o eu lírico conforta a pessoa amada, dizendo que não há razão para chorar pelo erro cometido. Ele usa metáforas naturais para mostrar que a imperfeição é inerente a todas as coisas:
O lodo na fonte sugere que mesmo algo puro pode ser maculado.
A rosa com espinhos representa a dualidade entre beleza e dor, simbolizando o amor.
O eclipse solar é um fenômeno natural inevitável, assim como os erros humanos.
O inseto na flor reforça a ideia de que até o belo tem suas falhas.
Essas imagens naturalizam o erro, sugerindo que a falha do amado não deve ser considerada uma exceção ou um crime imperdoável.Segunda Estrofe (A cumplicidade na culpa)Erram todos, eu mesmo errei já tanto,
Que te sobram razões de compensar
Com essas faltas minhas tudo quanto
Não terás tu somente a resgatar;Aqui, o eu lírico admite seus próprios erros, justificando indiretamente o erro da pessoa amada. Ele cria um paradoxo moral, sugerindo que, se ele já cometeu tantas falhas, o outro tem "créditos" para cometer as suas.A ideia de "resgatar" insinua uma dívida moral, onde os erros de um podem compensar os erros do outro, reforçando um conceito de reciprocidade no pecado e no perdão.Terceira Estrofe (A traição dos sentidos e a defesa do amado)Os sentidos traíram-te, e meu senso
De parte adversa é mais teu defensor,
Se contra mim te escuso, e me convençoAqui, Shakespeare sugere que a pessoa amada foi vítima dos próprios impulsos e desejos. Os "sentidos" (provavelmente visão, tato, desejo) foram responsáveis pelo erro.No entanto, o eu lírico toma o lado do amado (“De parte adversa é mais teu defensor”), mesmo sabendo que está errado. Ele se contradiz ao defender aquele que o traiu (“Se contra mim te escuso, e me convenço”), mostrando a complexidade emocional da relação.A ideia de advogar em favor do traidor destaca o conflito interno entre a razão e o amor.Dístico Final (A rendição ao criminoso amado)Na batalha do ódio com o amor:
Vítima e cúmplice do criminoso,
Dou-me ao ladrão amado e amoroso.O soneto culmina na conclusão do conflito emocional: o eu lírico reconhece que está preso entre o ódio e o amor, mas cede ao último. Ele se declara ao mesmo tempo vítima e cúmplice da traição, pois, apesar da dor, escolhe permanecer ao lado do traidor.A metáfora do "ladrão amado e amoroso" sugere que a pessoa amada "roubou" algo dele – sua confiança, seu amor ou sua fidelidade –, mas, mesmo assim, ele se entrega.Esse desfecho enfatiza a autodestruição do amor incondicional, um tema recorrente em Shakespeare, onde o desejo e o perdão anulam a razão.11.2.2.3. Figuras de Linguagem Principais
Metáforas da natureza: A fonte, a rosa, o eclipse e a flor ilustram o caráter inevitável do erro humano.
Antíteses: Ódio e amor, vítima e cúmplice, reforçam o conflito psicológico do eu lírico.
Paradoxo: Ao mesmo tempo em que é traído, ele se alia ao traidor.
Metáfora do ladrão: A pessoa amada é representada como um criminoso, mas também como um objeto de devoção.11.2.2.4 Contexto e Interpretações
O Soneto 35 faz parte de uma sequência de poemas dirigidos a um jovem belo, cuja identidade permanece incerta. Muitos estudiosos acreditam que Shakespeare dirigia esses sonetos a um jovem nobre que o poeta admirava profundamente.A traição mencionada pode ser interpretada de várias formas:
Uma traição amorosa real.
A infidelidade emocional ou artística.
Uma metáfora para as decepções inevitáveis nas relações humanas.11.2.2.5 Conclusão
O Soneto 35 é uma profunda meditação sobre o erro, o perdão e a entrega irracional ao amor. Shakespeare nos mostra que o verdadeiro conflito não está apenas na traição do outro, mas na luta interna do próprio eu lírico, que se vê dividido entre o ressentimento e a aceitação.A última linha, “Dou-me ao ladrão amado e amoroso”, resume de forma magistral o paradoxo do amor: muitas vezes, ele nos faz cúmplices de nossa própria dor.11.2.3 Exegese do Soneto de Fidelidade – Vinicius de Moraes
O "Soneto de Fidelidade", um dos mais célebres poemas de Vinicius de Moraes, é uma ode ao amor intenso, vivido no presente, com entrega absoluta, sem projeções para o futuro ou garantias de eternidade. A famosa conclusão, “Que não seja imortal, posto que é chama / Mas que seja infinito enquanto dure”, sintetiza a visão do poeta sobre a efemeridade do amor e a necessidade de vivê-lo plenamente.11.2.3.1 Estrutura Formal
Métrica: Versos decassílabos heroicos (acentos principais na 6ª e 10ª sílabas).
Esquema de rimas: ABBA ABBA CDC DCD, seguindo o modelo clássico do soneto italiano (petrarquiano).
Divisão: Dois quartetos que apresentam o compromisso do eu lírico com o amor e dois tercetos que introduzem a transitoriedade da vida e do próprio sentimento amoroso.11.2.3.2 Análise Estrofe por Estrofe
Primeira Estrofe (A promessa de atenção e dedicação absoluta ao amor)De tudo ao meu amor serei atento
Antes, e com tal zelo, e sempre, e tanto
Que mesmo em face do maior encanto
Dele se encante mais meu pensamento.O eu lírico faz uma promessa de fidelidade, não no sentido estrito da monogamia, mas da atenção e entrega total ao amor. Ele enfatiza a ideia de estar atento a tudo que envolve o sentimento, com zelo (cuidado), sempre (constância) e tanto (intensidade).Na última linha, surge uma ideia paradoxal: mesmo diante do "maior encanto" (possivelmente outras experiências ou tentações), o amor a que ele se dedica será sempre a prioridade de seu pensamento. Essa fidelidade não é imposta por regras externas, mas pela força interior do sentimento.Segunda Estrofe (O desejo de viver o amor em cada instante e sua expressão sincera)Quero vivê-lo em cada vão momento
E em seu louvor hei de espalhar meu canto
E rir meu riso e derramar meu pranto
Ao seu pesar ou seu contentamento.Aqui, o poeta enfatiza o carpe diem amoroso, ou seja, viver cada instante do amor sem reservas. O uso da palavra "vão" reforça a ideia de que até os momentos aparentemente insignificantes merecem ser preenchidos pelo sentimento.A expressão do amor se dá de forma intensa e autêntica, seja na felicidade (rir meu riso), seja na tristeza (derramar meu pranto). O eu lírico não busca apenas os momentos agradáveis, mas compartilha também as dores e angústias do outro. Isso reforça o compromisso de totalidade no sentimento.Terceira Estrofe (A transitoriedade da vida e do amor)E assim, quando mais tarde me procure
Quem sabe a morte, angústia de quem vive
Quem sabe a solidão, fim de quem amaNos tercetos, há uma mudança no tom do poema: o tempo e a finitude entram em cena. O eu lírico reconhece que a vida é passageira e que a morte pode surgir a qualquer momento, interrompendo o amor. A morte é chamada de "angústia de quem vive", pois é o temor inevitável da existência.Além disso, o poeta menciona outro fim possível: a solidão. Se o amor acaba antes da morte, ele deixa no amante uma sensação de vazio, como se fosse uma segunda morte, mas em vida.Dístico Final (O conceito de amor como algo finito, mas intenso)Eu possa me dizer do amor (que tive):
Que não seja imortal, posto que é chama
Mas que seja infinito enquanto dure.Aqui, Vinicius desconstrói a visão tradicional do amor como algo eterno. Ele usa uma metáfora da chama, que é intensa, mas efêmera. Se o amor fosse imortal, não seria chama, pois esta, por natureza, se consome.Porém, essa transitoriedade não diminui sua grandeza. O amor deve ser vivido com infinita intensidade, independentemente de sua duração. Esse conceito se opõe ao ideal romântico tradicional do "amor eterno", propondo, em vez disso, um amor pleno no presente, sem preocupação com o futuro.11.2.3.3 Figuras de Linguagem Principais
Metáfora:"O amor é uma chama" → Representa a paixão, intensa, mas finita."A morte, angústia de quem vive" → A inevitabilidade da finitude humana.Paradoxo:"Que não seja imortal, posto que é chama / Mas que seja infinito enquanto dure" → Um amor que não dura para sempre, mas que é eterno na intensidade do momento.Polissemia:"Vão momento" → Pode significar tanto um instante sem importância quanto um momento transitório, efêmero.Enumeração:"E rir meu riso e derramar meu pranto" → Mostra a diversidade de emoções dentro do amor.11.2.3.4 Contexto e Interpretações
O "Soneto de Fidelidade" foi escrito por Vinicius de Moraes em sua juventude, e reflete sua concepção intensa e carnal do amor, alinhada à sua filosofia de vida. Ele não se prende à idealização romântica do amor eterno, mas enaltece o amor vivido com plenitude no presente.A visão do poeta se aproxima do pensamento existencialista, pois enfatiza que a finitude não desvaloriza o amor, mas o torna mais precioso.Esse conceito de amor também se encaixa na própria biografia de Vinicius, conhecido por seus múltiplos casamentos e paixões intensas, sempre vividas de forma absoluta, mas sem a necessidade de uma duração eterna.11.2.3.5 Conclusão
O "Soneto de Fidelidade" é uma celebração do amor vivido no presente, com entrega total, sem a necessidade de promessas de eternidade. Vinicius desconstrói o ideal romântico do amor imortal e propõe uma nova visão: o amor deve ser infinito na experiência, não na duração.
Essa ideia se traduz na icônica última linha do poema, um dos versos mais citados da literatura brasileira, que sintetiza a essência do amor efêmero, mas absoluto:“Que não seja imortal, posto que é chama, / Mas que seja infinito enquanto dure.”11.2.4 Exegese do "Soneto da Perdida Esperança" – Carlos Drummond de Andrade
Carlos Drummond de Andrade, poeta essencialmente modernista, reformulou a estrutura do soneto, subvertendo tanto sua forma tradicional quanto seu conteúdo. No "Soneto da Perdida Esperança", ele desconstrói a métrica clássica e o rigor formal do gênero, mantendo, no entanto, a essência meditativa e reflexiva do soneto tradicional.Este poema apresenta uma visão desencantada da existência, marcada por um pessimismo profundo e um senso de desorientação que reflete o sentimento de perda e desalento característico de sua poesia.11.2.4.1 Estrutura Formal
Métrica: Versos livres, sem rigidez métrica.
Esquema de rimas: Não há um esquema fixo de rimas, reforçando a sensação de fragmentação e desalento.
Divisão: Segue a estrutura clássica do soneto (dois quartetos e dois tercetos), mas rompe com a métrica tradicional, incorporando a estética modernista.11.2.4.2 Análise Estrofe por Estrofe
Primeira Estrofe (O duplo símbolo da perda: o bonde e a esperança)Perdi o bonde e a esperança.
Volto pálido para casa.
A rua é inútil e nenhum auto
passaria sobre meu corpo.O primeiro verso traz uma metáfora marcante: "Perdi o bonde e a esperança.". A perda do bonde representa não apenas um contratempo cotidiano, mas algo maior: a perda do sentido da vida e da crença em um futuro melhor. O bonde, como meio de transporte coletivo, simboliza o curso das coisas, a linearidade do tempo e a própria coletividade da vida moderna. Ao perder esse bonde, o eu lírico se vê deslocado, marginalizado e sem rumo.O retorno para casa "pálido" reforça um estado de abatimento e fragilidade. A rua, espaço que tradicionalmente representa movimento e possibilidades, é descrita como "inútil", sugerindo uma ausência de propósito.A frase "nenhum auto passaria sobre meu corpo" pode ser lida de forma ambígua: por um lado, há um possível desejo de autodestruição (como se até um atropelamento fosse um evento negado ao eu lírico), por outro, há a ideia de que ele está tão insignificante que até o tráfego o ignora.Segunda Estrofe (O peso da caminhada e a repetição do sofrimento)Vou subir a ladeira lenta
em que os caminhos se fundem.
Todos eles conduzem ao
princípio do drama e da flora.O segundo quarteto sugere um esforço fatigante: "Vou subir a ladeira lenta". A ladeira pode ser interpretada como uma metáfora da própria existência, árdua e exaustiva.A fusão dos caminhos indica uma sensação de ciclo vicioso, de repetição do sofrimento. A expressão "princípio do drama e da flora" é enigmática. O drama pode remeter ao sofrimento humano essencial, ao destino trágico de cada indivíduo. Já a flora pode simbolizar um retorno ao natural, à origem, como se o fim do percurso levasse de volta ao ponto inicial – um ciclo de vida e morte inevitável.Terceira Estrofe (A alienação e a sensação de deslocamento do eu lírico)Não sei se estou sofrendo
ou se é alguém que se diverte
por que não? na noite escassaAqui, Drummond introduz um dilema existencial: o eu lírico não sabe ao certo se seu sofrimento é real ou se apenas faz parte de um jogo maior, em que alguém, distante e alheio, se diverte à custa de sua angústia.A interrogação "por que não?" sugere ironia e resignação. Se tudo parece sem sentido, por que não haveria um espectador invisível se divertindo com a miséria alheia?A "noite escassa" pode representar a solidão e o esvaziamento do tempo. Se a noite é escassa, há uma redução do espaço para sonhos, para possibilidades.Dístico Final (A ironia do eterno e o grito da humanidade)com um insolúvel flautim.
Entretanto há muito tempo
nós gritamos: sim! ao eterno.A imagem do "insolúvel flautim" é profundamente simbólica. O flautim, um instrumento musical de som agudo, pode remeter a um som persistente, irritante, que não leva a solução alguma. O insolúvel remete ao problema sem resposta, à condição humana de busca sem resolução.O último verso resgata a coletividade: "Nós gritamos: sim! ao eterno.". A ironia aqui é evidente. Mesmo em meio à desesperança e ao absurdo da existência, a humanidade continua dizendo "sim" ao eterno, seja por meio da religião, da filosofia ou da ilusão da permanência. No entanto, todo o contexto do soneto mostra que essa eternidade é vazia, é uma crença que se esvai diante da realidade.11.2.4.3 Figuras de Linguagem Principais
Metáfora:"Perdi o bonde e a esperança" → O bonde simboliza o curso da vida, e sua perda representa a perda de propósito."Princípio do drama e da flora" → A repetição cíclica do sofrimento humano e o retorno à natureza.Antítese:"A rua é inútil" → Contraposição entre a ideia de rua (movimento) e sua inutilidade (estagnação).Ironia:"Nós gritamos: sim! ao eterno" → O grito humano pelo eterno se choca com a realidade da efemeridade.Ambiguidade:"Não sei se estou sofrendo ou se é alguém que se diverte" → Questiona se o sofrimento é interno ou imposto por um outro observador.11.2.4.4 Contexto e Interpretações
Este soneto reflete o pessimismo existencial característico da poesia de Drummond. Ele ecoa a angústia do homem moderno, perdido em um mundo onde as estruturas tradicionais (religião, progresso, crenças coletivas) não oferecem mais garantias de sentido.A desilusão e o sentimento de deslocamento são marcas do poema. O eu lírico não se encaixa mais no fluxo da vida (simbolizado pelo bonde perdido) e caminha lentamente, sem expectativa.A ironia final reforça a visão do poeta sobre a condição humana: apesar da falta de sentido, seguimos afirmando a ideia de eternidade, como se ela fosse possível.11.2.4.5 Conclusão
O "Soneto da Perdida Esperança" é um poema marcado pelo desencanto e pela crítica à ilusão do eterno. Drummond subverte a forma do soneto, abandonando a métrica rígida e o esquema fixo de rimas, mas mantendo a essência meditativa e reflexiva do gênero.Através de imagens de deslocamento, cansaço e ironia, o poeta constrói um retrato do homem moderno, que segue caminhando, mas sem esperança, sem bonde, e sem solução.1.2.5. Exegese do Soneto de Ferreira Gullar
Ferreira Gullar, poeta de intensa inquietação existencial e estética, constrói neste soneto uma meditação sobre a busca incessante e frustrada por algo inatingível. O poema evoca um sujeito lírico em uma perseguição obstinada por uma entidade fugidia, que pode simbolizar tanto a poesia quanto o amor, a verdade ou a própria arte.11.2.5.1 Estrutura Formal
Métrica: Predominantemente decassílabo.
Esquema de rimas: ABAB ABAB CCD EED (padrão menos convencional, mas ainda dentro da estrutura do soneto).
Divisão: Dois quartetos e dois tercetos, conforme a tradição do soneto.
Embora siga a estrutura clássica, o tom do poema rompe com a fixidez tradicional, refletindo o espírito modernista de Gullar, que sempre tensionou as formas rígidas da poesia para adequá-las ao fluxo do pensamento e à experiência humana.11.2.5.2 Análise Estrofe por Estrofe
Primeiro Quarteto (A promessa e a busca inicial)Prometi-me possuí-la muito embora
ela me redimisse ou me cegasse.
Busquei-a na catástrofe da aurora,
e na fonte e no muro onde sua face,O poema começa com um tom de promessa e de obsessão: “Prometi-me possuí-la”, ou seja, há um compromisso pessoal e inabalável de alcançar essa entidade misteriosa. O efeito desse encontro é duplo e paradoxal: “redimir ou cegar”, o que remete a uma experiência transformadora e ao mesmo tempo perigosa, como ocorre em muitos mitos de revelação ou epifanias poéticas.O eu lírico busca essa entidade em espaços carregados de simbolismo:
“na catástrofe da aurora” – Aqui, a aurora não é apenas o nascer do dia, mas um momento de transição violenta, sugerindo que o conhecimento ou a beleza vêm acompanhados de caos.
“na fonte e no muro onde sua face” – A fonte simboliza a fluidez e a origem, enquanto o muro representa a barreira, o limite. A figura que o eu lírico procura está entre essas duas forças, oscilando entre a liberdade e o confinamento.
Essa busca por algo que pode ser ao mesmo tempo divino e perigoso lembra a tentativa de capturar a essência da poesia ou do absoluto, um tema recorrente em Ferreira Gullar.Segundo Quarteto (A frustração da busca e a fuga da entidade)entre a alucinação e a paz sonora
da água e do musgo, solitária nasce.
Mas sempre que me acerco vai-se embora
como se me temesse ou me odiasse.A presença dessa entidade é ambígua e contraditória. Ela nasce entre a alucinação e a paz sonora, ou seja, entre o delírio e a serenidade. Isso sugere que sua natureza é indefinível, movendo-se entre extremos e jamais se fixando.O movimento de afastamento é inevitável: “Mas sempre que me acerco vai-se embora”. O eu lírico não consegue apreender essa presença, que parece rejeitá-lo, como se o temesse ou o odiasse. Essa personificação intensifica o caráter dramático da busca: a entidade tem uma vontade própria e foge deliberadamente.Primeiro Terceto (A perseguição obstinada e a ilusão fugaz)Assim persigo-a, lúcido e demente.
Se por detrás da tarde transparente
seus pés vislumbro, logo nos desvãosO oxímoro “lúcido e demente” sintetiza a condição paradoxal do poeta ou do amante obcecado. Ele tem plena consciência de sua busca, mas essa consciência não o impede de agir impulsivamente, movido por um desejo irracional.A imagem da tarde transparente sugere um cenário de transitoriedade, de algo efêmero e diáfano. O eu lírico vislumbra os pés da figura, ou seja, ele apenas capta fragmentos dela, nunca a totalidade. Esse vislumbre é imediatamente frustrado, pois a entidade foge pelos “desvãos das nuvens”, reforçando seu caráter inatingível.Último Terceto (A fragilidade do objeto desejado e a dor da ausência)das nuvens fogem, luminosos e ágeis!
Vocabulário e corpo — deuses frágeis —
eu colho a ausência que me queima as mãos.A primeira imagem reforça o caráter etéreo e fugaz daquilo que é buscado: os pés luminosos e ágeis desaparecem nas nuvens, indicando que essa presença nunca será de fato alcançada.O verso “Vocabulário e corpo — deuses frágeis —” é um dos mais significativos do poema. Ele sugere que a busca pode ser tanto por um amor carnal (o corpo) quanto pela própria poesia (o vocabulário). Ambos, no entanto, são frágeis, como deuses que podem desaparecer a qualquer momento.O último verso, “eu colho a ausência que me queima as mãos”, sintetiza o drama do poema. O eu lírico, em sua busca incessante, acaba por colher o que não existe – a ausência. E essa ausência não é neutra, mas intensa e dolorosa, a ponto de queimá-lo. A ironia suprema é que a tentativa de apreender algo leva apenas ao sofrimento e ao vazio.11.2.5.3 Figuras de Linguagem Principais
Metáforas:“Catástrofe da aurora” → sugere que o nascer do dia não é apenas um evento natural, mas algo caótico e destrutivo.“Eu colho a ausência que me queima as mãos” → a ausência é transformada em algo físico e doloroso.Antítese e Paradoxo:“Lúcido e demente” → a busca é racional e irracional ao mesmo tempo.“Vocabulário e corpo — deuses frágeis” → a poesia e o amor são elevados à divindade, mas ao mesmo tempo são frágeis.Personificação:“Como se me temesse ou me odiasse” → a entidade parece ter emoções próprias, tornando sua fuga ainda mais angustiante.11.2.5.4 Contexto e Interpretação Geral
Este soneto de Ferreira Gullar trabalha com um tema recorrente na poesia: a busca pelo inatingível. A entidade fugidia pode representar diversas coisas:
A poesia, que o poeta tenta capturar, mas que sempre escapa.
O amor idealizado, que nunca se concretiza plenamente.
A verdade absoluta, que se revela apenas parcialmente e nunca de forma definitiva.
A presença do vocabulário como algo divino e frágil reforça a ideia de que a própria linguagem é limitada diante da complexidade da existência e do desejo.A relação com a tradição do soneto é notável: Ferreira Gullar mantém a estrutura clássica, mas imprime um tom moderno, repleto de imagens sensoriais e ambiguidade, aproximando-se da poética do inconformismo e da frustração.11.2.5.5 Conclusão
O soneto de Ferreira Gullar é um poema sobre o desejo de posse e a inevitável frustração desse desejo. O eu lírico empreende uma busca apaixonada, mas seu objeto de desejo está condenado a permanecer inalcançável. A poesia, o amor ou a verdade – qualquer que seja a interpretação adotada – se apresentam como entidades etéreas, fugidias, e a única coisa concreta que resta ao poeta é a ausência, que paradoxalmente se torna sua única posse.Dessa forma, o poema sintetiza o drama humano da busca incessante pelo inalcançável, transformando esse desejo frustrado em uma experiência estética intensa e melancólica.11.2.6 Exegese do Soneto "Querenças" de Francisco Miguel de Moura
O soneto "Querenças" de Francisco Miguel de Moura apresenta um eu lírico que expressa uma intensa aspiração por experiências contraditórias, buscando nelas um sentido existencial e poético. O poema é marcado por uma sucessão de desejos e anseios, estruturados em um jogo de contrastes e paradoxos que revelam um profundo conflito interior.11.2.6.1. Estrutura Formal
Métrica: Decassílabo
Esquema de rimas: ABAB ABAB CDE CDE (uma variação do soneto clássico)
Divisão: Dois quartetos e dois tercetos, conforme a estrutura tradicional.
A escolha do soneto, uma forma fixa e clássica, contrasta com a fluidez dos desejos expressos no poema. Esse choque entre forma e conteúdo reforça a tensão entre a busca por identidade e a impossibilidade de satisfazer todas as "querenças" do eu lírico.11.2.6.2 Análise Estrofe por Estrofe
Primeiro Quarteto (A vaidade e o orgulho de forças impessoais)Quero ter a vaidade dos caminhos:
- Dão passagem, mas pouco dão abrigo.
Quero ter o orgulho do tufão,
quero ter a tristeza do jazigo.O eu lírico começa declarando seus desejos, utilizando imagens fortes e contrastantes."A vaidade dos caminhos" → Os caminhos permitem a passagem, mas não oferecem abrigo. A metáfora sugere um desejo por liberdade e movimento, mas também um afastamento da ideia de acolhimento ou estabilidade.
"O orgulho do tufão" → O tufão é uma força destrutiva, e associá-lo ao orgulho sugere um desejo de poder e intensidade, mesmo que isso signifique caos e solidão.
"A tristeza do jazigo" → Aqui, o eu lírico assume um desejo paradoxal: ele quer possuir a melancolia do túmulo, um símbolo de finitude e silêncio.
Esse quarteto mostra o embate entre força e fragilidade, entre a grandiosidade do tufão e a humildade do caminho, entre a intensidade da tempestade e a resignação da morte.Segundo Quarteto (A fusão entre a natureza e a emoção humana)Quero sentir da tarde a lassidão
e a solidão da noite no deserto,
das pobrezinhas flores - o perfume,
como as nuvens, ficar no céu aberto.Aqui, o eu lírico deseja fundir-se com a natureza, sentindo-a de maneira profunda e simbólica:"Lassidão da tarde" → O final do dia carrega um tom de melancolia e cansaço, uma transição para a escuridão e o repouso.
"Solidão da noite no deserto" → A noite e o deserto são símbolos de isolamento e vazio, sugerindo que o eu lírico deseja experimentar essa sensação de desamparo.
"Das pobrezinhas flores - o perfume" → Há um desejo de absorver a essência das coisas simples, captar sua beleza efêmera. A expressão "pobrezinhas flores" pode indicar um olhar para a singeleza e humildade da vida.
"Como as nuvens, ficar no céu aberto" → As nuvens estão em constante transformação, flutuam livres. O eu lírico quer essa liberdade, essa capacidade de mudar sem amarras.
Neste quarteto, há uma conexão com o efêmero e o imaterial, em que o eu lírico busca sentimentos que transcendem a concretude da vida.Primeiro Terceto (O amor e a arte como expressão do sentir profundo)Quero ter emoções de amor secreto,
sentir como se sente uma paixão,
p'ra cantar glórias e chorar amores.O desejo passa agora para o campo do amor e da emoção."Amor secreto" → O eu lírico não busca um amor exposto, mas aquele guardado no íntimo, talvez um amor impossível ou idealizado.
"Sentir como se sente uma paixão" → Deseja experimentar a intensidade do amor sem necessariamente vivê-lo, como se fosse um observador de si mesmo.
"Cantar glórias e chorar amores" → Aqui, o eu lírico assume um papel artístico. Ele quer transformar essas emoções em arte, celebrar e lamentar, criar por meio do sentir.
Esse terceto sugere que a arte nasce do sofrimento e da exaltação. O poeta deseja viver para poder traduzir essas experiências em palavras.Último Terceto (O paradoxo entre o ideal e o sofrimento humano)Quero viver do ideal concreto,
quero arrancar de mim o coração,
incapaz de conter todas as dores.O final do poema é um clímax emocional."Viver do ideal concreto" → Um aparente paradoxo. O ideal é abstrato, mas o eu lírico deseja que ele seja algo tangível. Isso reflete um conflito entre sonho e realidade.
"Quero arrancar de mim o coração" → A intensidade das emoções torna-se insuportável. Arrancar o coração é uma metáfora para livrar-se da dor, mas também pode indicar o desejo de se libertar das próprias limitações humanas.
"Incapaz de conter todas as dores" → O coração não suporta tanta dor acumulada. O desejo do eu lírico por sentir intensamente traz consigo um fardo insuportável.
O fechamento do soneto traz um sentimento trágico da existência, em que o desejo de viver plenamente esbarra na impossibilidade de suportar o peso da própria sensibilidade.11.2.6.3 Figuras de Linguagem
Metáfora:"A vaidade dos caminhos" → O caminho como símbolo da passagem, mas também da indiferença."O orgulho do tufão" → A tempestade representando a força destrutiva e incontrolável."Arrancar de mim o coração" → Desejo de escapar do sofrimento extremo.Paradoxo:"Ideal concreto" → O ideal é abstrato, mas o eu lírico quer torná-lo real."Quero ter a tristeza do jazigo" → Desejar a melancolia da morte.Personificação:"Dão passagem, mas pouco dão abrigo" → Os caminhos assumem uma função quase humana, oferecendo passagem, mas não proteção.11.2.6.4 Interpretação Geral
O soneto "Querenças" de Francisco Miguel de Moura apresenta um sujeito lírico que deseja viver intensamente, mas também se afastar da dor que essa intensidade traz. Ele anseia por emoções grandiosas e contraditórias, desde a liberdade do tufão até a imobilidade do jazigo, da leveza das nuvens até o peso da paixão.A temática central é a contradição da existência, onde o desejo de sentir se choca com a incapacidade de suportar todas as dores que esse sentir provoca. O poema reflete uma alma atormentada pela própria sensibilidade, que deseja tanto a liberdade quanto o pertencimento, tanto a força quanto a fragilidade.No final, fica a sensação de que o poeta está condenado a sentir e sofrer, a viver intensamente suas querenças, mesmo que isso signifique carregar um coração incapaz de suportar sua própria humanidade.12. Revisão e refinamento
A revisão e o refinamento dos sonetos são processos essenciais para aprimorar a qualidade técnica e artística de uma composição poética. O trabalho de revisão envolve ajustes na forma, no conteúdo e no estilo, garantindo que o poema cumpra seu propósito e alcance o máximo impacto.Aqui estão algumas diretrizes para o processo de revisão e refinamento de sonetos:12.1 Revisão Formal (Métrica e Rima)
Verifique a métrica: A primeira coisa a ser checada é a precisão da métrica. No caso de sonetos, ela deve ser rigorosa. No soneto clássico, a métrica é geralmente o decassílabo (10 sílabas poéticas por verso). Se houver falhas na métrica, ajuste as palavras para que se encaixem no ritmo sem comprometer o sentido.Consistência na pontuação: A pontuação deve ser revisada para garantir que ela ajude a criar o ritmo desejado, sem interrupções abruptas. Ela deve estar alinhada com o fluxo do poema, acentuando as pausas necessárias para a interpretação.Analise o esquema de rimas: O soneto clássico segue o esquema de rimas ABBA ABBA CDE CDE (ou alguma variação dentro dessa estrutura). Verifique se as rimas estão de acordo com o esquema proposto. A escolha das rimas deve ser precisa e sonoramente agradável. Se necessário, substitua palavras que forçam rimas fracas.12.2 Refinamento do Conteúdo
Coerência temática: Releia o soneto para garantir que o tema esteja claro e bem desenvolvido. Cada parte do soneto deve contribuir para o todo. Se algum verso parecer deslocado ou desnecessário, considere reformulá-lo ou até excluí-lo. Verifique se a ideia central está sendo transmitida com clareza.Profundidade emocional: O soneto deve transmitir emoção de maneira eficaz. Se os versos parecerem superficiais, pense em como dar mais profundidade ao sentimento ou à reflexão que o poema está explorando. Pode ser necessário reescrever algumas partes para intensificar a emoção ou a introspecção.Imagem e metáforas: A força do soneto muitas vezes vem de imagens poéticas e metáforas. Reflita sobre o impacto visual ou emocional de cada metáfora. Elas estão sendo eficazes? Estão sendo usadas de forma criativa e não excessivamente clichê? Substitua imagens comuns por imagens mais originais, se necessário.12.3 Refinamento Estilístico
Economia de palavras: A poesia exige uma escrita mais condensada e eficaz. Cada palavra deve ter um propósito. Durante a revisão, elimine palavras redundantes ou que não contribuem para a mensagem ou o ritmo. O soneto deve ser conciso, mas rico em significados.Sonoridade e ritmo: A musicalidade do soneto é fundamental. Releia-o em voz alta para verificar como as palavras soam juntas. A sonoridade pode ser ajustada, trocando palavras que soem forçadas ou que quebrem o ritmo, por outras mais fluidas.Variação no uso de figuras de linguagem: Reflita sobre o uso de figuras de linguagem, como metáforas, antíteses, aliterações e anáforas. Elas estão sendo usadas de forma eficaz? Não sobrecarregue o poema com figuras de linguagem, mas utilize-as de maneira que enriqueçam o conteúdo e não criem confusão.12.4 Quando Revisar e Refinar
Após a escrita inicial: A primeira versão do soneto é apenas o ponto de partida. Após escrevê-lo, dê um tempo e volte a ele mais tarde, com uma nova perspectiva. Isso ajuda a identificar erros que passaram despercebidos na escrita inicial e permite um distanciamento crítico.Revisões em múltiplas etapas: O processo de revisão deve ser gradual. Em uma primeira rodada, foque na métrica e nas rimas. Em uma segunda, trabalhe nas imagens e na clareza do conteúdo. Depois, revise o ritmo e a sonoridade. Em cada etapa, pergunte a si mesmo se o poema está comunicando de forma eficaz o que deseja transmitir.Leitura em voz alta: A leitura em voz alta é um dos melhores métodos para detectar falhas de ritmo ou métricas. Ela permite perceber a musicalidade do poema e como ele flui. Se algum verso ou palavra soar estranho, repense a escolha.Feedback externo: Por fim, receber a opinião de outros, especialmente de leitores ou críticos experientes, pode ajudar a melhorar o poema. Eles podem apontar aspectos que você não percebeu e sugerir melhorias.12.5 Conclusão
Revisar e refinar sonetos é um trabalho contínuo e meticuloso. A cada revisão, o poema ganha maior clareza, profundidade e musicalidade. A prática constante de revisar não só melhora a qualidade dos poemas, mas também aprimora a habilidade do poeta em manipular a forma e o conteúdo de maneira precisa e artística.
13. Ferramentas auxiliares
Atualmente, existem várias ferramentas, tanto tecnológicas quanto tradicionais, que podem ajudar o poeta a alcançar melhor produtividade e eficiência no trabalho contínuo de revisão. A revisão de um poema, especialmente no caso de sonetos, exige atenção aos detalhes, técnica e tempo, e essas ferramentas podem facilitar esse processo. Aqui estão algumas opções:13.1 Ferramentas Tecnológicas
13.1.1 Processadores de Texto (Word Processors)
Microsoft Word / Google Docs: Esses processadores de texto possuem recursos como verificação ortográfica, gramatical e de estilo, que ajudam a eliminar erros técnicos. Além disso, a função de comentários e revisão permite que o poeta faça anotações e compartilhe com outros para obter feedback.Scrivener / Manuskript (alternativa gratuita e organizada para escritores): Uma ferramenta focada em escritores, Scrivener oferece organização de textos, permite o acompanhamento de versões e facilita a escrita contínua, com uma estrutura de projetos que ajuda a manter o trabalho de revisão no lugar.O Scrivener é um processador de texto e software de escrita para autores iniciantes e profissionais. Criado por Keith Blount da empresa Literature & Latte, o Scrivener dispõe de um sistema de manuseamento de documentos, notas e metadata. Isto permite ao utilizador organizar notas, conceitos, pesquisa e documentos inteiros para um fácil acesso e referência a imagens, PDF, áudio, vídeo, páginas web, etc. O Scrivener oferece modelos para roteiros, romances, contos e outros textos de ficção e não-ficção. Após a escrita do texto, o utilizador pode exportar o trabalho para formatação final num dos processadores standard, como Microsoft Word ou LibreOffice Writer.
É um software pago (em regime de pagamento único para que se obtenha uma licença que será inserida dentro do programa), ainda que possa ser usado por 30 dias (que não contam como seguidos - só contam os dias em que usar o programa) sem perda do trabalho elaborado durante o período de experimentação.13.1.2 Ferramentas de Rima e Métrica
Dicionário Criativo (https://www.dicionariocriativo.com.br) – Ajuda a encontrar rimas, sinônimos e expressões idiomáticas.AZRhymes (https://pt.azrhymes.com/): Dicionário de rimas, aliterações e contexto.Separador de sílabas poéticas (https://www.separarensilabas.com/): conta sílabas poéticas, analise de versos, mostrar formato de ritmo '–∪' e outras funcionalidades.Dicionário Informal online (https://www.dicionarioinformal.com.br/): dicionário de definição, sinônimo, antônimo, palavras relacionadas, exemplos, flexões, rimas, compara palavras.Contador de sílabas: https://www.separaremsilabas.com/; https://wordcount.com/pt/syllable-counterDicionário online: https://www.dicio.com.br/Dicionário de rima: https://www.rimador.net/index-po.php13.1.3 Plataformas de Revisão e Feedback
LanguageTool: (https://languagetool.org/pt) – Um corretor avançado de gramática e estilo em português.Conjugação de verbos: https://www.conjugacao.com.br/Portal da língua portuguesa: http://www.portaldalinguaportuguesa.org/main.htmlCorretor ortográfico: https://quillbot.com/pt/Corretor ortográfico: https://www.grammarchecker.com/pt/corretor-de-texto#13.1.4 Software de Análise de Métrica
Poetry Analyzer: Um software que ajuda a verificar a métrica e o ritmo de um poema, identificando automaticamente o número de sílabas poéticas e padrões métricos.Metermaid: Uma ferramenta que verifica automaticamente a métrica e o ritmo dos versos, especialmente útil para sonetos que exigem precisão nas sílabas e no ritmo.13.1.5 Gravações de Áudio e Ferramentas de Leitura
Gravadores de Voz: Usar aplicativos de gravação de voz como o Audacity ou o Evernote permite ao poeta gravar a leitura do poema em voz alta, ajudando a identificar falhas no ritmo e na sonoridade.Read Aloud (em navegadores): Muitos navegadores possuem extensões que permitem ouvir o texto em voz alta, ajudando o poeta a perceber a fluidez do poema e o impacto sonoro.13.1.6 Aplicativos de Organização de Ideias e Anotações
Evernote / Notion / OneNote: Ferramentas que permitem aos poetas organizar ideias, esboços de poemas e revisões em pastas ou cadernos. O uso de tags e links internos ajuda a rastrear o progresso e as versões do poema.Trello / Todoist: Aplicativos de organização de tarefas podem ser usados para criar listas de revisão e etapas, ajudando o poeta a gerenciar o tempo de maneira eficiente entre os diferentes aspectos da revisão.13.2 Ferramentas Tradicionais
13.2.1 Caderno e Caneta
Escrita manual: Muitos poetas ainda preferem escrever e revisar manualmente, já que o ato de escrever à mão permite uma conexão mais profunda com o poema. O uso de cadernos para anotar ideias e revisar versos pode ser um processo mais introspectivo e mais focado.Mind Mapping (Mapas Mentais): Usar papel e caneta para criar mapas mentais ou esquemas ajuda a organizar ideias de forma não linear, explorando novas associações ou ajustes necessários.13.2.2 Leitura em Voz Alta
Leitura física em voz alta: Ler o poema em voz alta é uma técnica crucial na revisão. Isso permite que o poeta perceba problemas de ritmo, fluidez e clareza que podem passar despercebidos em uma leitura silenciosa. A leitura também ajuda a identificar as emoções que o poema evoca.
13.2.3 Fichas de Anotação
Cartões de Revisão: Criar fichas com anotações e reflexões sobre cada parte do poema pode ajudar o poeta a analisar o texto de diferentes ângulos, destacando os pontos fortes e os pontos a melhorar.
13.2.4 Diário Criativo
Reflexão contínua: Muitos poetas mantêm um diário onde anotam pensamentos, reações e revisões de seus próprios poemas. Isso pode ser uma forma de processar a evolução da obra, refletindo sobre seu conteúdo e forma ao longo do tempo.
13.3 Estratégias Complementares
13.3.1 Estudo de Poetas e Obras Clássicas
Análise de outros sonetos: Estudar sonetos de mestres da poesia, como Shakespeare, Camões, Vinícius de Moraes, entre outros, ajuda a entender as nuances da forma, da métrica e das rimas, que podem ser aplicadas à revisão de seus próprios poemas.
13.3.2 Desenvolvimento de uma Rotina de Escrita e Revisão
Agenda de Revisões: Estabeleça um horário fixo para revisar os poemas. Isso pode ser diário ou semanal, dependendo da quantidade de trabalho. A regularidade torna o processo mais eficiente.Feedback de pares: Estabeleça um grupo de leitura ou revisão com outros poetas, onde cada um lê e sugere melhorias nos textos dos outros. Isso proporciona uma visão externa e pode ser um valioso processo de aprimoramento.13.3.3 Conclusão
A combinação dessas ferramentas, seja tecnológicas ou tradicionais, oferece ao poeta uma abordagem multifacetada para a revisão e o refinamento de seus poemas. O uso de recursos digitais pode acelerar a identificação de erros e melhorar a organização, enquanto métodos tradicionais como leitura em voz alta e escrita manual permitem um contato mais profundo com o poema. O equilíbrio entre ambos pode resultar em uma revisão mais eficaz e produtiva.
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